La primera mitad de 2021 tuvo poco que ofrecer en cuanto a novedades musicales, y el rock no fue la excepción. El calendario de lanzamiento fue lento; pero a medida que avanzaba la pandemia, más artistas revelaron lo que habían estado haciendo durante el transcurso del confinamiento; lo que provocó una afluencia de material nuevo durante la segunda mitad del año.
Para algunos artistas, 2021 fue un año de primicias. Para otros, esfuerzos de colaboración. Algunos de estos son verdaderas sorpresas. Otros confirmación de vigencia en la escena. Si bien la pandemia pudo haber frustrado la mayoría de los planes de gira; y terminó modificando la forma en que se hicieron los discos; hubo mucho que escuchar este 2021 que se nos va.
Y en la radio del rock, repasamos los mejores discos de 2021.
Iron Maiden – Senjutsu
Desde «Dance of Death» de 2003, los álbumes de Iron Maiden se han vuelto progresivamente más largos; alcanzando su punto máximo con «The Book of Souls» de 2015; que registró más de una hora y media. «Senjutsu» es casi tan largo y marca su segundo álbum doble consecutivo; con tres de las últimas cuatro pistas del álbum que se extienden más allá de la marca de los 10 minutos. La banda siempre les da a los fanáticos mucho que desempacar, y sirven una obra cautivadora aquí que debería mantener a los fieles ocupados en los próximos años.
Foo Fighters – Medicine at Midnight
Foo Fighters nunca escapará de ese rock ‘n’ roll de los 90 y los del 2000 que hacen en el medio del camino, por lo que llamar a su décimo álbum, «Medicine at Midnight», un cambio de estilo realmente significa que se han agregado algunos desvíos nuevos. Es más o menos lo que esperas de un álbum de Foo Fighters: himnos que levantan los puños y canciones de rock que hacen temblar la arena salpicadas de una pizca de introspección. Lo nuevo aquí son los elementos dance y pop que Dave Grohl incluye en canciones como «Shame Shame» y «Waiting on a War».» Medicine at Midnight» no cambiará tu forma de pensar sobre Foo Fighters, pero ofrece una idea de lo que son capaces de hacer cuando cambian de carril.
Greta Van Fleet – The Battle at Garden’s Gate
Estos revivalistas del retro-rock de Michigan vieron las bromas sobre el «cosplay de Led Zeppelin» y subieron los hilos. Todo en el segundo larga duración de Greta Van Fleet es más expansivo. La instrumentación, la duración de las canciones, el presupuesto, lo absurdo del reino de la fantasía, el alcance físico del chillido de Josh Kiszka que busca el Valhalla. Greta Van Fleet se inclinó hacia sus instintos más progresivos y pesados, desechando los desvíos del folk rock tonto que atascaban tramos de su debut en 2018, Anthem of the Peaceful Army. Suenan más naturales en este espacio cinematográfico, lo que permite al guitarrista Jake Kiszka orquestar riffs en una escala mayor (como en las epopeyas “Age of Machine” y “The Weight of Dreams”). Claro, nada de The Battle of Garden’s Gate es particularmente original, pero ¿a quién le importa? Pocas bandas reciclan el pasado con tanto estilo y delicadeza.
Weezer – Van Weezer
Van Weezer nunca presumiría del peligro sórdido del glam metal de los 80, sin importar el título y el tratamiento de la portada del álbum. Pedirle eso a Weezer es malinterpretar al grupo. Claro, este es su proyecto más rockero desde «Maladroit» de 2002, quizás el mejor LP posterior a la reunión de la banda. Pero «Van Weezer» es realmente, como gran parte de su música, sobre la dulce nostalgia, algo que Rivers Cuomo hace totalmente. Su apariencia juvenil aparentemente eterna asegura que «Van Weezer» sea demasiado enganchado, demasiado feliz y, a veces, tal vez demasiado malditamente lindo para haber emergido de Sunset Strip. Al final, sin embargo, esto no es un problema. De hecho, es una fortaleza. Llame a «Van Weezer» un placer culpable, si es necesario, pero eso no siempre es malo.
Mastodon – Hushed and Grim
Al igual que con muchas bandas que se encuentran a caballo entre el metal y el rock progresivo, Mastodon parece dividir a los fanáticos incondicionales con cada álbum: algunos anhelan la cruda pesadez del «Leviathan» de 2004, mientras que otros disfrutan del caos cósmico de «Crack the Skye» de 2009. En ese sentido, el octavo LP de la banda es como «lo mejor de» en todo menos en el nombre, girando y girando durante 86 minutos entre una intensidad brutal («Pushing the Tides») y epopeyas progresivas del tamaño de una arena («Peace and Tranquility»). También hay florituras inesperadas: el ritmo de batería que se arrastra en «The Beast», las cuerdas culminantes en «Gigantium» más cercano, los diversos cuernos franceses e instrumentos de cuerda indios y sintetizadores añadidos. «Hushed and Grim» logra un equilibrio complicado: mirar a través del parabrisas y el espejo retrovisor simultáneamente.
Royal Blood – Typhoons
A lo largo de sus siete años de existencia, Royal Blood ya había demostrado que sabían cómo hacer ruido. En su tercer álbum, «Typhoons» de 2021, demuestran que también saben cómo bajar. La canción de apertura «Trouble’s Coming» es una improvisación contagiosa en la pista de baile, mientras que la canción principal cuenta con un estribillo que hace vibrar los puños. Aunque el dúo de Mike Kerr y Ben Thatcher pudo haber encontrado su bola de discoteca interior, no perdieron la energía frenética y los riffs feroces que hicieron de Royal Blood uno de los actos más prometedores de la última década. Es raro encontrar un álbum que pueda incitar tanto a un mosh pit como a una fiesta de baile. «Typhoons» es uno de esos lanzamientos.
Elton John – The Lockdown Sessions
Elton John no se limitó a mirar el techo durante la cuarentena. Aprovechó el tiempo de inactividad reclutando a algunos viejos y nuevos amigos para grabar un álbum. La mayoría de las pistas de «The Lockdown Sessions» se hicieron de forma remota y durante la era COVID (aunque algunas se grabaron en diferentes circunstancias), y el resultado es un disco que abarca generaciones y géneros. Las canciones pop de Dua Lipa y Rina Sawayama son lo más destacado, pero Eddie Vedder y Stevie Nicks también están aquí, uniéndose a la fiesta global de cruce de géneros que solo alguien de la estatura de Elton John podría organizar.
The Black Keys – Delta Kream
Los Black Keys han pasado los últimos años demostrando que son capaces de algo más que replicar el blues del hill country que ayudó a lanzar su carrera hace dos décadas. Pero en su décimo álbum, regresan al sonido para su disco menos quisquilloso y crudo desde que «Brothers» de 2010 los convirtió en los salvadores del rock ‘n’ roll del nuevo siglo. Cubriendo canciones de RL Burnside, Junior Kimbrough y otros (y también empleando a acompañantes que tocaron con los músicos del blues), Dan Auerbach y Patrick Carney están de vuelta en su elemento en Delta Kream, golpeando stompers de garage-rock como «Poor Boy a Long Way From Home «y» Crawling Kingsnake «de John Lee Hooker, a menudo versionada, que están inyectadas con un poco de historia secundaria y mucha determinación.
Yes – The Quest
¿Alguien podría culpar a Yes si «The Quest» apestara? No muchas bandas, incluso una que pasa por músicos con tanta frecuencia, pueden mantener los jugos creativos de 22 álbumes. Y se enfrentaron a nuevos desafíos aquí: trabajar durante una pandemia, y por primera vez sin el cofundador del bajista Chris Squire, quien murió en 2015. No es perfecto: gran parte del álbum se hunde con una balada somnolienta. Pero con su producción más robusta y un respaldo orquestal discreto, The Quest es un rebote sorprendentemente ambicioso de Heaven & Earth de 2014, acercándose a su grandeza clásica en cortes épicos como «Leave Well Alone» y «Dare to Know».
Melvins – Working With God
Melvins recuperó a miembros de la formación «Melvins 1983» para su 24º álbum de estudio, ya que el baterista original Mike Dillard regresó a su puesto por primera vez desde Tres Cabrones de 2013. (El antiguo baterista Dale Crover, que no estaba en la banda en 1983, pasó al bajo). El enfoque de Dillard es mucho más directo que la magia matizada de Crover, y el cambio una vez más parece haber sacado a relucir el lado deliciosamente primario del cantante. – Tocando el guitarrista Buzz Osborne. Las versiones humorísticas y profanas de «I Get Around» de los Beach Boys y «You’re Breaking My Heart» de Harry Nilsson pueden llamar tu atención al principio, pero las emociones más duraderas se pueden encontrar en rockeros propulsores originales como «Bouncing Rick». y «The Great Good Place».
KK’s Priest – Sermons of the Sinner
Después de que sus intentos de regresar a Judas Priest fueran rechazados, el guitarrista K.K. Downing cambió a un plan alternativo: escribir las canciones de un álbum que sonaban como Priest clásico. Downing incluso reclutó a su antiguo compañero de banda Tim «Ripper» Owens para la voz. Los resultados suenan como el álbum «Painkiller» de Priest de 1990. Es un reencuentro apropiado con Owens, quien grabó dos discos con Judas Priest, así como uno de los mejores álbumes de metal del año.
Jerry Cantrell – Brighten
Jerry Cantrell hace todo lo posible en «Brighten», reclutando una banda de acompañamiento de estrellas que incluye al bajista de Guns N ‘Roses Duff McKagan, el baterista de Paul McCartney Abe Laboriel Jr. y el vocalista de Dillinger Escape Plan Greg Puciato. Sin embargo, nunca hay duda de quién dirige el espectáculo en el primer LP en solitario del guitarrista en 19 años. Ilumina los sonidos más californianos que los de Seattle, llenos de melodías folk bucólicas e himnos country fuera de la ley salpicados de guitarras de pedal y órgano ahumado de Hammond. «Atone» y «Had to Know» recorren un territorio familiar con riffs crujientes y ganchos amenazantes, pero Cantrell se convierte en cantante y compositor en el tema destacado del álbum «Black Hearts and Evil Done», un tema acústico alegre que encuentra al maestro de riff de Alice in Chains haciendo balance de un mundo roto, pero sin apenas ofrecer soluciones.
Blackberry Smoke – You Hear Georgia
Siempre ha habido un flujo constante de fuertes bandas de rock de Atlanta, Georgia, entre ellas Blackberry Smoke. Su séptimo álbum de estudio, «You Hear Georgia», marca el vigésimo aniversario del grupo, y Blackberry Smoke tenía como objetivo enfatizar esa conexión profundamente arraigada con sus raíces sureñas. Trabajando con el productor georgiano Dave Cobb e invitados especiales como el guitarrista de Allman Brothers Warren Haynes, los Black Bettys y Jamey Johnson, You Hear Georgia es una combinación resistente de pistas de rock de conducción y melodías más lentas y relajadas de estilo country folk grabadas en el famoso RCA de Nashville. Estudios. El resultado es un homenaje de honor a su estado natal.
Mammoth WVH – Mammoth WVH
Wolfgang Van Halen tuvo que enhebrar una aguja bastante estrecha al lanzar su carrera en solitario: establecer una identidad musical separada de la enorme sombra de su padre Eddie mientras seguía estando a la altura de los altos estándares de su familia; solo unos meses después de la muerte de la leyenda de la guitarra. Sin presión, ¿verdad? Pero lo logra con aparente facilidad en Mammoth WVH, actuando como una banda de un solo hombre en una colección de canciones impresionantemente nítidas y llenas de ganchos que se basan en un conjunto de influencias completamente diferente al de Van Halen. Aquí no encontrarás nada de la arrogancia vocal arrogante de David Lee Roth o Sammy Hagar o los juegos previos sexuales guiñando un ojo. Pero hay una gran dosis de inteligencia pop junto con muchos bits instrumentales complejos e inteligentes para recompensar las escuchas repetidas. Lo mejor de todo es que el enfoque disciplinado en la estructura, los ganchos y las melodías nunca flaquea. No es de extrañar que Eddie no pudiera dejar de elogiar este disco.
Neil Young & Crazy Horse – Barn
Durante décadas, pusiste un nuevo disco de Neil Young preguntándote si presentaba al Neil de corazón suave o al Neil derrite amplificadores. Gracias a un cambio clave en la alineación de Crazy Horse, «Barn» nos brinda ambos. El incondicional guitarrista Frank “Poncho” Sampedro se fue después de la abrasadora Psychedelic Pill de 2012, reemplazado por Nils Lofgren, un colaborador de la Street Band anterior a E en Crazy Horse. Lofgren es perfectamente capaz de quemar dicho granero en un duelo de dos guitarras, como en “Canerican ”O“ Raza humana ”. Pero también aporta texturas multiinstrumentistas más complejas al proyecto, agregando un acordeón solitario a «Song of the Seasons» y un divertido toque honky-tonk en el piano para «Heading West». Eso parece haberle dado a Young un enfoque poco común, ya que Barn se convirtió en el mejor escaparate para su musa siempre errante en muchos, muchos años.
Robert Plant y Alison Krauss – Raise the Roof
Al igual que «Raising Sand», ganador del Grammy en 2007, este álbum de seguimiento del ex cantante de Led Zeppelin Robert Plant y la estrella de bluegrass Alison Krauss se siente como una manta cálida y reconfortante en medio de una tormenta de confusión. La producción a menudo seca y con cuero de T Bone Burnett baña la excelente elección de versiones que los cantantes adoptan aquí, encontrando el término medio entre el gruñido vivido de Plant y el acento penetrante de Krauss. Raise the Roof fusiona sus voces hasta que un tono meloso y singular se desliza en el paisaje y cubre los alrededores con el sonido de la Americana matizada y texturizada.
Elvis Costello – Spanish Model
«Spanish Model», el nuevo giro de Elvis Costello en su emblemático álbum de 1978, «This Year’s Model», utilizó cintas de las sesiones originales, pero eliminó las voces de Costello y las reemplazó con artistas latinoamericanos contemporáneos como Juanes, Luis Fonsi y otros. La propia voz recién grabada y ligeramente burlona de Costello se puede escuchar de vez en cuando en el disco, pero el foco de atención aquí está en los cantantes españoles, ya que ofrecen interpretaciones nítidas y ágiles de estas canciones clásicas. La lista de canciones original del álbum también se reorganiza, lo que da como resultado un trabajo que suena completamente nuevo.
Tomahawk – Tonic Immobility
A primera vista, Tonic Immobility, el primer álbum de Tomahawk desde «Oddfellow»s de 2013, casi suena completamente normal. El supergrupo liderado por Mike Patton abre su quinto LP con un triunvirato de gemas musculosas del metal alternativo, lleno de riffs gruesos del guitarrista de Jesus Lizard Duane Denison y ritmos potentes del ex baterista de Helmet John Stanier y el bajista de Mr. Bungle Trevor Dunn. Pero «Tonic Immobility» cambia rápidamente de marcha, pasando por un nudoso metal progresivo, un thrash desgarrador, un post-rock extenso y un acto de salón espeluznante y hablado, a menudo dentro de la misma canción. Las acrobacias vocales de Patton son predeciblemente asombrosas, mientras ladra, canturrea, aúlla, se burla y se ríe a lo largo de estas docenas de pistas. «Tengo un entrenador de partos con una sonrisa COVID / Trabajamos solos hoy», ronronea sobre la siempre verde «Doomsday Fatigue». No es fácil de escuchar, pero ¿por qué querrían eso los fans de Patton?
Varios Artistas – The Metallica Blacklist
No cabe duda de la importancia del álbum homónimo de Metallica de 1991, conocido en todo el mundo como el «Álbum Negro». Para su 30 aniversario, la banda lanzó un extenso set llamado The Metallica Blacklist con una amplia gama de artistas que reinventaron las pistas del Black Album. El alcance del proyecto es abrumador, con más de 50 artistas contribuyendo al conjunto. Si bien el tamaño del álbum es parte de su atractivo, también es su ruina. Seis versiones de «Enter Sandman», siete interpretaciones de «Sad but True», otras siete de «The Unforgiven», 12 versiones de «Nothing Else Matters»: en algún momento, todo se convierte en repetición, independientemente de lo bueno que sea el material. . Reducido a los mejores cortes, «The Metallica Blacklist» probablemente ocuparía un lugar más alto en nuestra lista. Incluso en su forma hinchada, el proyecto es más que digno de un lugar aquí.
Black Label Society – Doom Crew Inc.
El título del undécimo álbum de estudio de Black Label Society no es un nombre inapropiado. Zakk Wylde y su variopinto equipo ofrecen una avalancha de riffs de blues y fangosos que el líder de la banda admite alegremente que aprendió en el «encuentro de intercambio de Lord Iommi». El consigliere de Ozzy Osbourne rinde homenaje a «Children of the Grave» en el swing de «Destroy & Conquer», y demuestra su habilidad para los ganchos melancólicos y las armonías vocales hipnóticas en los stompers de medio tempo «Set You Free» y «End of Days». Como siempre, los solos vertiginosos y empapados de wah de Wylde son espectaculares, y su interacción de dos solistas con el guitarrista Dario Lorina añade un toque extra de entusiasmo a la mezcla sónica probada y verdadera de Black Label Society.
Cheap Trick – In Another World
Parafraseando a Cheap Trick ellos mismos, «Todo funciona si lo dejas». Entonces, en lo que respecta a «In Another World», su vigésimo álbum de estudio, no se desviaron del libro de jugadas habitual. Pero Cheap Trick no solo está produciendo recauchutados cansados de sus años de gloria: en todo caso, están agregando capítulos vitales, con nueva música que está tan bien construida y enérgicamente rockera como sus álbumes más famosos. Se puede argumentar que el baterista Daxx Nielsen le ha dado al grupo un impulso muy necesario en los discos que han hecho desde su llegada en 2010. “The Summer Looks Good on You” rezuma actitud junto con un glorioso gruñido vocal de Robin Zander, mientras que “Boys & Girls & Rock N Roll” tiene un delicioso tinte al estilo Bowie. «Light Up the Fire» es un triturador psicodélico y ruidoso que presenta algunos cortes de guitarra selectos del siempre colorido Rick Nielsen, y el cierre del álbum «Gimme Some Truth» de John Lennon es otra valiosa adición a su cancionero relacionado con los Beatles. «In Another World» es posiblemente el mejor álbum que Cheap Trick ha presentado en la última década.
Billy F. Gibbons – Hardware
En su tercer álbum de estudio, «Hardware»; Billy Gibbons trajo el calor. El legendario guitarrista de ZZ Top se instaló en el desierto de California cuando elaboró este disco; y resultó ser el lugar perfecto para subir el volumen. El álbum se hizo con solo un pequeño puñado de personas trabajando al lado de Gibbons (incluido el baterista Matt Sorum y el guitarrista Austin Hanks), pero había otra persona a la que Gibbons quería honrar con un disco abrasador como este: su productor de toda la vida Joe Hardy, quien trabajó con Gibbons en sus dos álbumes en solitario anteriores, y para quien nombró Hardware. Entre el tema de apertura del LP, el blues «My Lucky Card», la aparición especial de las hermanas de rock sureñas Rebecca y Megan Lovell de Larkin Poe en «Stackin ‘ Bones «, y la psicodélica palabra hablada de la canción final» Desert High «, Gibbons deja que desgarre como solo él puede.
Paul McCartney – McCartney III Imagined
El «McCartney III» del año pasado ya fue un triunfo. El ex Beatle grabó un esfuerzo de un solo hombre durante los momentos pico de COVID, pero de alguna manera encontró una manera de hacer que el LP sea tanto experimental como divertido. Luego dobló el proyecto y lanzó «McCartney III Imagined» en 2021. A diferencia del original, esta versión renovada cuenta con muchos colaboradores: Josh Homme de Queens of the Stone Age aparece en «Lavatory Lil», mientras que la favorita del rock independiente Phoebe Bridgers invitados en «Seize the Day». St. Vincent, Damon Albarn y Anderson Paak también están aquí, pero la joya de la corona del álbum es una interpretación funked de «Find My Way» con Beck. Con McCartney III Imagined, McCartney demuestra que, si bien puede pasar un buen rato solo, el viaje es mucho más agradable con amigos.
Lindsey Buckingham – Lindsey Buckingham
El primer álbum en solitario de Lindsey Buckingham en 10 años también es el primero desde que se separó de Fleetwood Mac, se separó de su esposa y se sometió a una cirugía cardíaca. Aunque Lindsey Buckingham se autograbó antes de todos esos eventos que cambiaron la vida, el disco suena como un álbum de ruptura bañado en un brillo pop soleado. No se equivoquen, la discordia en las relaciones corre a lo largo de las canciones, lo que puede ser engañosamente optimista, gracias a la inteligencia melódica de Buckingham, lo que genera una corriente subterránea de dolor que está en el corazón del disco.
The Darkness – Motorheart
The Darkness no reinventa la rueda en su increíblemente divertido séptimo LP: la frivolidad de la guitarra grande siempre ha sido su modus operandi (pausa un segundo y considera lo inquietante que sería un álbum serio de Darkness). «Motorheart» es todo lo que estos tipos siempre han hecho. bueno: riffs y solos pesados, arreglos detallados pero sencillos, letras cómicamente exageradas, ganchos de falsete que apuntan directamente a la zona del placer. La pieza central es la canción principal: sobre un riff salvaje y silenciado con la palma de la mano, el líder Justin Hawkins canta sobre un romance, y una eventual pelea, con un robot sexual. Es una canción tan divertida y cinematográfica que ninguna otra banda (excepto quizás Tenacious D) podría lograrlo.
Varios Artistas – I’ll Be Your Mirror: A Tribute to the Velvet Underground & Nico
Otro recordatorio de la interminable influencia de Velvet Underground llegó en forma de I’ll Be Your Mirror, un álbum tributo compuesto por versiones del álbum debut de la banda. Iggy Pop, Michael Stipe, Courtney Barnett, Sharon Van Etten, St. Vincent, Andrew Bird y otros prestan sus estilos característicos mientras se adhieren al atractivo exterior del LP. También es de destacar el número de cantautoras incluidas aquí, un testimonio de la influencia del álbum original (además de la cantante Nico, el baterista de los Velvet era una mujer). I’ll Be Your Mirror termina siendo un tributo tanto al clásico de 1967 como a los artistas en los que ha influido a lo largo de las décadas.
Sleater-Kinney – Path of Wellness
«Path of Wellness», el primer álbum de Sleater-Kinney sin la baterista Janet Weiss desde 1996; así como su primer disco de producción propia en la historia de sus casi 30 años de carrera; marca otra salida del estilo inquebrantable original de la banda. Su álbum anterior, «The Center Won’t Hold» de 2019, mantuvo las cosas elegantes, sexys y pulidas; «Path of Wellness» incorpora gustosamente más determinación, experimentación y caos organizado. Grabado durante el verano de 2020 en Oregon; en medio de protestas a nivel nacional e incendios forestales invasores; un sentido irónico de confianza y aceptación impregna el LP. Carrie Brownstein y Corin Tucker no están tratando de replicar lo que tenían con Weiss; sino que descubren una nueva dirección en la que tomar su música.
Duran Duran – Future Past
Duran Duran irrumpió en escena hace 40 años como presagio de un futuro elegante del synth-pop, por lo que es lógico que evoquen su brillante apogeo de mediados de los 80 para abrir un camino emocionante en «Future Past». Canciones como «Beautiful Lies» y «Anniversary» recuerdan grandes éxitos como «The Reflex» y «Notorious», que combinan sintetizadores relucientes con líneas de bajo funky y ritmos vibrantes y listos para el club. Pero Duran Duran también estira sus músculos musicales en Future Past, incorporando guitarras lánguidas de surf-rock y sonidos que hacen girar la cabeza en «Nothing Less» y acordes de piano de jazz en el fascinante cierre del álbum «Falling». Simon Le Bon exuda lujuria, anhelo y alegría pura en igual medida, implorando en la majestuosa canción principal: «No llores por lo que nunca durará». En Future Past, Duran Duran suena listo y dispuesto para lo que venga después.
Kings of Leon – When You See Yourself
Kings of Leon hizo realidad su esperado destino al convertirse en estrellas de rock convencionales, tocando canciones cada vez más grandes ante un público cada vez más grande. Sin embargo, en algún momento del camino, comenzaron a tomarse el proceso, y luego, al parecer, ellos mismos, demasiado en serio. Su música perdió su agencia, su vibra libre. Una vez visto como los salvadores del rock sureño, Kings of Leon se volvió un poco molesto. Lo intrigante de cómo regresaron del abismo es que los seguidores comenzaron a tomarse las cosas aún más en serio. Pero en lugar de intentar (e intentar) escribir el próximo himno, comenzaron a mirar hacia adentro. Totalmente inesperado, esa introspección proporciona la base emocional para nuevos éxitos más oscuros, pero mucho más auténticos en When You See Yourself. Tal vez Kings of Leon nunca vuelva a ser grandes estrellas (de hecho, los paisajes sonoros sombríos de este álbum probablemente lo aseguren), pero al menos han salido de la jaula dorada de arena-rock que construyeron para ellos mismos.
Weezer – OK Human
El primero de los dos álbumes de Weezer lanzados en la primera mitad de 2021 es el menos sofisticado; libre de conceptos y el mejor disco por eso. A diferencia del tributo al hair-metal Van Weezer que salió cuatro meses después, «OK Human» aplica Radiohead al cambiar las cosas con una grabación totalmente analógica arraigada en la música pop de cámara desde mediados de los 60 hasta principios de los 70. Con una orquesta ayudando a la banda sin estorbar, es el álbum de Weezer con un sonido más orgánico y uno de los mejores, con temas como «All My Favorite Songs» que encuentran un punto ideal entre la melancolía y la alegría.