Para elegir a las mejores bandas y los artistas esneciales del rock progresivo no nos basamos en hechos objetivos. No existe una guía ni una gran metodología: no nos obligamos a calzarnos en un cierto número de actos de un estilo o época en particular; no consultamos Metacritic ni las listas de Billboard; no necesitábamos que una banda tuviera múltiples Minimoogs en sus equipos de teclado. Pensamos mucho en ello, y finalmente nos dejamos llevar por el instinto.
Dicho esto, este proceso no fue para nada fácil. Solo por razones de espacio, tuvimos que dejar de lado a un montón de artistas semi-oscuros que merecen un mayor protagonismo. Y siempre llegamos a este antiguo dilema: «¿Cuánto progresivo te convierte en una banda progresiva?». Pero la idea es debatir. Asumimos que no estarás de acuerdo con algunas de estas selecciones, y eso está perfectamente bien. Si estás aquí para debatir civilmente sobre el progresivo, estás entre amigos.
En la radio del rock, elegimos las 33 mejores bandas del progresivo en el aniversario de Futuro.
King Crimson
Es casi imposible clasificar la Santísima Trinidad del progresivo. Se sienten como un organismo inseparable, que inspira adoración e influye básicamente en todos los que siguieron su ejemplo. Los desempates finales tienen que ser la longevidad y la consistencia: King Crimson estuvo allí al comienzo del auge progresivo con «In the Court of the Crimson King» de 1969, y (salvo algunos descansos y una pausa importante de los 70) realmente nunca desaparecieron. , con Robert Fripp reinventando continuamente la banda en varias configuraciones: el cuarteto de los años 80 inclinado a la nueva ola, la edición estridente de «trío doble» en los años 90, las ramificaciones variadas del «proyecto», el equipo expansivo de tres bateristas de la ‘ 10 s. Mientras que muchas bandas progresivas se contentan con su legado, reciclando viejos sonidos y chisporroteando cuando intentan nuevas ideas, King Crimson se ha deleitado con lo desconocido, siempre dispuesto a encender sus linternas en la oscuridad.
Yes
Yes grabó tanto la mejor canción de rock progresivo («Close to the Edge») como el álbum («Close to the Edge»), algo difícil de discutir entre los tres primeros. Y el resto de su currículum es bastante impresionante: un puñado de los jugadores más queridos del género (Steve Howe, Rick Wakeman, Bill Bruford, Chris Squire) han pasado por sus filas, y casi nadie puede superar su longevidad (ha habido pocos pausa en la actividad entre Yes de 1969 y The Quest de 2021). Claro, su trabajo más influyente («The Yes Album», «Fragile», «Relayer») llegó a principios y mediados de los 70. Pero pocos actos progresivos pudieron sobrevivir a tales niveles de rotación de miembros de telenovelas, y mucho menos décadas después de su carrera. Aún menos podrían reinventarse a través del new wave («Drama») y el pop («90125»). Sí, para tomar prestado el título de una canción anterior, se crearon para «Survival».
Frank Zappa
“No me describiría a mí mismo como ‘rock progresivo’, dijo Frank Zappa a MTV en 1984. “De hecho, la mayor parte del tiempo no es rock ‘n’ roll en absoluto, simplemente lo consume el rock ‘n’ roll. audiencias.” Tenía razón: el extenso e intimidante catálogo de Zappa atraviesa experimentos clásicos, Synclavier, disonancia de vanguardia, manipulación de sonido, fusión de jazz, R&B, psicodelia, sátira sónica: el único tejido conectivo real es el enfoque poco convencional del compositor hacia la armonía y el ritmo. . Pero gran parte de su trabajo más querido es adyacente al rock progresivo, como los vertiginosos pasajes instrumentales de «Hot Rats» de 1969 y «One Size Fits All» de 1974.
Gentle Giant
Gentle Giant contaba con los movimientos más extraños del progresivo. Un intrincado contrapunto vocal, salto de instrumentos, complejas progresiones de acordes. Pero todo estaba anclado en el ritmo y la melodía. La clave fue la sorpresa continua, una filosofía que impulsó 11 álbumes de estudio en una década. Incluidas obras maestras como «Octopus» de 1972 y «Free Hand» de 1975.
Camel
“Como músico joven… tres [guitarristas] realmente me inspiraron”, dijo Steve Rothery de Marillion en el escenario de los Premios Prog 2014. “David Gilmour de Pink Floyd, mi buen amigo Steve Hackett de Genesis y [Andy Latimer], cuyo hermoso, lírico y emotivo estilo de tocar fue una fuente constante de inspiración”. Es un resumen perfecto de los dones de Latimer: es uno de los guitarristas más expresivos de todo el rock, incluso si rara vez se lo menciona al mismo tiempo que los demás. Y ese enfoque de buen gusto se aplica a todos los que pasaron por las filas de Camel, particularmente la formación del cuarteto de principios de los 70, que produjo LP clásico tras LP clásico. La banda habría hecho esta lista incluso si se hubiera detenido después de «Moonmadness» de 1976, la última de las indiscutibles obras maestras de Camel. Pero perseveraron a lo largo de la década del neón y más allá, con Latimer al mando, siempre con clase, nunca con fanfarronería.
Genesis
Las bandas originales del progresivo se enfrentaron a una decisión difícil en los años 80. Evolucionar o extinguirse. Algunos lo lograron. Yes (temporalmente) con «90125». King Crimson con «Discipline». Pero nadie lo hizo de manera más orgánica que Genesis. El grupo mantuvo su integridad mientras explotaba con algunos de los pop de estadio más inteligentes del tamaño de un estadio de la década. Muchos fanáticos del progresivo se vuelven pomposos cuando se trata de la era de Phil Collins. Y desprecian álbumes como «Abacab» e «Invisible Touch». Probablemente haya razones más profundas para ese elitismo, y no tenemos el espacio aquí para desglosarlas. Pero Genesis sobrevivió porque esas canciones eran tan sólidas como los robles: melódicas, peculiares, conmovedoras, aún densas con los cambios de acordes poco ortodoxos de Tony Banks. Mientras tanto, el catálogo de la alineación de los años 70 con Peter Gabriel, incluida la perfección sinfónica de «Foxtrot» y «Selling England by the Pound», no necesita defensa entre los devotos del progresivo.
Pink Floyd
La falta de habilidad técnica a menudo puede ser una bendición. Pink Floyd distaba mucho de ser un virtuoso, pero tocaban con la emoción más cruda que casi cualquier otra persona en la arena progresiva, ayudando a que sus canciones espaciales y líricamente mordaces trascendieran la vida útil por completo. Muchos fanáticos incluso cuestionan su lugar en el género, probablemente porque la banda nunca se basó en la técnica para cautivar a la audiencia. Por otra parte, muchos fanáticos son tontos. La ambición y el ingenio unen todo el catálogo de Floyd, desde sus experimentos de rock psicodélico de finales de los 60 con el líder original Syd Barrett («The Piper at the Gates of Dawn») hasta su cumbre de los 70 centrada en el concepto y lujosamente producida («The Dark Side of the Moon», «Wish You Were Here»).
Rush
«‘Para nosotros fue tan auténtico, tan real, tan sincero, que estábamos mejorando y aprendiendo a tocar estas canciones», dijo Neil Peart de Rush a Rolling Stone en 2015, recordando la evolución de la banda durante la era dorada de la pretensión en el progresivo. Ese sentido de pureza siempre fue clave para el power-trio canadiense; sin importar la época, Rush nunca tocó una nota falsa. También alimentó su longevidad: sobrevivieron a través del punk, el new wave, el synth-pop y el grunge, absorbiendo elementos estilísticos aquí y allá para mantener su música fresca. Cuando Geddy Lee comenzó a tocar sintetizadores en los años 80, se comprometió con el instrumento como una herramienta de composición, nunca como un truco. Y cuando las guitarras de Alex Lifeson se volvieron más pesadas en los años 90, se sintió como una reacción orgánica al movimiento anterior. Rush grabó álbumes esenciales en todas las épocas, desde su cumbre puramente progresiva de finales de los 70 («Hemispheres») hasta sus sonidos más elegantes en la década siguiente («Moving Pictures») y el triunfo tardío de «Clockwork Angels». Todo fue, de hecho, «tan real». Y la mayor parte muy bueno.
Jethro Tull
«Es algo rock. Y sea lo que sea ese ‘algo’, todavía me gusta el término original que viene de 1969: rock progresivo». Eso dijo Ian Anderson a Something Else en 2013. «Pero eso fue con una ‘p’ minúscula y una ‘r’ minúscula. El rock progresivo, por otro lado, tiene connotaciones diferentes, de grandeza y pomposidad». Esas son las mismas cualidades que Anderson falsificó (y, hasta cierto punto, celebró) en la obra maestra de 1972 de Jethro Tull, «Thick as a Brick». Pero un progresivo menos maníaco y más elegante mantiene unido todo su catálogo. Incluidos otros elementos básicos de los años 70 como Aqualung de 1971 y la trilogía de folk-rock de «Songs From the Wood», «Heavy Horses» y «Stormwatch». Muchas bandas progresivas estaban decididas a hacer alarde de sus habilidades por encima de todo. E incluso si Tull podía superar a cualquiera («A Passion Play»). Nunca sacrificaron la melodía o la conciencia de sí mismos.
Tool
La irregularidad y la relativa simplicidad del EP debut de Tool, «Opiate» de 1992, solo ilustran la inmensidad de su transformación. Sus obras maestras consecutivas, «AEnima» y «Lateralus», consolidaron al cuarteto como la banda de heavy más influyente de su generación, inspirándose en la psicodelia de viaje ácido del King Crimson de la era «Red» más que en cualquier otro ámbito del metal alternativo. Los instrumentistas, en particular el baterista Danny Carey, que se casó con el virtuosismo preciso de Neil Peart y la grandilocuencia de Billy Cobham, aseguraron su elevado estatus progresivo con firmas de tiempo que necesita un título en matemáticas para decodificar. Y el líder Maynard James Keenan trajo humanidad, cantando sobre conceptos filosóficos y existenciales con una rara mezcla de humor negro y corazón.
Van der Graaf Generator
“Me encantaba Van der Graaf”, dijo Geddy Lee de Rush a Rolling Stone en 2018, destacando su catálogo de vinilos de los años 70 de esa banda. “Tenían un sonido oscuro y algo inquietante que me gustó mucho en ese momento”. Pero no todos tienen el gusto de élite de ese hombre, y aún menos pueden manejar la intensidad rabiosa y la teatralidad que echa espuma por la boca de las canciones de Peter Hammill, que se muestran mejor en obras maestras como «Pawn Hearts» de 1971 y «Godbluff» de 1975. «La idea de ser una banda súper exitosa fue un anatema para nosotros desde el principio», dijo el compositor a The Guardian en 2016. «Siempre quisimos estar hablando de cosas caóticas y estridentes». De hecho, lo hicieron, cerrando la brecha entre el symph-prog y el punk, dos géneros que se enfrentaron brevemente en una lucha por la supremacía.
Gong
El primer paso importante en la carrera de Daevid Allen fue cofundar Soft Machine,. Por cierto, una banda que más tarde floreció como figuras de jazz de la escena de Canterbury. Pero después de que al guitarrista australiano se le negara el reingreso al Reino Unido debido a una visa vencida, se quedó en París. Y reconfiguró toda su vida y su visión musical, formando el caprichoso grupo de rock espacial Gong. La banda evolucionó considerablemente a lo largo de los años. Tras la salida temporal de Allen a mediados de los años 70, se trasladaron por completo a un sonido de fusión y percusión liderado por Pierre Moerlen. Pero seguirán siendo conocidos para siempre por «Radio Gnome Invisible», una trilogía anterior («Flying Teapot», «Angel’s Egg», «You») que equilibra las letras de fantasía de Allen y las melodías pop distorsionadas, los cósmicos «susurros espaciales» de Gilli Smyth, los psicodélicos solos de guitarra de Steve Hillage. y los exóticos instrumentos de viento de Didier Malherbe.
Mike Oldfield
Mucha gente conoce a Mike Oldfield como el «chico del terror». Todo por el tema aún espeluznante de «El Exorcista», extraído de su debut en 1973, «Tubular Bells». Pero pocos artistas han acumulado catálogos más sólidos. Básicamente todo su trabajo de los 70 es esencial para escuchar. Con álbumes como «Hergest Ridge» y «Ommadawn» meticulosamente sobregrabados en nexos de rock, música orquestal, folk y New Age. Pero donde tantos artistas progresivos tropezaron en los años 80, esta banda de un solo hombre prosperó, lanzando algunos de sus mejores y más ambiciosos trabajos (como la composición de una hora en «Amarok» de 1990) después de su punto álgido de atención comercial.
Can
“Cuando fundé Can, no pensé en un grupo de rock”, dijo Irmin Schmidt, teclista de Can, a Prog en 2019. “Quería reunir jazz, rock, música nueva y experiencias étnicas de diferentes personas y descubrir qué sucede. Nunca nos vimos como un grupo de rock”. La mayoría de los oyentes y escritores clasifican a la banda alemana como «Krautrock», asintiendo con los ritmos hipnóticos y las atmósferas cósmicas que se fusionaron en un subgénero suelto a finales de los 60 y principios de los 70. Como quieras llamarlos, Can estuvo entre las bandas semi-mainstream más radicales del siglo XX, en algún lugar entre la psicodelia, el funk y la verdadera vanguardia en obras maestras como «Tago Mago» de 1971 y «Future Days» de 1973.
Kansas
Mezclar el boogie rock del corazón de EE.UU. y la complejidad sinfónica se lee en el papel como una idea ridícula. Y a menudo también suena así. Pero eso es parte del encanto de la propia Kansas de Topeka. Una de las pocas bandas progresivas estadounidenses que registró siquiera un punto en las listas de Billboard. Liderados en su mejor momento de los 70 por la enorme voz AOR-amigable de Steve Walsh, el majestuoso violín de Robby Steinhardt y las dotes multi-instrumentista de Kerry Livgren. El grupo entró en la conciencia pop con el retorcido elemento básico del rock «Carry On Wayward Son». Y la balada más ligera «Dust in the Wind». Pero los fanáticos incondicionales del progreso aún encuentran muchas emociones nerd escondidas en los cortes profundos, desde la épica de varias partes de 1975 «Magnum Opus» hasta el granero de 2020 lleno de solos «The Absence of Presence».
Caravan
Cuatro pilares de Canterbury impulsaron Caravan en 1968, lanzando su LP de debut cargado de psicología (y a menudo pasado por alto) ese mismo año. El cantante y guitarrista Pye Hastings se convirtió en el líder de facto durante décadas, guiando a la banda a través de numerosos cambios en el personal y el estilo, desde sus primeros trabajos lúdicos, definidos por el órgano confuso de David Sinclair (In the Land of Grey and Pink) hasta incursiones en fusión ligera («Waterloo Lily»), rock alimentado por viola («For Girls Who Grow Plump in the Night») y una tarifa más compacta y comercial («Blind Dog at St. Dunstans»).
Emerson, Lake & Palmer
Inventaron el supergrupo progresivo. Redefinieron la noción de rock clásico. Y llevaron la extravagancia y el exceso en el escenario a nuevas alturas cómicas. Uniéndose en 1970, el teclista Keith Emerson (de Nice), el cantante y bajista Greg Lake (King Crimson) y el baterista Carl Palmer (Atomic Rooster) no siempre fueron los compañeros de banda más compatibles: los dos primeros a menudo discutían sobre la dirección musical del trío. Pero esa tensión los hizo fascinantes, con los escandalosos ejercicios de Hammond y sintetizadores de Emerson chocando contra el rock impulsado por riffs y coros de Lake. Eran culpables de pajillas en ocasiones, no hay discusión allí. Pero cuando estos dos conceptos musicales enfrentados se unieron (ver: las largas epopeyas “Tarkus” y “Karn Evil 9”), el efecto fue mágico.
Premiata Forneria Marconi
Al igual que Gran Bretaña, Italia tenía sus propios tres grandes en los años 70. Le Orme, Banco del Mutuo Soccorso y esta banda de larga duración y título. Premiata Forneria Marconi se originó en Milán en 1970. Construyendo un repertorio temprano de covers progresivos (incluidos King Crimson y Jethro Tull) antes de crear originales de igual intriga y emoción. Sus primeros tres LP, «Storia di un minuto» y «Per un amico» de 1972, «L’isola di nient»e de 1974, son esenciales en el canon: sinfónico y memorablemente melódico, a veces pesado y jazzístico, elevado a la estratosfera por el violín y la flauta de Mauro Pagani. La rotación de miembros apagó esa majestuosidad más adelante, pero hay mucho para saborear en cada era de PFM, incluido, en álbumes como «Chocolate Kings» de 1975, el estilo vocal divisivo y balbuceante del ex líder Bernardo Lanzetti.
Opeth
Mikael Akerfeldt no solo es un innovador progresivo:. También es un fanático y coleccionista descarado, que educa a los fanáticos sobre tesoros enterrados como Goblin, Carmen y Comus. “Es realmente hermoso cuando descubres este tipo de bandas”, dijo el compositor a Rolling Stone. “Realmente puedes aprovechar la escena local o doméstica en ese momento. La escena italiana es completamente diferente a la escena estadounidense, que a su vez es completamente diferente a la escena escandinava, etcétera”. Se ha convertido en una especie de profesor progresivo, pero también ha desarrollado un buen currículum con su propia banda, la sueca Opeth, que evolucionó gradualmente del dinámico death metal croon-to-growl (Orchid de 1995) a un estilo más melódico con guiños al jazz. -fusión, música oriental, hard rock y prog sinfónico. Muchos fanáticos de Opeth se bajaron del carro a finales de los 2000, cuando Akerfeldt se aburrió de la producción moderna de metal y buscó inspiración en otra parte. Su pérdida: el catálogo de la banda se vuelve más vibrante con el tiempo.
Soft Machine
Soft Machine fue básicamente el centro de mando de la escena de Canterbury: Kevin Ayers y Daevid Allen de Gong sirvieron breves períodos en la alineación, y el oficial Robert Wyatt fue una figura clave durante su transición temprana de la psicodelia al jazz-rock desenfrenado en «Third» de 1970 y «Fourth» de 1971. . Cada álbum mantuvo la puerta giratoria en movimiento, incluida la interpretación explosiva del dios de la guitarra Allan Holdsworth en «Bundles» de 1975. Para el lanzamiento de» Land of Cockayne» seis años después, no quedaba ni un solo miembro original. Esa evolución constante da como resultado un catálogo desordenado pero fascinante, cada álbum es una Polaroid borrosa de una banda en constante movimiento.
Traffic
“Con Traffic, queríamos crear una música que contuviera muchos elementos”, dijo Steve Winwood a In the Studio With Redbeard. Así destacó su sabrosa “sopa” de blues, R&B, folk, jazz, rock y “varios tipos de música étnica”. Irónicamente, ese eclecticismo es probablemente la razón por la que rara vez se los etiqueta como una banda «progresiva». Aunque, en el sentido literal, ¿quiénes eran más progresivos? Traffic, por supuesto, nació antes de que existiera tal término,. Con su LP debut, «Mr. Fantasy» de 1967, que se deleitaba con la libertad de la post sicodelia de «Sgt. Pepper». Y su música floreció a medida que su ambiente cristalizaba, lo que resultó en álbumes sofisticados y llenos de ritmo como «John Barleycorn Must Die» de 1970 y «The Low Spark of High Heeled Boys» del año siguiente.
Supertramp
«¡Ni siquiera sé lo que eso significa!». Así dijo Roger Hodgson reflexionando sobre la «cuestión de si Supertramp era o no una banda de rock progresivo». Aquí es donde consultamos la antigua regla: si «progresas» lo suficiente, estás en el club. El arco de la carrera de la banda es fascinante: comenzó en un territorio de art-rock más genérico en sus dos primeros LP antes de encontrar un punto ideal entre la atracción («Dreamer») y la expansividad («School») en «Crime of the Century» de 1974, la primera con la formación de quintetos clásicos de Supertramp. El avance internacional de la banda, Breakfast in America de 1979, ajustó la proporción más hacia el pop elegante y artísticamente elaborado, un pico en la artesanía, incluso si sus fanáticos más rígidos suspiraban por los viejos tiempos. Supertramp es una de las bandas más subestimadas del rock, y su «¿son ellos/no son ellos?» el estado solo los convierte en desvalidos en el lado progresivo.
Marillion
Al igual que Génesis, una de sus influencias obvias y destacadas, Marillion reemplazó a un cantante carismático con otro. Y para muchos fanáticos, es más fácil pensar en cada formación como una banda completamente diferente. De 1981 a 1988, Marillion estuvo encabezada por Fish. Cuyas letras psicológicas y estilo teatral los posicionaron como líderes del «neo-progresivo». Un movimiento mejor ejemplificado por su elegante debut, «Script for a Jester’s Tear», y «Misplaced Childhood», que encabezó las listas de éxitos en el Reino Unido. Pero lograron mantener su impulso con el nuevo vocalista Steve Hogarth, quien aportó sensibilidad y un rango físico más amplio al progresivo texturizado de luces y sombras de los elementos básicos posteriores a Fish como «Seasons End» de 1989 y «Brave» de 1994.
Focus
«No creo en las palabras ‘rock progresivo'», dijo Thijs van Leer de Focus a Prog en 2019. «Creo que el único rockero progresivo que tuvimos, que desafortunadamente murió, fue Frank Zappa. Porque combinó la música clásica moderna, que él mismo compuso, con rock». Tal vez su definición es un poco demasiado limitada. Focus, por supuesto, creó su propia fusión única de sonidos, rociando música clásica, fusión de jazz y rock duro en su buffet sónico. Todos esos ingredientes están presentes en su canción más famosa, el éxito de 1971 «Hocus Pocus», una exhibición surrealista de fanfarronería que se entreteje con riffs metálicos, tiroteos, silbidos, scatting, acordeón, un largo solo de batería y un falsete absurdamente alto que la mayoría los médicos le aconsejarían que no cantara con él. Pero el grupo holandés estuvo en llamas durante la mayor parte de los años 70, particularmente en el tramo desde el «Focus II» de 1971 hasta el «Hamburger Concerto» de 1974.
Dream Theater
Los reyes del rock metal progresivo, Dream Theater, son la única banda aquí compuesta por ex alumnos del Berklee College of Music. La banda está tan dotada de habilidades musicales que pueden ser casi agotadoras. Afortunadamente, también conocen el valor de una emoción barata, ya sea un tema melódico poderoso o un riff de metal arenoso. La percusión del miembro original Mike Portnoy es perfectamente asombrosa por sí sola.
Magma
No pensarías que ninguna banda estaría lo suficientemente loca como para seguir los pasos idiosincrásicos de Magma. Pero todo un movimiento, Zeuhl, ha surgido de la extraña marca progresiva del grupo. Es difícil de describir: coros operísticos, ritmos de jazz-fusión y voces cantadas en un léxico extraterrestre inventado (kobaiiano) y ambientado en una especie de mitología de ciencia ficción. («¡Creo que Magma no es un grupo de rock progresivo en absoluto!», le dijo a Musoscribe el fundador, líder y baterista de la banda. Podría estar en desacuerdo incluso con ser incluido en esta lista). Naturalmente, para todos sus imitadores en este súper sub nicho -subgénero, nadie superó la emoción del trabajo más perdurable de Magma, particularmente su tercer LP, «Mekanik Destruktiw Kommandoh» de 1973.
The Mars Volta
“Definitivamente somos música eléctrica, así que podrías llamarlo rock”, dijo Omar Rodríguez-López a Rolling Stone en 2005. “No me considero así. Nuestra banda no es para que yo la describa”. Pero la música de Mars Volta también es emocionantemente imposible de describir para cualquier otra persona, fusionando todas las influencias remotas de la banda (Frank Zappa, salsa, Siouxsie and the Banshees, dub, post-hardcore) de una manera que los sintió de inmediato. Ninguna banda podría superar los dos álbumes conceptuales surrealistas llenos de misterios sonoros y líricos de Volta, «De-Loused in the Comatorium» y «Frances the Mute». Pero cada registro guarda alguna mutación de brillantez dentro de sus laberínticos paisajes.
Porcupine Tree
Steven Wilson tiene una relación complicada con el término «progresivo»: mientras promocionaba su quinto LP en solitario, «To the Bone» de 2017, le dijo a Decibel que «se deleitaba mucho» en destruir su imagen progresista. Un sentimiento comprensible, dado que ha grabado de todo, desde trip-hop hasta pop prístino al estilo de Abba a lo largo de los años. Pero “prog” es prácticamente la única etiqueta precisa para Porcupine Tree, su proyecto original convertido en banda legítima, que actualizó el género para la era del rock/metal alternativo. Pocas bandas de la era pueden tocar la carrera de una década desde «Stupid Dream» de 1999 hasta «The Incident» de 2009. Y con su reunión de 2022 y el disco «Closure/Continuation».
Renaissance
“Mucha gente nos llama una banda de rock progresivo”, dijo la cantante Annie Haslam a Hit Channel en 2018. “Siempre digo que somos una banda de rock sinfónico, porque no somos tan pesados”. Cierto, Renaissance siempre ha estado en el extremo más ligero y estudioso del espectro progresivo, pero crearon sonidos genuinamente sinfónicos, ya sea a través de la expresividad cruda de su interpretación (incluido el piano de inspiración clásica de John Tout y la voz operística temblorosa de Haslam) o por grabando con orquestas reales (como lo hicieron en «Scheherazade and Other Stories» de 1975 y el LP en vivo «Live at Carnegie Hall» de 1976).
Le Orme
Este grupo de Venecia lfue liderado la mayor parte de su existencia por el bajista con voz de ángel Aldo Tagliapietra. Comenzó en la escena beat-psych de finales de los 60, muy lejos del esplendor del progresivo sinfónico de su era clásica. Intentaron brevemente un gran avance internacional, consiguiendo la letra en inglés de Peter Hammill para una versión revisada de Felona e Sorona de 1973. Pero en su mayoría son recordados como reyes de su rincón romántico de Rock Progressivo Italiano, y una de las bandas progresivas más consistentes de cualquier país. Si bien los recién llegados deberían comenzar con Felona, su trabajo más espacioso y atractivo, su período de nueve álbumes desde «Collag»e de 1971 hasta «Piccola rapsodia dell’ape» de 1980 es casi completamente del siguiente nivel.
Hawkwind
Muchas bandas de rock progresivo evolucionaron a partir de la psicodelia, pero Hawkwind nunca dejó de ser psicodélico. Aunque son más conocidos por sus excursiones espaciales de forma libre, también tuvieron algunos momentos realistas memorables, como el sencillo proto-punk «Silver Machine» (cantado por su entonces bajista Lemmy) y «Quark, Strangeness &» de 1977. Charm”, donde coquetearon gratamente con New Wave. El miembro original Dave Brock ha mantenido a la banda en alto todos estos años.
Procol Harum
Procol Harum llegó en un momento crucial. Y ayudó a marcar el comienzo de proto-prog con el estilo barroco con volantes de su debut homónimo de 1967. Pero rara vez se posicionan entre los otros gigantes del género, probablemente porque la voz conmovedora de Gary Brooker y la cuidadosa cadencia de las letras de Keith Reid mantuvieron a la banda accesible, incluso en sus momentos más ambiciosos. Pero pocas bandas crearon un sonido tan majestuoso, tan triunfante, especialmente cuando incorporaron las orquestaciones en temas clásicos como «Grand Hotel» y «A Salty Dog». “No creo que Procol haya encajado nunca en un casillero en particular, como los llamamos aquí, ya sabes, en el archivador”, dijo Brooker a Vintage Rock. “Realmente no sabes bajo qué ponerlos. Vienen bajo ‘P’, ‘¿Progresivo?’, ‘¿Psicodélico?’, y yo digo: ‘Vienen bajo ‘P’, y ‘P’ es para ‘Procol'».
Vangelis
El compositor griego Evangelos Odysseas Papathanassíou estará vinculado para siempre a las seis notas. El dramático tema de piano que abre «Carros de fuego», un improbable éxito número 1 tomado de la película de 1981 del mismo nombre. Pero su catálogo en solitario está en todo el mapa estilísticamente, equilibrando momentos de tal dulzura azotada por el viento con viajes a la oscuridad de pesadilla. Después de dejar la banda de psicoprogresivo Aphrodite’s Child, el multiinstrumentista trabajó en gran parte por su cuenta, superponiendo arreglos pesados de teclado que equilibraban el progresivo sinfónico con la «música espacial» electrónica, clásica y New Age.