Impulsado por el éxito de The Byrds y los Beatles, a mediados de los 60, el rock and roll pasó de ser una mera música de baile para jóvenes a una auténtica forma de arte, stal como afirma Simon CW Reynolds, reputado autor de «Blissed Out: The Raptures de Rock».
El desarrollo del género no solo ayudó a que los fanáticos de la música la tomaran más en serio, sino que también creó la oportunidad para que los críticos compartieran sus opiniones sobre los discos con el mundo. Así nació la crítica del rock. Revistas como Crawdaddy! y Rolling Stone elevaron a los cantantes de rock al estado de «videntes y sabios» que capturan el espíritu de la época en sus letras y melodías.
La vida es demasiado corta como para pasar el tiempo escuchando mala música. La tarea de los críticos de rock es ayudar a los oyentes a descubrir lo mejor de lo mejor. Actúan como guardianes, influyendo en lo que se reproduce en la radio y en los servicios de streaming, mientras que simultáneamente solidifican el «lugar de un músico en la historia del rock», según escribe Kembrew McLeod en One and a Half Stars: A Critique of Rock Criticism.
Aunque es posible que los críticos no siempre estén de acuerdo sobre un álbum en particular, sus opiniones pueden dar una idea bastante clara en cuanto a música se refiere. Es un lugar ideal para comenzar si se está buscando, digamos, fantásticos álbumes de rock del último medio siglo.
El portal Newsweek realizó una extensa lista de los 100 mejores álbumes de rock de todos los tiempos, según la opinión de los críticos, y la compartimos en detalle a continuación…
100. ‘The Futureheads’/ The Futureheads
A pesar de que The Futureheads no prestó mucha atención a la estructura típica de verso-coro-verso en su disco homónimo, todavía cuenta con toneladas de canciones irresistiblemente pegadizas como “Hounds of Love” y “Decent Days and Nights”, por ejemplo.
99.‘Feast of Wire’ / Calexico
Los accidentados y fascinantes sonidos del desierto del suroeste cobran vida en “Feast of Wire” de Calexico, el cual se basa en una amplia gama de influencias musicales que incluyen surf-rock, jazz, mariachi e incluso grabaciones de campo para crear «un registro excepcionalmente amplio», según clama Eric Swedlund de The A.V. Club.
98. ‘Black Sheep Boy’ / Okkervil River
Okkervil River estuvo a punto de abandonarlo todo un año antes de lanzar «Black Sheep Boy». En quiebra y viviendo en una camioneta, la banda de indie-rock canalizó todos sus desafíos en un último disco, que fue elogiado por la crítica en su lanzamiento, según Nina Corcoran de Consequence of Sound. Las letras hiperliterarias del líder Will Sheff recibieron elogios especiales de Kelefa Sanneh de The New York Times.
97. ‘We Used to Think the Freeway Sounded Like a River’/ Richmond Fontaine
Willy Vlautin, letrista y cantante de Richmond Fontaine, usó sus habilidades como novelista para pintar retratos convincentes en «We Used to Think the Freeway Sounded Like a River». Y a pesar de que este disco de rock alternativo no es necesariamente una obra maestra, tiene destellos de brillantez, según David Gassmann de PopMatters.
96. ‘LCD Soundsystem’ / LCD Soundsystem
LCD Soundsystem se anotó una nominación al Grammy por su álbum de estudio debut. Tom Ridge de Neumu escribió que el disco conservaba «su máxima frescura» con un sonido que puede describirse como «cables desnudos, trabajos expuestos, prediseñados para una máxima accesibilidad».
95. ‘Sno Angel Like You’ / Howe Gelb
Howe Gelb reclutó al coro de gospel canadiense Voices of Praise para «Sno Angel Like You». Eso sí, no es un álbum de gospel: el disco de pop-rock es «resbaladizo, suelto… tarareable» con pistas contagiosas y sonidos de blues arenosos y alegres, afirma Thom Jurek de AllMusic.
94. ‘Thunder, Lightning, Strike’ / The Go! Team
Para su disco debut “Thunder, Lightning, Strike”, The Go! Team capturó ideas y muestras en casetes con una grabadora de cuatro pistas de baja fidelidad y les dio a cada una un “título bastante alucinante”. El álbum se instaló en el puesto número 8 en la lista de los mejores álbumes de 2004 de Pitchfork.
93. ‘You Forgot It in People’ / Broken Social Scene
Según Ryan Schreiber de Pitchfork, Broken Social Scene grabó pistas de «pop perfecto y repetible sin fin» para su segundo álbum de estudio . Sin embargo, la amplitud aireada del álbum y la instrumentación densa y barroca lo elevan más allá de un excelente álbum pop.
92. ‘Rings Around The World’ / Super Furry Animals
James Moore de Drowned in Sound describe el quinto ádisco de estudio de Super Furry Animals como “esencial”, con su sonido de ensueño, experimental y extraño. El disco ecléctico, que incorpora todo, desde death metal hasta techno, fue el primero en ser lanzado simultáneamente como álbum de audio y DVD.
91. ‘The Decline of British Sea Power’ / British Sea Power
Aunque el nombre del álbum debut de British Sea Power puede haber creado pocas expectativas, obtuvo excelentes críticas. Cuenta con un “sonido provocativo, post-punk” con complejidad intelectual y letras inquisitivas sobre la historia checa y la literatura rusa, según Rough Trade.
90. ‘Quicksand / Cradlesnakes’ por Califone
Una mezcla de rock, blues, country, electrónica y folk, “Quicksand / Cradlesnakes” es el disco más seguro de la banda de rock experimental Califone, según clama Delusions of Adequacy. Combina sonidos futuristas inspirados por Brian Eno.
89. ‘Separation Sunday’ / The Hold Steady
Calificado como un “álbum de rock ‘n’ roll que cambia la vida” por Kenneth Partridge de The A.V. Club, “Separation Sunday” es un disco conceptual que explora la búsqueda introspectiva de una niña de sí misma y un poder superior.
88. ‘Robyn’ / Robyn
Canciones de baile cargadas de gancho y pistas de synth-pop le valieron a Robyn elogios de la crítica por su disco homónimo. El álbum llevó a Paul Taylor del Manchester Evening News a describir a la cantante como “una mini Madonna en ciernes”.
87. ‘Mirrored’ / Battles
La banda de rock experimental Battles se apartó del estilo de sus anteriores EP, que eran estrictamente instrumentales, cuando agregaron voces prominentes a “Mirrored”. A los críticos les encantó, y la revista Spin lo calificó como “rock que es a la vez emocionante y progresista”.
86. ‘Comicopera’ / Robert Wyatt
Robert Wyatt colaboró con varios otros músicos, incluidos Brian Eno, Phil Manzanera y Paul Weller en su disco de 2007 “Comicopera”. El dálbum de rock experimental tiene una estructura de tres actos que comienza con lo personal, avanza a lo decididamente político y concluye con una protesta, según Joshua Klein de Pitchfork.
85. ‘Sound of Silver’ / LCD Soundsystem
“Sound of Silver” nos da un golpe emocional devastador, con Dorian Lynskey de The Guardian describiendo el álbum como “dance-rock para adultos”. Obtuvo una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Electrónica / Dance.
84. ‘Mass Romantic’ / The New Pornographers
El rock indie encuentra su lado poderoso del pop en “Mass Romantic” de The New Pornographers, asegura Tim DiGravina de AllMusic. El disco presenta voces pegadizas y una paleta musical diversa influenciada por todos, desde The Beatles y David Bowie hasta T. Rex y Todd Rundgren.
83. ‘Phantom Power’ / Super Furry Animals
Super Furry Animals intentó diseñar su propia música por primera vez en “Phantom Power”. El resultado es un sonido más relajado que dio lugar a lo que algunos críticos promocionaron como el mejor álbum de la banda hasta la fecha, según Matt Walton de la BBC.
82. ‘Seven Swans’ / Sufjan Stevens
El rockero folk Sufjan Stevens exploró el tema de la espiritualidad cristiana en “Seven Swans”. El disco es profundamente sincero y cuenta con mucho banjo, según Nick Sylvester de Pitchfork.
81. ‘Children Running Through’ / Patty Griffin
La voz de Patty Griffin se eleva en las pistas con tintes evangélicos en “Children Running Through”, escribió Scott Mervis del Pittsburgh Post-Gazette. Cuenta con pistas acústicas y baladas poderosas, incluida una canción sobre un trapecista que presenta a Emmylou Harris.
80. ‘The Creek Drank the Cradle’ / Iron & Wine
Sam Beam, el artista detrás de Iron & Wine, tenía la intención de pasar demos de canciones que grabó en casa con Calexico para el trabajo rítmico. En cvez de eso, terminaron con “The Creek Drank the Cradle”, que Tim Perlich de Now Toronto llama “lo mejor que ha hecho en su vida”.
79. ‘Favourite Colours’ / The Sadies
Los Sadies logran un equilibrio entre sus diversos intereses, que incluyen el surf, el garage y el country, en “Favorite Colors”, según Joe Tangari de Pitchfork. Continuó llamando al disco“estilística y sonoramente brillante”.
78. ‘Yankee Hotel Foxtrot’ / Wilco
Después de que el sello discográfico de Wilco se negó a lanzar “Yankee Hotel Foxtrot”, la banda decidió transmitirlo gratis a través de su sitio web. El disco fue lanzado oficialmente al año siguiente, con Brent S. Sirota de Pitchfork llamándolo una “obra maestra».
77. ‘Neon Bible’ / Arcade Fire
The Arcade Fire se basó en el éxito de su primer álbum con su segundo lanzamiento, “Neon Bible”, en 2007. Lo grabaron en una iglesia de Canadá, y según Josh Modell de The A.V. Club, cuenta con letras nítidas y “melodías triunfantes”.
76. ‘Gala Mill’ / The Drones
A pesar de que The Drones se mantuvo fiel a su característico estilo punk-blues, la banda también incursionó en el folk rock para su disco “Gala Mill”. La letras del álbum exploran la historia colonial de Australia, con un narrador (un prisionero) en una pista que cuenta la historia de su llegada desde Irlanda.
75. ‘Ágætis Byrjun’ / Sigur Rós
La exuberante orquestación y el trabajo de guitarra con violonchelo en “Ágætis Byrjun” ayudaron a impulsar a la banda de post-rock islandés Sigur Rós al reconocimiento internacional, escribe Zack Ruskin de SF Weekly. Las canciones del álbum aparecen con frecuencia en bandas sonoras de películas como “Vanilla Sky” y “The Life Aquatic with Steve Zissou”.
74. ‘xx’ / The xx
“xx” incluye canciones melancólicas que se inspiran en el R&B, el post-punk, el rock alternativo y la electrónica. A pesar de que el disco no subió de inmediato en las listas de éxitos, se convirtió en una gran influencia en la escena del indie-rock después de ganar el Premio Mercury en 2010. Otros músicos, incluidos Shakira y Damon Albarn, hicieron versiones de canciones del disco.
73. ‘Franz Ferdinand’ / Franz Ferdinand
Ganador del premio Mercury 2004, el álbum debut homónimo de Franz Ferdinand fue considerado “una obra maestra de funky, punky, suave y fresco desde la primera pista hasta la última” por Simon Fernand de la BBC. Además de recibir elogios de la crítica, el disco también disfrutó de un éxito comercial y fue certificado platino por la RIAA.
72. ‘A Feather in the Engine’ / David Kilgour
David Kilgour equilibra pistas compuestas intrincadamente con sonidos más abstractos y libres en “A Feather in the Engine”, dije Joe Tangari de Pitchfork. En particular, elogió el disco por su belleza, que hace que los oyentes apenas sientan pasar el tiempo mientras escuchan.
71. ‘Let’s Stay Friends’ / Les Savy Fav
Los gamers pueden reconocer la canción “Raging in the Plague Age” de este disco, que apareció en Grand Theft Auto IV. Pero más que un colaborador de la banda sonora de un videojuego, “A Feather in the Engine” es un álbum que rivaliza con la energía y la emoción de los shows en vivo de Les Savy Fav, convirtiéndolo en un verdadero placer para los fans.
70. ‘And Their Refinement of the Decline’ / Stars Of The Lid
Stars of the Lid no esperaba que “And Their Refinement of the Decline” lograra los mismos niveles de éxito que su disco anterior, creyendo que el iPod mataría las ventas. Sin embargo, terminó vendiendo más que “The Tired Sounds of the Stars of the Lid”, dijo la banda a Rolling Stone.
69. ‘Now, More Than Ever’ / Jim Guthrie
Jim Guthrie mostró avances en su habilidad para cantar cuando lanzó “Now, More Than Ever”, según Sean Carruthers de AllMusic.
68. ‘Things We Lost In The Fire’ / Low
Low cruzó los límites de su sonido característicamente bonito y de ritmo deliberado en “Things We Lost in the Fire”, lo que indica un nivel de madurez para la banda, escribió Stephen Thompson de The A.V. Club. Infunde pistas con una mezcla de pop contagioso, fuzz de guitarra e instrumentación más completa.
67. ‘World Without Tears’ / Lucinda Williams
El séptimo disco de estudio de la cantante y compositora Lucinda Williams, “World Without Tears”, reflejó cambios en su vida, particularmente su mudanza a Los Ángeles desde Nashville. Sus canciones son “más ruidosas y grandiosas” en comparación con las de su álbum anterior, escribió Will Hermes de Entertainment Weekly.
66. ‘Cold House’ / Hood
Hood hizo un progreso significativo de sus ritmos post-industriales experimentales anteriores y canciones remezcladas irreverentemente en su quinto disco de estudio, “Cold House”, escribió Phillip Sherburne de Cleveland Scene. ´La producción combina folk indie rock con electrónica experimental y el resultado es profundamente melancólico.
65. ‘The Town And The City’ / Los Lobos
Los Lobos buscaron en la novela debut de Jack Kerouac el título de su disco de estudio número 12. Explora la experiencia de la inmigración mexicoamericana, tocando temas como la soledad y el anhelo.
64. ‘Workbook’ / Bob Mould
Un año después de la separación de Hüsker Dü, el guitarrista y vocalista Bob Mold se lanzó como solista y lanzó su álbum debut “Workbook”. El folk es el género dominante de las pistas de este disco, pero Mold también incluye en ocasionales riffs de guitarra pesados.
63. ‘The Dirty South’ / Drive-By Truckers
La banda de rock sureña Drive-By Truckers explora las complejidades de la cultura sureña y disipa los mitos de algunas de las figuras más conocidas de la región en su disco “The Dirty South”. En medio de un “resurgimiento del rock sureño”, la banda ofreció una versión más profunda e introspectiva del género, convirtiendo finalmente el disco en el “memorial casero en la carretera” de tragedias humanas, informa Stephen M. Deusner de Pitchfork.
62. ‘Dig!!! Lazarus Dig!!!’ / Nick Cave & the Bad Seeds
Grabado en cinco días impresionantemente cortos, “Dig!! Lazarus Dig!!” es el último disco de Nick Cave & the Bad Seeds que incluye a Mick Harvey, miembro fundador de la banda. Stephen M. Deusner de Pitchfork dijo sobre el álbum: “Así es como se supone que envejecen los músicos de rock”.
61. ‘Decoration Day’ / Drive-By Truckers
“Decoration Day” estuvo a la altura de la expectativa que los Drive-By Truckers construyeron después del éxito de su anterior disco, “Southern Rock Opera”. Pero mientras ese álbum presentaba rock sureño más pesado, “Decoration Day” adoptó un enfoque más suave y desnudo.
60. ‘The Argument’ / Fugazi
Fugazi, banda emblema del post-hardcore, salió con fuerza con su último álbum de estudio (hasta la fecha), “The Argument”, lanzado en 2001. Todavía tenía el ambiente art-punk de los discos anteriores del grupo, pero también comenzó a incorporar cuerdas y piano para un sonido diferente, según Chris True de AllMusic.
59. ‘Person Pitch’ / Panda Bear
Panda Bear, alias del artista Noah Lennox, manipuló una mezcla de samples y loops, junto con voces en capas, para crear su tercerdisco en solitario, “Person Pitch”. El álbum captura la luz del sol del hogar adoptivo del artista en Lisboa, Portugal, y demuestra ser “abrumador e inspirador”, dice Mark Richardson de Pitchfork.
58. ‘Blue Record’ / Baroness
“Blue Record” es considerado por LA Weekly como uno de los mejores discos de metal de la historia. El álbum de 44 minutos presenta canciones que se mezclan entre sí con una mezcla de interludios acústicos y letras entrelazadas, según Grayson Currin de Pitchfork. Es una producción que acompaña al anterior disco de Baroness, “Red Album”.
57. ‘Fleet Foxes’ / Fleet Foxes
David Simpson elogió el álbum debut homónimo de Fleet Foxes como “un hito en la música estadounidense”. El disco, fuertemente influenciado por la naturaleza, toca el surf rock y el folk inglés.
56. ‘Leaves Turn Inside You’ / Unwound
En “Leaves Turn Inside You”, Unwound continuó el camino musical que comenzaron en dos de sus álbumes anteriores, “Challenge for a Civilized Society” y “Repetition”. La banda usó un Mellotron, un instrumento electrónico-mecánico que puede producir sonidos de instrumentos orquestales, para darle al disco un sonido distintivo.
55. ‘Pacific Ocean Blue’ / Dennis Wilson
Dennis Wilson se fue en solitario con “Pacific Ocean Blue”, vendiendo más copias que otros discos de Beach Boys que se lanzaron casi al mismo tiempo, según Bob Mehr de American Way. Tenía un sonido más duro y progresivo que el que estaba produciendo su banda.
54. ‘For Emma, Forever Ago’ / Bon Iver
El grupo de folk indie Bon Iver lanzó sudisco debut, “For Emma, Forever Ago”, después de que el cantautor Justin Vernon decidiera tomar un retiro en solitario a la cabaña de caza de su padre en un área remota de Wisconsin, donde se grabaron las pistas. Las pistas cuentan con imágenes naturales y suaves rasgueos acústicos que recuerdan el escenario que el músico pasó para crearlas, afirma Stephen M. Deusner de Pitchfork.
53. ‘Exit’ / Shugo Tokumaru
En “Exit”, el músico Shugo Tokumaru usó más de 50 instrumentos, en su mayoría en un tono mayor, según Matthew Shaer de The Boston Globe, describiéndolo como “una sinfonía de ruido encontrado”, con Tokumaru apuntando a viejas cintas de los Beatles como su material original.
52. ‘I Am a Bird Now’ / Antony and the Johnsons
Devandra Banhart, Lou Reed y Boy George aparecen como invitados en “I Am a Bird Now”, el segundo disco de Antony and the Johnsons. El álbum explora temas de identidad sexual, enfermedad y amor, escribió Anthony Gibbons de Drowned in Sound.
51. ‘Abattoir Blues / The Lyre Of Orpheus’ de Nick Cave & the Bad Seeds
Con dos discos, el decimotercer álbum de Nick Cave & the Bad Seeds está “lleno de asombro” y alegría, según Playlouder. Fue la primera producción que creó el grupo sin su antiguo miembro Blixa Bargeld, que había sido reemplazado por James Johnston.
50. ‘Monoliths & Dimensions’ / Sunn O)))
Sunn O))) le dijo a Metal Underground que “Monoliths & Dimensions” era su trabajo más musical y poderoso hasta el momento. El disco funciona como arte y como una experiencia emocionante, y John Doran de Drowned in Sound lo calificó como “fácilmente el mejor álbum que ha salido este año”.
49. ‘Kill The Moonlight’ / Spoon
Spoon redujo su sonido para resaltar instrumentos individuales como pianos y panderetas en su cuarto disco, “Kill the Moonlight”. Jakob Dorof de Tiny Mix Tapes se refirió a ella como la “obra maestra” de la banda.
48. ‘The Woods’ / Sleater-Kinney
Sleater-Kinney “cuenta un cuento de hadas feminista” en su séptimo disco de estudio, “The Woods”, según Rolling Stone. El álbum fusiona música metal al estilo de la década de 1970 con los sonidos indie-rock que eran populares en la década de los noventa.
47. ‘In Rainbows’ / Radiohead
Al carecer de representación de grandes sellos discográficos, Radiohead llegó a los titulares cuando lanzaron “In Rainbows”, su séptimo disco de estudio, a sus fans pagando lo que quisieran. La descarga digital experimental tenía altas tasas de piratería, aunque se podía obtener gratis, según Eric Garland de NPR.
46. ‘From a Basement on the Hill’ / Elliott Smith
El sextodisco de estudio de Elliott Smith, “From a Basement on the Hill”, fue lanzado después de su muerte en 2003. El álbum contiene pistas que el artista grabó a partir de 2000, muchas de las cuales exploran la lucha de Smith con el abuso de sustancias y problemas de salud mental.
45. ‘Rejoicing in the Hands’ / Devendra Banhart
Devandra Banhard grabó las pistas de baja fidelidad de “Rejoicing in the Hands” en la sala de estar de su ingeniera de grabación, Lynn Bridges. La revista Logo dijo sobre el disco: “Es tan simple … [y] tan sorprendente como puede ser la composición”.
44. ‘Where Shall You Take Me?’ / Damien Jurado
Damian Jurado modificó su brillante sonido indie pop en “un espíritu más orgánico” arraigado en el corazón de su quinto trabajo de estudio “Where Shall You Take Me?”, escribió Sarah Liss de Now Toronto. El álbum celebra la poderosa voz de Jurado y las melodías auténticamente elaboradas.
43. ‘Destroyer’s Rubies’ / Destroyer
“Destroyer’s Rubies” fue diseñado para parecerse a una banda actuando en una habitación, un sonido sorprendentemente diferente del lanzamiento anterior de Destroyer, “Kaputt”, según Thomas Hannan de The Line of Best Fit. El álbum cuenta con letras densas y un sonido centrado en la guitarra, según Metacritic.
42. ‘Stories from the City, Stories from the Sea’ / PJ Harvey
El quinto disco de estudio de la rockera inglesa PJ Harvey es como una carta de amor a la ciudad de Nueva York, donde pasó un tiempo filmando una película en 1998, según Sal Cinquemani de Slant Magazine.El álbum contiene al menos 10 referencias a atracciones en la Gran Manzana, incluidos diferentes distritos, edificios y puentes.
41. ‘Return to Cookie Mountain’ / TV on the Radio
Varios invitados notables como David Bowie, Katrina Ford de Celebration y Kazu Makino de Blonde Redhead hacen apariciones en televisión en el segundo disco de estudio de Radio, “Return to Cookie Mountain”. Brian Josephs de SPIN calificó el álbum como una joya dentro del catálogo de la banda.
40. ‘Dear Science,’ / TV on the Radio
El tercer álbum de TV on the Radio fue llamado “sonoramente vívido, enojado y sensual” por Los Angeles Times. Presenta una versión inteligente del pop y sonidos profundamente estratificados.
39. ‘Ta Det Lugnt’ / Dungen
“Ta Det Lugnt” es el tercer disco del grupo de psych-rock de Suecia, Dungen. Brandon Stosuy de Pitchfork calificó el álbum como “consistentemente alucinante y estéticamente de gran alcance”. La producción ayudó a que el grupo se mantuviera firme.
38. ’69 Love Songs’ / Magnetic Fields
El título del sexto disco de estudio de Magnetic Fields describe exactamente lo que contiene: 69 canciones de amor divididas en tres volúmenes. El líder Stephin Merritt se inspiró para el álbum en “114 Songs” de Charles Ives, así como en la música de Stephen Sondheim.
37. ‘Hypermagic Mountain’ / Lightning Bolt
Lightning Bolt superó su lanzamiento de 2003, “Wonderful Rainbow”, con “Hypermagic Mountain” dos años después, afirma Aaron Richter de la revista Prefix. Añadió que la combinación del álbum de diversos estados de ánimo con rock pesado era evidencia de que la banda era más “que un sonido gigante”.
36. ‘Yours, Mine & Ours’ / Pernice Brothers
“Yours, Mine & Ours” presenta canciones tranquilas y relajantes que se prestan a un crucero informal de verano, diceAmanda Petrusich de Pitchfork. La pista de apertura, “The Weakest Shade of Blue”, apareció en un anuncio de Sherwin-Williams.
35. ‘Superunknown’ / Soundgarden
Soundgarden decidió trabajar con un nuevo productor (Michael Beinhorn) para su cuarto álbum de estudio, “Superunknown”, que se convertiría en su gran avance y debut en el primer lugar en el Billboard 200. Chris Cornell le dijo a Dave Thompson de Alternative Press los miembros de la banda tenían mucha más libertad en este disco en comparación con los lanzamientos anteriores, que solo incluían canciones que gustaban a todos en el grupo.
34. ‘I Was Trying to Describe You to Someone’ / Crime in Stereo
Crime in Stereo, banda de hardcore con sede en Long Island, combina himnos corrosivos con pedales de efectos y voces reverberantes, cuenta Alternative Press. El disco marcó una evolución del disco anterior de la banda, “Is Dead”, y contenía pistas más maduras, según una revisión de Delusions of Adequacy.
33. ‘Songs for the Deaf’ de Queens of the Stone Age
“Songs for the Deaf” lleva a los oyentes en un viaje por carretera de 14 canciones desde Los Ángeles con mucho tráfico hasta el sereno Joshua Tree, según Albert Mudrian de TheFade.net. El álbum se convirtió en el primero de Queens of the Stone Age en obtener la certificación de oro en los Estados Unidos.
32. ‘Merriweather Post Pavilion’ / Animal Collective
Animal Collective buscó privacidad para la grabación de su octavo disco de estudio, por lo que se dirigieron al estudio de grabación Sweet Tea de Mississippi para las sesiones. Mientras estaban allí, experimentaron con técnicas de grabación poco ortodoxas, como equipar la sala de control con sistemas de megafonía, para tratar de darle a “Merriweather Post Pavilion” un sonido similar a sus shows en vivo, según Tom Doyle de Sound on Sound.
31. ‘Fed’ / Plush
El segundo discode Plush, “Fed”, fue lanzado en Japón seis años antes de que llegara a Occidente. Betty Clarke de The Guardian calificó el álbum como “una sinfonía de pop inspirado en Burt Bacharach, soul influenciado por blaxploitation y baladas atemporales”.
30. ‘Bachelor No. 2 or, the Last Remains of the Dodo’ / Aimee Mann
Sin la ayuda de una compañía discográfica, la cantautora Aimee Mann lanzó su tercer disco de estudio exclusivamente en su sitio web en mayo de 2000. Fue uno de los primeros discos en lograr el éxito de ventas únicamente a través de Internet, según Ben Cramer de Playboy. Gran parte del material de “Bachelor No. 2” también apareció en la banda sonora de la película “Magnolia”.
29. ‘Nevermind’ / Nirvana
El histórico “Nevermind” contiene algunos de los temas más famosos de Nirvana, como su sencillo principal, “Smells Like Teen Spirit”, así como “Come as You Are”. Fue el primer disco en incluir al baterista Dave Grohl. El álbum también es conocido por su portada: un bebé desnudo nadando hacia un anzuelo de pesca con un billete de un dólar.
28. ‘HoboSapiens’ / John Cale
En los siete años antes de grabar “HoboSapiens”, John Cale dedicó un tiempo a trabajar en una variedad de otros proyectos, desde escribir un ballet y piezas clásicas hasta hacer partituras para películas. Le dijo a Jay Ruttenberg de Time Out New York que el trabajo extracurricular lo ayudó a acelerar el proceso de escritura y aprovechar las nuevas técnicas de grabación, lo que finalmente le dio al disco una sensación pulida y elegante.
27. ‘Modern Times’ / Bob Dylan
El álbum de estudio número 32 de Bob Dylan, “Modern Times”, fue su primero en las listas de éxitos en los Estados Unidos desde que lanzó “Desire” 30 años antes. El éxito del disco ayudó al hombre de 65 años a convertirse en la persona de mayor edad en la historia de Estados Unidos en llegar directamente a la cima de la lista de Billboard, según NME.
26. ‘Neon Golden’ / The Notwist
“Neon Golden” fue un disco revolucionario para los rockeros independientes alemanes The Notwist. El álbum de Moody Rock incorpora electrónica glitchy para crear diferentes texturas, según Metacritic.
25. ‘Z’ / My Morning Jacket
El grupo de psych-rock My Morning Jacket se apoyó mucho en el sintetizador para crear los sonidos espaciales de su cuarto disco de estudio, «Z». La evolución en el sonido característico de la banda refleja un cambio en la membresía en ese momento: el baterista Patrick Hallahan acababa de unirse a la banda, y el tecladista Danny Cash y el guitarrista Johnny Quaid también habían sido reemplazados recientemente, según Margaret Wappler de Los Angeles Times.
24. ‘XTRMNTR’ / Primal Scream
Este disco, pronunciado “Exterminator”, fue uno de los primeros intentos de Primal Scream de adoptar una postura política, con duras críticas dirigidas al gobierno, la policía y el capitalismo. El álbum presenta un sonido agresivo inspirado en la música industrial.
23. ‘In Utero’ / Nirvana
Nirvana se apartó de la pulida producción de trabajos anteriores y optó por un sonido más crudo en su último disco de estudio, “In Utero”. David Browne, de Entertainment Weekly, lo describió como “rock-and-roll fascinante y catártico”.
22. ‘Funeral’ / Arcade Fire
Dramático y nervioso, “Funeral” fue elogiado por su sonido original y sincero por David Moore de Pitchfork. El disco debut de Arcade Fire llegó a más de una docena de listas de como Spin, Paste y Rolling Stone.
21. ‘Alice’ / Tom Waits
Algunas canciones de “Alice” ya eran bien conocidas por los fanáticos de Tom Waits antes de su lanzamiento oficial en 2002. Las versiones piratas se vendieron después de que un maletín de grabaciones fuera robado del auto dl cantautors, según una entrevista que hizo con Keith Phipps de The A.V. Club. La versión oficial aún obtuvo elogios de la crítica y, en 2006, fue certificada como “diamante” por los premios Impala European Music Sales Awards.
20. ‘Illinois’ / Sufjan Stevens
Mientras se produjo en la ciudad de Nueva York, “Illinois” narra el estado homónimo y su cultura, geografía, historia y arte que el cantautor Sufjan Stevens conoció a través de la investigación. Su profundidad lírica y sus complejas orquestaciones ayudaron a convertirlo en el primer disco de Stevens en llegar al Billboard 200.
19. ‘Is This It?’ / The Strokes
The Strokes causó sensación con el rock melódico y la interacción de dos guitarras en su disco debut “Is This It?” en 2001. Su arte de portada, con una mano enguantada de látex en el trasero desnudo de alguien, provocó controversia cuando llegó a las tiendas minoristas en el Reino Unido y fue reemplazada por imágenes más abstractas antes de su lanzamiento en los Estados Unidos, según Wook Kim de TIME.
18. ‘Raw Power’ / Iggy & the Stooges
“Raw Power” se ha ganado un reconocimiento de culto astronómico desde su lanzamiento en 1973, según Jonathan Hatchman de DIY Magazine. El disco, que presenta ocho canciones coescritas por Iggy Pop y James Williamson, juega con una mezcla de jazz y proto-punk rock y crea un sonido que continúa sintiéndose fresco.
17. ‘Elephant’ / The White Stripes
Después de ganar impulso en sus tres trabajos anteriores, The White Stripes finalmente alcanzó un estatus legendario con el álbum “Elephant”. David Frick de Rolling Stone lo llamó “un trabajo de perfección pulverizadora”. La primera canción del disco, “Seven Nation Army”, le valió al dúo de rock un Grammy.
16. ‘Lost in the Sound of Separation’ / Underoath
“Lost in Sound of Separation” es conocido tanto por su poderosa y apasionada música pesada como por su arte. La edición de lujo del disco recibió una nominación para el premio Dove al mejor empaque de música grabada en 2010, según The Christian Post.
15. ‘Brighten the Corners’ / Pavement
“Brighten the Corners” rebosa de letras misteriosas y abstractas, pero también de un enfoque completamente realizado, escribe Nathan Brackett de Rolling Stone. Los cinco miembros de Pavement estaban juntos para grabar el disco, una novedad para la banda.
14. ‘Achtung Baby’ by U2
Tres años después de recibir duras críticas por “Rattle and Hum”, U2 cambió las cosas con “Achtung Baby”. El séptimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa sigue siendo uno de los más exitosos, debutando en el primer lugar en el Billboard 200. También le valió a la banda un Grammy por “Mejor interpretación de rock por un dúo o grupo con voz”.
13. ‘The Name of this Band Is Talking Heads’ / Talking Heads
Contiene grabaciones en vivo de algunas de las pistas más populares de los primeros cuatro discos de estudio de Talking Heads. El nombre del álbum funciona para enfatizar la preferencia de la banda de tener su nombre escrito sin un artículo definido (“Talking Heads” en contraposición a “The Talking Heads”).
12. ‘Love And Theft’ / Bob Dylan
Bob Dylan culminó un exitoso regreso al final de su carrera con el lanzamiento de “Love And Theft” en 2001, considerado el mejor disco del músico en dos décadas, según Michael Gallucci de Ultimate Classic Rock. Aunque está fuertemente influenciado por el blues, el álbum incluye elementos de jazz, rock, folk y R&B.
11. ‘Some Girls’ / The Rolling Stones
Chuck Arnold de Billboard catalogó a “Some Girls” el último álbum perfecto de The Rolling Stones. Terminó la depresión creativa de la banda, subió a la cima del Billboard 200 y obtuvo una nominación al Grammy por Álbum del año.
10. ‘Led Zeppelin II’ / Led Zeppelin
Algunas de las canciones más queridas de Led Zeppelin, incluidas “Ramble On” y “Whole Lotta Love”, aparecieron en el segundo álbum de estudio de la banda. Aunque el disco tuvo “ventas locales asombrosas”, su sonido duro lo hizo inadecuado para la radio, según Ritchie York de Billboard.
9. ‘Histoire de Melody Nelson’ / Serge Gainsbourg
Serge Gainsbourg desafió los géneros con su disco “Histoire de Melody Nelson”, que tiene un mundo sonoro “como ningún otro en el rock”, según Tom Ewing de Pitchfork. Continuó influyendo en una variedad de otras bandas, incluidas Portishead, Beck, Faith No More y Arctic Monkeys.
8. ‘Electric Ladyland’ / The Jimi Hendrix Experience
El último disco de estudio lanzado antes de la muerte de Jimi Hendrix en 1970, “Electric Ladyland” es considerado como la “verdadera obra maestra” del músico, llena de “nuevos colores, sabores y aventuras sonoras”, según Dan Epstein de Rolling Stone. Crear el álbum fue una experiencia frustrante para Hendrix, un perfeccionista que tuvo dificultades para tratar de llevar los sonidos que imaginaba a la cinta.
7. ‘Led Zeppelin’ / Led Zeppelin
El álbum debut de Led Zeppelin mostró al mundo una nueva versión del hard rock emergente, una que infundía blues en el sonido más duro. Si bien los críticos le dieron malas críticas al disco después de su lanzamiento, fue un éxito entre los fanáticos de la música, y ahora muchas de las canciones se consideran elementos básicos del rock clásico.
6. ‘Brian Wilson Presents SMiLE’ / Brian Wilson
Brian Wilson resucitó el ambicioso álbum “Smile” que The Beach Boys había dejado de lado casi cuatro décadas antes, y lo lanzó como “Brian Wilson Presents SMiLE” en 2004. Wilson combinó partes que la banda había grabado con diferentes músicos en diferentes estudios a lo largo de los años, y agregó letras evocadoras de Van Dyke Parks a las pistas. El periodista de rock Robert Christgau le dio al álbum una calificación A + poco común.
5. ‘Houses of the Holy’ / Led Zeppelin
Jordan Runtagh de Rolling Stone calificó el quinto álbum de Led Zeppelin como “un LP brillante y de transición”. Edisco, muy variado, exploró el funk y el reggae, e incluso incluyó un canto de muerte vikingo.
4. ‘Led Zeppelin III’ / Led Zeppelin
Led Zeppelin comenzó a explorar la música folclórica y un sonido más acústico en su tercer disco de estudio, que debutó en octubre de 1970. El álbum fue escrito mientras la banda se tomaba un descanso en las montañas Cambrian, un entorno bucólico que influyó en la música, después de un torbellino año de gira, según Jaan Uhelszki de Classic Rock.
3. ‘London Calling’ / The Clash
The Clash se expandió más allá de sus raíces punk para explorar el reggae, el rockabilly, el ska e incluso el R&B en “London Calling”. La banda escribió el disco doble en una habitación aislada en un garaje en Londres, lo que les dio la privacidad que necesitaban para explorar diversas influencias musicales, según Kenneth Partridge de Mental Floss.
2. ‘Exile On Main Street’ / The Rolling Stones
Explorando temas como el hedonismo y el sexo, el décimo álbum de estudio de los Rolling Stones presenta muchos de sus conciertos básicos. Si bien inicialmente recibió críticas mixtas, el disco de éxito comercial se convirtió en un legado para la banda, y la revista Rolling Stone lo llamó “un torbellino sucio de blues y boogie”.
1. ‘Led Zeppelin IV’ / Led Zeppelin
El cuarto álbum de estudio de Led Zeppelin vendió más de 32 millones de copias y pasó más de 15 meses encabezando las listas, con canciones como “Stairway to Heaven”, “Black Dog” y “Going to California” pasando a la historia de la música rock. La banda creó mucha mística en torno al disco al lanzarlo sin título ni explicación de los símbolos que lo adornan, según The Build Network.