Los discos más exitosos de Fleetwood Mac son tan masivos que pueden eclipsar al resto de su catálogo. Esto es comprensible: después de todo, «Rumors» de 1977, ha sido certificado 20 veces platino solo en los Estados Unidos.
Sin embargo, vaya más allá de los éxitos; la banda que juntó el mundo británico con el californiano tiene una gran cantidad de canciones por descubrir; comenzando con sus primeros días de blues-rock y pasando por sus días de pop-rock más familiares.
Y en el cumpleaños 75 de su miembro fundador Mick Fleetwood; en la radio del rock repasamos las canciones que más se pasan por alto de cada álbum de Fleetwood Mac.
Looking for Somebody ( Peter Green’s Fleetwood Mac, 1968)
El álbum debut de la banda, «Peter Green’s Fleetwood Mac»; es una pieza con el popular (e influyente) movimiento de blues-rock británico de finales de los sesenta. Además de las versiones de canciones de Robert Johnson y Elmore James, el LP incluye canciones originales del miembro fundador Peter Green, incluida la superlativa «Looking for Somebody», una improvisación de tres minutos con armónica pesada que captura la agonía agridulce de intentar para encontrar el amor.
Doctor Brown (Mr. Wonderful, 1968)
Más homenajes al blues de Chicago abundan en este álbum, destacado por «Doctor Brown». Coescrito originalmente por J.T. Brown y Buster Brown, esta versión de la canción cierra el lado uno del LP con riffs de guitarra derrapantes y un tempo fanfarrón.
Although the Sun Is Shining (Then Play On, 1969)
Conocido como el primer LP que presenta a Danny Kirwan y el álbum con la canción principal «Rattlesnake Shake», «Then Play On» de Fleetwood Mac también cuenta con temas como la joya del folk psicodélico «Aunque el sol está brillando». La canción escrita por Kirwan es tenue y encantadora, y gira en torno a una guitarra simple y melódica y una voz quejumbrosa que advierte lo devastador que podría ser el desamor potencial.
Madison Blues (Fleetwood Mac in Chicago, 1969)
Es difícil decir que cualquier álbum grabado en Chess Records con grandes como Otis Spann, Willie Dixon, Shakey Horton y Buddy Guy tiene una pista pasada por alto. Sin embargo, Fleetwood Mac de 1969 en Chicago, la versión de «Madison Blues» de Elmore James, merece un mayor protagonismo: con la voz apasionada de Jeremy Spencer y el saxofón fluido y conmovedor de J.T. Brown, es un ejemplo de una jam que funciona porque cada músico se enfrenta entre sí.
Mission Bell (Kiln House, 1970)
El primer LP de Fleetwood Mac posterior a Peter Green está comprensiblemente rebosante de evolución sonora. En consecuencia, «Kiln House», con una versión del sencillo de Donnie Brooks de 1960, «Mission Bell», es una joya del pop psicodélico brillante con armonías arrulladoras y una percusión reluciente. La delicadeza termina el álbum con una nota alta, y es un gran paso hacia el eventual éxito pop de la banda.
Morning Rain (Future Games, 1971)
Esta primera composición de Christine McVie, una de sus primeras contribuciones importantes a Fleetwood Mac después de unirse a la banda, mezcla remolinos psicodélicos de guitarra con piano honky-tonk, una colisión de trippy y amapola que funciona a la perfección.
Child of Mine (Bare Trees, 1972)
«Bare Trees» es uno de los primeros álbumes de Fleetwood Mac más consistentes (y subestimados), como lo demuestra la pista de apertura, «Child of Mine», escrita por Danny Kirwan, que hace un guiño a la arrogancia de los primeros Rolling Stones y cuenta con florituras como la percusión feroz. , un solo de guitarra irregular y jammy órgano. Agregue letras conmovedoras que hacen un guiño a la lucha familiar, y es otro ganador más de la banda.
The Derelict (Penguin, 1973)
Dave Walker, quien actualmente es el cantante principal de Humble Pie, apareció solo en el LP «Penguin» de 1973 de Fleetwood Mac. Hizo que el tiempo contara, contribuyendo con la voz principal en una versión de la canción de Motown «(I’m a) Road Runner» y escribiendo una melodía conmovedora llamada «The Derelict». Esta última es una canción con mucha armónica con un sabor country-rock que insinúa lo que podría haber sido si se hubiera quedado en la banda.
Just Crazy Love (Mystery to Me, 1973)
Christine McVie es tan constante que es fácil dar por sentada su composición. Tome «Just Crazy Love», en «Mystery to Me» de 1973: Lleno de letras sobre la naturaleza vertiginosa del amor («Incluso cuando todo el mundo me dice que estoy siendo un tonto / Algo dentro dice que tengo que tenerte / Y yo no puedo jugar según las reglas «), y una guitarra difusa que suena décadas adelantada a su tiempo, es una clase magistral de pop concisa.
She’s Changing Me (Heroes Are Hard to Find, 1974)
El primer álbum de Fleetwood Mac en el top 40 en Estados Unidos, «Heroes Are Hard to Find» de 1974, también se destaca por ser el último álbum con el compositor Bob Welch, quien escribió siete canciones en el LP. (Christine McVie escribió los otros cinco). Entre los aspectos más destacados de Welch se encuentra la rockera despreocupada «She’s Changing Me», que cuenta con bronces atrevidos, anhelos de pedal de acero y letras sobre cómo una mujer hechizante reorganiza tu corazón. Ciertamente es una pieza con otras canciones de rock de los 70 de la época, aunque su gancho de gusano lo ayuda a destacarse del resto.
Over My Head (Fleetwood Mac, 1975)
El primer álbum de Fleetwood Mac con Lindsey Buckingham y Stevie Nicks, Fleetwood Mac de 1975, marca un giro más pop para la banda, con clásicos como «Rhiannon» y «Landslide». Sin embargo, el álbum también cuenta con «Over My Head», escrita por Christine McVie, una joya del rock suave sobre cómo navegar por las agitadas aguas de una relación de altibajos. Aunque la canción fue uno de los 20 éxitos del pop, no se habla necesariamente de ella con la misma reverencia que otros éxitos de Mac, un descuido importante.
I Don’t Want to Know (Rumours, 1977)
En realidad, no hay canciones que se pasen por alto en «Rumors», uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos. Sin embargo, la popularidad masiva de «Dreams», «Gold Dust Woman» y «The Chain» eclipsa cortes de álbumes como «I Don’t Want to Know», una canción escrita por Nicks que data de los días de Buckingham Nicks. Aunque la génesis de la melodía es algo tensa (terminó en «Rumors» en lugar del futuro clásico «Silver Springs»), la canción es un punto brillante optimista en un álbum impregnado de acritud de relación: «No quiero interponerme entre ustedes y amor / Cariño, solo quiero que te sientas bien «.
That’s All For Everyone (Tusk, 1979)
«Tusk» es conocido como una bolsa de sorpresas sónica ecléctica, con las contribuciones de Lindsey Buckingham especialmente apuntando a la nueva ola, el post-punk y otros géneros modernos. Entre los aspectos más destacados está su espaciado «Eso es todo para todos», que se hace eco del pop exuberante de actos como 10cc y los Beach Boys, y reveló un lado muy diferente de la banda. Sin embargo, en retrospectiva, «Eso es todo para todos», ha tenido una enorme influencia en bandas como Radiohead y Tame Impala; este último incluso cubrió la canción.
Can’t Go Back (Mirage, 1982)
Lindsey Buckingham tiene la reputación de ser un compositor y productor complejo y orientado a los detalles, razón por la cual la simplicidad de «Can’t Go Back» es tan atractiva. Lanzada en el Reino Unido como sencillo, es una canción sencilla y melódica con letras nostálgicas y riffs de guitarra repicantes que evocan el saludable pop-rock de los sesenta. Incluso las ricas capas de voces de fondo y los bulliciosos sonidos de percusión no abruman la melodía; simplemente agregan una dulzura centelleante.
Isn’t It Midnight (Tango in the Night, 1987)
Al igual que con «Rumors», casi todas las canciones de «Tango in the Night» son amadas y apreciadas. Sin embargo, la canción de Christine McVie, Lindsey Buckingham y Eddy Quintela «Isn’t It Midnight», se pasa por alto, ya que las otras canciones de McVie del álbum, «Everywhere» y «Little Lies», «son tan masivas. Pero «Isn’t It Midnight» ciertamente no se queda atrás en términos de calidad, entre las guitarras abrasadoras y los teclados pop relucientes. Es un sencillo clásico subestimado de los 80 y un brillante ejemplo de cómo la tecnología de grabación moderna y la inteligencia del pop clásico pueden alimentarse entre sí para crear grandeza.
Freedom (Behind the Mask, 1990)
El tiempo ha sido amable con «Behind the Mask» de 1990, el primer álbum de Fleetwood Mac después de que Lindsey Buckingham dejara el grupo. Entre los aspectos más destacados del LP, que presenta contribuciones de composición de los entonces miembros Billy Burnette y Rick Vito, se encuentran el éxito de blues rock «Love is Dangerous» y el optimista pop rockero de Christine McVie «Skies the Limit». Sin embargo, la canción más subestimada del álbum es el rockero «Freedom», una colaboración de composición entre Stevie Nicks con Tom Petty y Mike Campbell de los Heartbreakers. La química musical de la pareja se mantiene alta, a través de letras seguras y de despedida («Todas las miradas que has usado en mí / No funcionen ahora que te has enamorado») y líneas de guitarra serpenteantes que iluminan el sentido subyacente de la canción. alivio de que una figura tóxica finalmente se haya ido.
Nights in Estoril (Time, 1995)
Lanzado dos años antes de la reunión triunfal de la banda de la era de «Rumors» con «The Dance», «Time» es un caso atípico en el catálogo de Fleetwood Mac, ya que no presenta a Stevie Nicks en absoluto, y Lindsey Buckingham solo aparece brevemente. Sin embargo, el álbum para adultos de tendencia contemporánea incluye una canción clásica de Christine McVie, «Nights in Estoril». Coescrita por Eddy Quintela, la enérgica canción con piano cuenta con letras nostálgicas y románticas y sus habituales ganchos altísimos, todo respaldado por su voz seria y empática.
Smile at You (Say You Will, 2003)
El último álbum de estudio de Fleetwood Mac hasta la fecha, «Say You Will» de 2003, incluía material originalmente destinado a un álbum en solitario de Buckingham, así como canciones acumuladas por los otros miembros de la banda a lo largo de los años. Una de las últimas melodías fue la favorita de los fans «Smile at You», una melodía que Nicks había guardado en su bolsillo trasero desde al menos la era de Mirage. En una entrevista de 1981, explicó por qué la canción no estaba en disputa por ese disco: «Creo que Lindsey quiere que grabe otra y yo también. Es una canción un poco amarga y eso no es lo que ninguno de nosotros estamos buscando». ahora mismo, incluso pensé que era una canción maravillosa «. La versión de «Say You Will» no pierde nada de su fuerza (la canción comienza con la letra «Adelante, sálvate a ti mismo / Deja la clave aquí / Amas a alguien más / No debería estar aquí») pero está más resignado que enojado, impulsado por tambores escasos, guitarras ornamentadas y armonías hipnóticas.