Es uno de los motivos musicales más reconocibles en la historia del cine: un gemido agudo sobre el ritmo de un bombo pesado, seguido de toques de cuerno graves y entrecortados. Ay-ya-yahhh. Wah-wah-wah. Luego se activa una guitarra con mucha reverberación, junto con un coro de voces de fondo y un ritmo marcial, e inmediatamente te sientes como si estuvieras en el puesto de avanzada más salvaje del salvaje oeste, mirando a los hombres sudorosos y sin afeitar como el instrumental. se construye a un crescendo masivo. Este es el tema de «El Bueno, el Malo y el Feo». Es el sonido de un mundo entero frente a ti, incluso antes de que hayas visto un fotograma de la película. Y eso tenemos que agradecérselo a Ennio Morricone
El compostor italiano fue el autor de dicha pieza que está más estrechamente asociada con los «spaghetti westerns» y los primeros antihéroes de la frontera de Clint Eastwoo;, así como con docenas de otras bandas sonoras memorables para películas de género europeo, éxitos de taquilla de Hollywood y mucho más. Morricone, que murió en junio de 2020 a los 91 años, puede haber estado estrechamente asociado con el subgénero gloriosamente exagerado, pero su trabajo abarca desde la extraña instrumentación de sus primeras colaboraciones con Sergio Leone y Sergio Corbucci hasta la orquestación más exuberante. de su trabajo en piezas de época, melodramas históricos y más.
En el día en que hubiese cumplido 93 años, en la radio del rock repasamos 19 bandas sonoras esenciales escritas por Ennio Morricone.
A Fistful of Dollars (1964)
Sergio Leone y Ennio Morricone habían asistido al mismo clegio cuando eran niños; aunque cuando el director llamó al compositor en 1963 para preguntarle si podía colaborar en un proyecto titulado «The Magnificent Stranger»; ninguno de los dos recordó de inmediato que se habían conocido antes. Esperaba que Morricone contribuyese con algunas piezas musicales a un western en el que estaba trabajando. A pesar de que las óperas de caballos italianos habían estado, según el compositor, «en un estado de crisis» durante un tiempo; Leone quería convertir este remake suelto y centrado en los pistoleros de la película japonesa Yojimbo en algo místico y diferente. Desde el momento en que escuchas los primeros compases del tema de apertura de Fistful, en el que una guitarra suavemente rasgueada es acompañada por el sonido de whipcracks, notas rápidas de flauta y lo que suena como la campana de una torre de iglesia en el centro de una ciudad rural de Texas alrededor de 1800, sientes que Morricone clavó la parte «diferente». Y luego las voces corales y los silbidos golpean contra las guitarras gordas y vibrantes, y boom: te gusta lo místico. El álbum cambiaría el género y encabezaría las listas de ventas de bandas sonoras en Italia. Fue el comienzo de una hermosa asociación.
For a Few Dollars More (1965)
Para la continuación del dúo de «A Fistful of Dollars», Ennio Morricone construyó su receta original de voces, guitarras, timbales y silbidos; pero esta vez también agregó referencias de Bach y un arpa de mandíbula hinchable en la mezcla, así como lo que él ‘ Yo llamaría cánticos más “guturales” de fondo. El compositor también de alguna manera hace que la partitura parezca que galopa más rápido que su predecesora, y el sonido de una caja de música (que evoca la infancia de un personaje) y un piano tintineante agregan una pátina de nostalgia a lo que es, según la propia admisión del maestro, una partitura más oscura y dolorosa. (Ver: «Il Vizio D’Uccidere».) También es un hermoso equilibrio entre lo sobrio y lo majestuoso, una combinación que se adapta perfectamente a la visión del director. «Leone y yo estábamos en sintonía», admitió en el libro de 2016 «Ennio Morricone: In His Own Words», «coincidiendo en todos los detalles esenciales antes y no después del rodaje». Esa «sinergia» valdría aún más en su próxima película.
The Good, the Bad and the Ugly (1966)
«Quería evocar la voz del coyote para transmitir la idea de violencia animal en el salvaje oeste», dijo Ennio Morricone. La pregunta era: ¿Cómo? Se le ocurrió la idea de transponer “dos voces masculinas roncas” y usar un efecto wah-wah en ellas… y el resto es historia del cine. La entrada final de «la trilogía Dollars» le da a cada uno de sus tres protagonistas un sonido característico – una flauta «buena», una ocarina «mala» y algunas voces «feas» – y capas en muchos cuernos que a menudo sugieren una carga de calvario occidental a la batalla … o un ejército en retirada. Todo el mundo conoce el tema principal, pero el tema flamenco “The Trio” (con esos cuernos de mariachi) y el exquisitamente épico “The Ecstasy of Gold” destacan por igual; Metallica comenzó a usar esta última pista como música de apertura para sus conciertos. Así suena una partitura perfecta.
Once Upon a Time in the West (1968)
La pista de apertura es tan operática y lúgubre como el título de la película; el siguiente corte («As A Judgment) es todo guitarras esqueléticas y afiladas (Morricone dijo que quería que» hirieran los oídos del público «) y lo que suena como un viento caliente que sopla a través de un cementerio antes de que entre una sección de trompeta. Y qué más ¿Usarías como firma musical para un personaje llamado Armónica pero… una armónica? La banda sonora de la gran trilogía occidental de Sergio Leone después de los Dollars está por todas partes: la pista «Bad Orchestra» hace honor a su nombre y hace un gran uso de un silbato, una tuba y un banjo, pero Ennio Morricone entendió que esto es brutal El cuento de venganza protagonizado por Charles Bronson y Henry Fonda (como un villano desagradable) era, en el fondo, una historia melancólica del Occidente que se desvanecía. El hecho de que haya escrito «Jill’s America», una de las piezas más conmovedoras que haya compuesto para una película, y que la haya hecho encajar en una violenta historia de retribución te da una idea de cuánta profundidad podría agregar a lo que todavía se consideraba «películas de serie B ”, al diablo con las estrellas de Hollywood. Leone quería hacer una historia sobre la venganza y una civilización que se adentra suavemente en la noche. Puedes escucharlo en la musica.
The Thing (1982)
Sin quedarse atrás en el departamento de composición de bandas sonoras, John Carpenter buscó a uno de sus ídolos para trabajar en la banda sonora de su remake del clásico de ciencia ficción de 1951. “Todo lo que le dije fue, ‘Menos notas’”, dijo el director. «Si ves ‘The Thing’, el tema principal es el resultado de nuestra conversación: realmente simple, impulsado por sintetizadores, efectivo». Para los fanáticos acostumbrados a las paredes de sonido de reverberación y las pesadas partituras de guitarra / viento del compositor italiano, su música siniestra es realmente simple y definitivamente efectiva. Y si bien puedes escuchar un poco de Carpenter y algunas cuerdas al estilo de Bernard Hermann en su partitura completa, es en gran medida un proyecto de Morricone. «Al final, eligió una sola pieza musical», dijo Morricone más tarde, después de admitir que le había dado al cineasta algo poco comunicativo numerosas pistas para elegir. «Ahora, una de las piezas que no usó está en The Hateful Eight».
Once Upon a Time in America (1984)
Sergio Leone había estado hablando de su obra maestra; una película de gánsteres sobre el ascenso y la caída de dos mafiosos judíos, durante décadas; cuando finalmente tuvo la oportunidad de hacer que sería su última película; naturalmente reclutó a su antiguo compañero para que elaborara una partitura. «Lo considero la obra maestra de Sergio», le dijo Morricone a Alessandro De Rosa para «In His Own Words»; y es imposible separar la larga y tortuosa historia de amistad, traición, crimen organizado del cineasta; y los lazos que unen la música que se casa con esas imágenes. de una América pasada. Morricone siempre ha sido un maestro en evocar la nostalgia; y pistas como «Cockeye’s Song» y «Childhood Poverty» reflejan los temas de la película del pasado que se disipan y se desvanecen. También deja caer algo de música de época con elementos de jazz tradicional y marchas fúnebres de la vieja escuela que sugieren el auge antes de la inevitable caída. Y es la música de Morricone la que mantiene la visión original de Leone de contar la historia fuera de secuencia juntos, entretejiendo dentro y fuera de los recuerdos de los personajes. Una banda sonora elegíaca, para la más elegíaca de las películas.
The Mission (1986)
La partitura de Morricone para el drama histórico de Roland Joffe, sobre un sacerdote jesuita (Jeremy Irons) y un mercenario reformado (Robert De Niro); que defienden a una comunidad indígena paraguaya de las fuerzas coloniales; se había convertido en un punto culminante de los conciertos que interpretaría en sus últimos años. La pista de apertura, «On Earth as It Is in Heaven», describe exactamente lo que el músico estaba tratando de hacer en términos de mezclar estilos culturales e instrumentación: un coro celestial se une repentina e inesperadamente con percusión justo debajo de las maniobras orquestales. Es una idea altamente conceptual, y Morricone la convierte en un sonido que es a partes iguales terrenal y trascendental. Y «Gabriel’s Oboe», que originalmente estaba ambientada en una escena del hombre santo de Irons que mostraba a un nativo cómo tocar el instrumento de lengüeta del título, se convirtió en un éxito genuino: los cantantes luego agregaron la letra a la pieza cuando la cubrieron, con la interpretación del compositor. bendición. Morricone había dicho que había terminado de hacer bandas sonoras cuando se le acercó para hacer el proyecto, y el resultado le valió una nominación al Oscar y un «relanzamiento al … cine». Se referiría a ello a lo largo de los años como un milagro genuino.
The Untouchables (1987)
La versión de Brian De Palma en la pantalla grande de la serie de TV de los años 50 sobre los gánsteres de los años 30 y los G-men que aman atraparlos recibió un gran impulso de la puntuación de Morricone; es muy probable que lo primero en lo que piensas cuando alguien menciona la película; además de Al Capone de Robert De Niro empuñando un bate de béisbol; es «The Strenght of the Righteous». Prácticamente se pueden escuchar los pasos pesados y zancadas del cruzado Eliot Ness de Kevin Costner en el impulso hacia adelante de la pista, y aunque Morricone dijo más tarde que tenía algunos problemas para ofrecer un tema adecuado para la saga de ganadores de bandas («No estoy tan interesado en componer música triunfante», admitía humildemente), hay una gran cantidad de momentos conmovedores y de alegría entre los cortes más característicos de Morricone como» Machine Gun Lullaby «y el Western-saloon-meets- pista de giallo «Al Capone».
Cinema Paradiso (1988)
Ennio Morricone estaba a punto de empezar a trabajar en otro proyecto; cuando su viejo amigo Franco Cristaldi le pidió que leyera el guión de una película que estaba produciendo. El músico lo leyó y, cuando llegó al clímax de la historia; un montaje de besos en la pantalla; abandonó su compromiso anterior y subió a bordo. Una de las películas en lengua extranjera más exitosas de todos los tiempos; la historia de Giuseppe Tornatore sobre un niño loco por las películas (Salvatore Cascio) y el proyeccionista (Philippe Noiret) que lo toma bajo su protección presenta lo que puede ser la obra más descaradamente romántica de Morricone. Todo, desde el piano de comedia muda hasta las sinfonías desvanecidas, se siente como si hubiera sido sacado de viejas películas de Hollywood, y todo rebosa de un sentimentalismo que, al menos en cuanto a música, nunca se vuelve sensiblero. El hecho de que Ennio compuso uno de los temas de amor con su hijo Andrea, replicando así el tema de la tutoría de la película y uniendo generaciones a través del arte, solo lo hace mucho más dulce.
The Hateful Eight (2015)
Quentin Tarantino nunca ha ocultado su fanatismo para el compositor; ha utilizado fragmentos de las bandas sonoras anteriores de Morricone para sus películas desde principios de la década del 2000; y se acercó al italiano para ver cómo encargar música original para «Inglourious Basterds». Morricone, por su parte, admiraba la habilidad de Tarantino como cineasta, pero se mostraba reacio a simplemente darle «retazos» sonoros, ya que temía que fueran recontextualizados. No fue hasta que Tarantino llegó a Roma y leyó el guión con Morricone que el compositor aceptó trabajar en él. Debido a que el cambio fue ajustado, le dio una pieza reelaborada que había usado para «The Thing» y varias otras piezas musicales. Al hablar con Rolling Stone en 2016, Morricone mencionó cómo la obertura de apertura de la película estaba recibiendo ovaciones de pie en algunas proyecciones. No solo le dio a la película de Tarantino mucha seriedad y la conectó con un largo legado de westerns, sino que también le valió al maestro un Oscar que se había atrasado mucho tiempo.