Escucha el programa completo a continuación…
BLOQUE 1
Rock Around The Clock (Bill Haley & the Comets)
Hey, bienvenidos a una nueva sesión y a la segunda parte de nuestra conversación con David Chase -creador de Los Soprano y mi mentor- acerca de la la televisión, el cine y su relación con el rock. Seguimos con la charla, en el Undergound Garage.
Creo que es interesante que hayamos crecido a través del rock, el soul, el blues, el folk, y la era de los cantautores. Nuestra generación es un poco única en ese sentido…
Bueno, fuimos el primer público del rock…
Y las generaciones que seguirán no tienen esa ventaja ni ese input. Es como si nos hubieran criado, sin confusión ni sobre carga en términos de información.
Bueno, al final tú y yo terminamos filmando Not fade away, una película sobre todo ese proceso. Yo soy algo mayor que tú, y fui un chico que creció a mediados de los cincuenta y principios de los sesenta. Toda la música que conocías venía de la radio, era todo lo que había. A menos que tus amigos tuvieran los discos… Chuck Berry cayó preso en el 58 o 59, pero en ese tiempo mucho gente siguió tocando su música y fue así como la conocimos, y luego con la llegada de la invasión británica, resultó que muchas de esas bandas estaban inspiradas en el blues. Y yo, que apenas había escuchado clásicos como St Louis Blues, no tenía idea de la música del Delta, o de Chicago. Muchos estábamos en los college y eso fue parte de la explosión folk.
Claro, el country blues y toda la gente que cayó bajo la influencia de Leadbelly.
Y eso era en un tiempo en que la radio todavía estaba segregada, y no podías tocar canciones de negros en muchas estaciones. Fue el nacimiento de la FM lo que ayudó a quebrar esas barreras… pasaban muchas cosas al mismo tiempo.
En el momento en que Alan Freed, Dewey Phillips y otros DJs de la AM quebraron la barrera , la pasaron bastante mal, a mediados de los 50, cuando la cosa era muy ruda. Esta gente tocaba música de negros para chicos blancos, y en cierto modo los crucificaron. Para la época en que era niño, de 11 o 12 años, a principios de los 60, igual el acceso era más fácil
Dónde lo escuchabas?
En Jersey teníamos al menos dos estaciones: WMCA y WNBC, eran estaciones de Nueva York… poco después comenzaron la migración a las FM.
Era el tiempo de Murray the K…
Claro, el tomó la antorcha de Alan Freed. Fue un tiempo de gran música en la AM, mucho antes que los británicos incluso. Pero mi punto es que si miras hacia atrás, pasamos de tendencia en tendencia, año en año, y hubo poco que se nos escapase de las manos. Podíamos escuchar casi de todo, porque no se producía mucha cantidad. Toda esa era, 50 y 60: rock, blues, folk, girls groups, invasión británica, folk rock, country rock, sicodelia… Eramos capaces de irlo absorbiendo, unos mejor que otros…
A partir de la FM mucho de eso salió del underground.
Pero también se inició la fragmentación total de los 70. El rock and roll se convirtió en rock, y en la FM ya no escuchabas Motown, comenzó la separación y todo se disgregó. Cuando los músicos negros asimilaron la sicodelia todo cambió: me acuerdo de un DJ negro llamado Roscoe que era muy feliz tocando temas como Papa was a Rolling Stone en la FM, ya que hasta ese momento sólo podía colocar a Jimi Hendrix y un poco de Sly and the Family Stone. La AM se arreglaba para combinar pop, rock, música folk y canciones que se escuchaban en los campus, aunque nunca me atrajo mucho. Bob Dylan fue el único cantante folk con el que me identifiqué…
You Can’t Put Your Arms Around A Memory (Johnny Thunders)
Gonna Hustle You (Jan & Dean)
Only The Good Die Young (Billy Joel)
Partimos el programa con el momento más importante en la historia del rock: el instante en que Bill Haley and the Comets comeinzan a cantar Rock Around the Clock. Todo se definió a partir de ahí, con la aparición de este tema en la película Blackboard Jungle –Semilla de maldad, de 1955-… EL resto del programa saldrá a aprtir del soundtrack de Los Soprano y Lilyhammer. Y así sonaba You Can’t Put Your Arms Around A Memory, de Johnny Thunders, (Los Soprano, 2da temporada, ep. 11); luego Gonna Hustle You, de Jan & Dean (Lilyhammer, 2da temp, ep.8) y Only The Good Die Young, Billy Joelm qué tal Billy? (Lilyhammer, 1a temp, ep. 8). Ya volvemos…
BLOQUE 2
Mi gusto por el folk comenzó en la universidad, en primer año. 1963, cuando un amigo de Connecticut me mostró un disco de Bob Dylan. Y eso bastó. Escuché a muchos a partir de ahí. Ahora por alguna razón, una banda de culto como The Holy Modal Rounders tocó en mi colegio, no sé de quién habrá sido la idea o qué representante los llevó. Eran tipos del Village, y los creí interesantes, pero nunca los creí parte de algo más hasta que me topé con Bob Dylan. Ahora tú dices que en el fondo era un rock and roller…
Y lo sostengo. Creo que era un cantante de folk con actitud de rocker y por eso nos llamó la atención. De hecho, fue en ese medio donde dio sus primeros pasos.
Es interesante porque me acuerdo de mi amigo poniendo Girl from the North Country o See that my grave is kept clean –qué título ese-, y sentir que se me abría todo un mundo. Un mundo de historia americana, de tensiones raciales -The lonesome death of Hattie Carroll- y se sentía tan auténtico. Digo se sentía, porque en realidad no teníamos modo de saber que tanto era: escuchábamos muchos temas folk, y casi todos venían del catálogo de Leadbelly, pero no lo sabíamos a los seis años, ni creo que los profesores que nos enseñaban esas canciones tampoco.
Creo que Bob hizo ese mismo proceso pero agregó algo estético, al tiempo que abrazaba la canción, y se convertía en la canción, en vez de ser sólo el tipo que la cantaba, como cualquier otro. Cuando escuchas cualquiera de sus canciones, es la voz la que se destaca por encima de todo, al fabricar por completo una personalidad musical. Eso es lo más increíble de todo. El se inventó a Bob Dylan. Creo que finalmente el folk, los derechos civiles, su casa en Minnesota , la universidad, el rock and roll, y todo lo demás tiene algo que ver, pero su logro fue armar a Dylan.
Alguna vez no se puso el nombre de Blind Boy Grunt, para grabar algo?
Bueno lo hizo, y así ocurre con muchos artistas, que arman su propio paraje para no volverse víctima de las modas, de tu pasado o tus limitaciones familiares. Pienso en Pete Seeger, Woody Guthrie y Joan Baez. Ellos son la cosa real, pero escuchas a Bob y quién resulta más auténtico?
No se supone que se inspiró mucho en Ramblin’ Jack Elliot?
También: dicen que le robó todo, pero al final el efecto es el mismo.
Escuchando esas canciones en el dormitorio de mi amigo, esa guitarra acústica con cuerda de metal, y la armónica. No había nada parecido. Te sentías como en 1927, en una línea de tren, esperando que pasaran los carros para correr detrás de ellos.
El tomó muchos de esos elementos, de Woody Guthrie, Sonny Terry, Jimmy Reed y literalmente te transportaba a los Apalaches.
Me gustaría volver y sentir todo eso de nuevo, por primera vez.
Y lo maravilloso de que cada generación vuelva a experimentar mismo sentimiento y sensación. Ojalá que así sea.
Cada tanto mi mujer y yo volvemos a escuchar It’s allright Ma (I’m only bleeding), una canción posterior a esa era, pero tocada en el mismo estilo, y bueno, el tema es más contemporáneo hoy de lo que era hace medio siglo.
Muy por delante de su tiempo.
Un poco antes de su explosión eléctrica. Creo que Bruce Leghorn tocó en algunas pistas de ese álbum, Bringing it all back home. El sonido de la guitarra eléctrica en temas como It’s all over now, baby blue es muy bello, muy suave.
My My Kind Of A Girl (Ramones)
Don’t Go Looking For My Heart (Death By Unga Bunga)
Viking (Los Lobos)
Who’s Got The Action (Dean Martin)
Partimos con My My Kind Of A Girl, de los Ramones (Lilyhammer, 2da temp., ep.3), luego una dosis de garage clásico: Don’t Go Looking For My Heart, por Death By Unga Bunga (Lilyhammer, 2da temp., ep.6) y más tarde Viking, de Los Lobos. Uff, esa debería haber estado en mi serie, pero es del primer soundtrack de Los Sopranos. Chase siempre me gana por nariz… y cerramos con Who’s Got The Action, con Dean Martin, en el último episodio de Lilyhammer… No les quiero adelantar demasiado si no han visto la serie. Ya seguimos con David Chase, en el Underground Garage.
BLOQUE 3
El punto de toda esta conversación es que mucho del input musical que recibimos es algo que ahora estamos canalizando a través de este otro medio –el audiovisual-, creo que hemos sido afortunados de habernos sumergido en esta diversidad, y no estar limitado al respecto, como puede ocurrir con otras generaciones.
De hecho te iba a preguntar por eso mismo: tú vez alguna diferencia entre canciones lanzadas hoy y las de hace cinco años, en las películas?
Tal vez no estemos viendo las películas donde usan las nuevas canciones. Pero en general no vas a encontrar en las películas el nivel de diversidad de esos años musicales en los que crecimos. Sobre todo porque muchos de los estilos actuales partieron ahí, en ese período de renacimiento –y no estoy usando ese término a la ligera-, porque mucho de lo que hoy consumimos tiene sus raíces ahí. Estoy seguro que hay unas cuantas cosas valiosas, allá afuera, y gente escribiendo canciones, pero estas mirarán hacia atrás sin excepción, hacia esos años. Y te preguntas si acaso existe todavía esa relación entre la música y la sociedad, como se dio en esa época.
No sé si es idea mía o qué, pero cuando escucho una gran canción en una película mediocre, es complejo. Estás todo el rato pensando “esta canción la escuché en otro lado, en un contexto mejor”…
Es la diferencia en cualidad, que la liga a las raíces. Mientras más cerca llegas; más profundidad y resonancia universal obtienes. Más emoción.
Hace poco tuvimos una conversación acerca de esa famosa secuencia de la cocaína en Goodfellas, con esos helicópteros que persiguen a Henry Hill en su día domingo, y hay una canción que suena en el fondo, la canción de Harry Nilsson, y cuando la escuché en la película dije “wowwww, que gran tema”, pero apenas lo recordaba de los días en que salió. Debo haberlo escuchado una o dos veces, pero nunca me di cuenta lo bueno que era, ni que se trataba de Harry Nilsson. El hecho de que volviera a la vida, casi como un fantasma, fue tremendo. Volver a escucharla, con ese poder renovado. Yo tenía la sensación de haberla escuchado antes, pero el efecto ahora era distinto.
La verdad no puedes tener una conversación como esta – sobre canciones y películas- sin hablar de Martin Scorsese…
No, no se puede. La aparición de Mean Streets en el 73, justo al comienzo de esta dispersión musical… su timing fue especial. El momento en que comenzamos a darle la espalda al pasado y mirar hacia al futuro. Fue un momento de separación, desde el glam en adelante. Dejemos la tradición atrás… Y de repente llega Scorsese con Be my baby, y todo el pasado se nos echa encima.
El instante Be my baby en Mean Streets es EL momento. Ese redoble de tambor al comienzo…
Y está esa historia –no sé si es real-, de Scorsese colocando esa canción en los créditos de la película, sin tener los permisos para hacerlo. Y creo que fue John Lennon, que estaba grabando con Phil Spector (el dueño de la canción), el que defendió a Scorsese después que lo dejaron en evidencia y convenció a Spector de no demandarlo.
Y todavía debe ser el mejor uso de una canción en la historia del cine.
Además que fue pionero en el uso de esta juxtaposición de la que estábamos hablando: nunca se me habría ocurrido poner un tema como Jumpin Jack Flash en el contexto de unos mafiosos neoyorkinos, ni menos ligarla a un personaje como el Johnny Boy, de Bobby De Niro. Me choqueó en esos días. Creo que la usó con una cámara lenta. Muy extraño. Nunca te olvidas de esos momentos. Y bueno, Marty tiene un background parecido al nuestro…
Y proviene de la misma área geográfica en Nueva York. Nosotros de Jersey, él de Little Italy.
Y de esa misma diversidad musical de los 50 y 60. Me cuesta expresarlo, pero en esos días existía una variedad increíble de estímulos, pero no como una cacofonía de voces que se anulaban entre sí, todas pulsando por atención. Sino que las teníamos una detrás de otra, y nos dejaba tiempo para procesarla, comprenderla, y archivarla.
Por ejemplo, para establecer la conexión entre Jumpin Jack Flash, fines de los 60 y aspirantes a mafiosos en Little Italy. Esa relación no es automática.
Y, sin embargo, Marty la tenía a la mano y bebió de ella. Se dio cuenta de que esas cosas calzaban. Puedo combinar a gente como los Tokens o una canción de Girl Group, o Dion, una de la invasión británica. Una suerte de jukebox mental.
Lo que voy a decir ilustra tu punto perfecto y el hecho de que Scorsese sea el más grande. Era fines de los 60 y estaba en la escuela de cine en California, realizando mi filme de tesis. Era una comedia de gangsters, del tipo Edward G. Robinson: tenía a esos tipos moviéndose arriba de un auto de los años 20, y puse de fondo Who do you love?, de Bo Diddley. Creo que ese era el tipo de cosas que ocurría en la cabeza de la gente en esos días.
Es interesante, qué año era este?
69, 70. Y pensaba en mi amigo Donnie, diciéndome no uses esa clase de música en las películas. No pongas rock n roll.
The Lion Sleeps Tonight (The Tokens)
Undercover Of Night (The Rolling Stones)
B-A-B-Y (Carla Thomas)
Escuchábamos The Lion Sleeps Tonight, por The Tokens (Lilyhammer, 2da temp., ep. 2), luego vamos a Los Soprano, Quinta temp., ep. 2, con Undercover Of Night, uno de los mejores tracks modernos de The Rolling Stones (todo lo posterior a Exile, merece ser calificado de “moderno”, jeje). Y, finalmente, otro track de Lilyhammer: B-A-B-Y, de Carla Thomas. Ya regresamos con más en el Underground Garage.
BLOQUE 4
Nuestra canción cool de la semana llega desde Oslo, Noruega: recibamos en el Underground Garage a los Cocktail Splippers.
Shame On Me (Cocktail Slippers)
Take Me For A Little While (Dave Edmunds)
Crosscut Saw (Albert King)
Partimos directo desde Oslo con Shame On Me, de los Cocktail Slippers. Pueden conseguirlo a través de Wicked Cool Records. Después escuchábamos Take Me For A Little While, del gran Dave Edmunds, de la cuarta temporada, episodio 6, de Los Soprano. Y de Lilyhammer: Crosscut Saw… Albert King… No hay canción más sexy que esa. Ni metáfora más sexual, ahora que estamos… Intensa, por decir lo menos.
BLOQUE 5
Estamos llegando al final de nuestra larga conversación con David Chase, con quien estamos cocinando algo de lo que ya se enterarán en los últimos meses. Y volvemos a nuestra conversación.
Siento que al haber nacido en esos años era mucho más sencillo poder llegar y tomar las cosas que escuchabas. Cosas de mucha calidad convivían una al lado de otra, flotaban en el aire mientas creícas. Ni siquiera eramos conscientes de que toda esa grandeza estaba en el aire. Y ahora podemos usarla y darle nuevo sentido.
Creo que un tema central a todo eso, era lo racial. Fue la era de luchar por los derechos civiles y mucho de eso marcó esa música.
Exacto, y sobre todo porque mucha de la música que fabricaban esos chicos era el impulso de blancos por querer ser negros. Eso explica a la perfección toda la invasión británica, repleta de blues y soul. Chicos queriendo tocar como negros y fracasando en forma gloriosa, creando una música mestiza.
Incluso el folk rock cae en esa categoría, porque la tradición apalache es un intento de los blancos del norte por sonar como los blancos del sur.
El lado blanco. Mira, el primer grupo blanco blanco en el que yo puedo pensar son The Byrds. Esos sí que no tenían R&B.
Bueno, el primer single de los Byrds fue un cover de Bob Dylan, Mr Tambourine Man, y recuerda que Dylan versionó varios standars de blues en sus primeros años…
Pero la suma del estilo la produjo Elvis en su primer single: black blues, sonido hillbilly, música country. Toda la historia del rock está contenida en That’s all right mama. Si eras negro y cantabas eso no te respetaban. Pero si eras blanco, lo hacían. Eventualmente apareció Dylan en el mapa, pero la mezcla del blanco más el negro fue la clave de este renacimiento. Esto también se extendió al cine, la política, la literatura, y más allá.
Hubo muchos cambios al mismo tiempo. Ahora, lo divertido es que si uno habla de ese modo la gente se molesta: “hablan demasiado de los sesenta, ojalá se mueran luego!”, jaja.
Lo siento, jeje. Pero eso es lo que creo: que los 60 van a ser estudiados en los próximos cientos de años. Hay gente que viendo el show de The Rascals me ha comentado que se sintió transportado a los 60 por un par horas, musical y visualmente. Es algo que no anticipamos
No sé como lo hiciste, la verdad. Esa música fue producida, pero no sé como obtuviste esas versiones en vivo, wow.
El soundtrack fue algo que buscamos; pero lo que nos superó fue la reacción de la gente al verlo y sentirse viajando en otra época. Nadie salió de esos shows diciendo “no quiero saber nada más de los 60”, sino “eso es lo que la gente siente cuando recuerda cómo eran los 60 y habla de todo ese optimismo y esperanza”. Y creo que eso ya no existe más.
Cuáles eran las demográficas del show? Gente de Brooklyn, Williamsburg?
Uff, de todas las edades y de muchas partes del país. Recuerda que viajamos por todo el país. Gente que nunca entendió eso de las nostalgia, las camisetas y todas esas cosas. Los impregnamos de ese sentimiento.
Y qué hay de Altamont?
Ah, bueno toda la efervescencia se había acabado en esos días. Pero no se puede negar que nacía una cosa distinta, y que sentíamos que algo siempre estaba a punto de ocurrir.
Tal vez estábamos demasiado encima para darnos cuenta, pero te concedo que esa idea es verdad.
Y que esa sensación de optimismo en el aire, ya no existe. Creo que vivimos en perpetua negación de una depresión que acarreamos todo el tiempo.
Pero crees que la gente no se deprimía en los 60?
Obvio que sí, pero la impresión de que algo se liberaba estaba ahí, presente. L idea de que algo cool se venía. La aparición de los Beatles, los Stones, los Animals y luego The Who, uno detrás del otro. En ese tiempo lo dábamos por sentado.
Pero mucha de esa música tocaba temas “adultos” y a veces muy oscuros.
Sobre todo a partir de Dylan. Pero si piensan en algo como el Sgt. Pepper’s –la última expresión del goce musical de esa era- y te devuelves a mirar las letras te das cuenta que muchas de esas letras llevaban una carga negativa, en el sentido realista de la palabra.
She’s leaving home, es un espejo de lo que mucha gente vivía en esa era.
“I’m Fixing a hole where the rain gets in”… A little help from my friends”. Mucho de eso…
The Benefit for Mr. Kite y ese circo al que no te querías acercar.
Todo eso forma un marco junto con Strawberry Fields y Penny Lane. Esa oscuridad enmarcada dentro de una música muy exuberante y brillante.
Creo que es algo que no puedes separar de la experiencia de las drogas.
Y eso es lo que diluyó mucho de la intensidad de esa exploración.
Lo hizo, pero también fue responsable de mucho de lo que se descubrió con todo ese proceso, de esa literatura, de esa actitud de pensar las cosas.
Y si tenías el talento, podías obtener algo de esas cosas. Al revés de la gente que cree que si toma drogas puede llegar a convertirse en Jimi Hendrix, cuando fue precisamente al revés. El era un guitarrista fenomenal desde el comienzo, y luego hizo drogas, que le permitieron brillar como nadie, por un momento.
Más que en otro tipo de drogas, estoy pensando en sustancias como el LSD. No hay que subestimar su efecto, pero esa era una de las cosas que ocurría en esa época de la que hablamos.
Mucho del talento y el ambiente donde estas drogas se consumían ya estaba establecido, y luego estas vinieron y los complementaron, pero jamás los reemplazaron. Creo que esa es la diferencia respecto del uso moderno de las drogas. En los 60 existía gente que las usó para expandir su conciencia. Esa era la idea.
Me acuerdo de haber discurseado a mis viejos y a mi tío italiano en su casa de Yonkers, en una cena de navidad: “las drogas van a cambiarlo todo, van a cambiar el mundo”
Y tenías razón. De alguna forma lo hicieron, jajaja. Se cierra el círculo.
In Your Eyes (Peter Gabriel)
The Blues Is My Business (Etta James)
I’m So Young (The Students)
Nuestro último bloque partía con In Your Eyes, Peter Gabriel, quien cerraba el episodio dos de esta temporada de Lilyhammer. The Blues Is My Business, Etta James, y el negocio (business) está muy bueno, jajaj. El tema fue grabado en 2003, y aparece en la quinta temporada de los Soprano, episodio 3. Cerramos con I’m So Young, mi tema favorito de The Students y una de las grandes interpretaciones vocales de la historias, a cargo de Leroy King. Viene incluida en el episodio siete de esta temporada de Lilyhammer. David Chase, mi padrino, y yo queremos agradecer a Martin Scorsese, el más grande. Nos vemos!