Los 200 mejores cantantes de la historia, según Rolling Stone

Rolling Stone comenzó su 2023 compartiendo su lista de los 200 mejores cantantes de la historia de la música.EL día de ayer domingo 01 de enero, la revista publicó un listado con aquellas voces que cambiaron la escena musical y causaron un enorme impacto en la cultura.

«Estos son los vocalistas que dieron forma a la historia y definieron nuestras vidas. Desde voces suaves a gritos crudos, de gospel al punk. De Sinatra a Selena a SZA», escribió Rolling Stone sobre su listado. El cual tiene al rock fuera del top 10.

Este es el top 10 de Rolling Stone:

1.- Aretha Franklin

2.- Whitney Houston

3.- Sam Cooke

4.- Billie Holiday

5.- Mariah Carey

6.- Ray Charles

7.- Stevie Wonder

8.- Beyoncé

9.- Otis Redding

10.- Al Green

A continuación, en orden decreciente, las voces del rock presentes en la lista de la Rolling Stone:

199.- Glenn Danzig

«Mientras sus contemporáneos hardcore-punk despotricaban sobre la alienación y los males sociales, el líder de Misfits canturreaba sobre Astro Zombies, el infanticidio y los adolescentes de Marte con una voz rica y desafiantemente melódica que recordaba a sus héroes Elvis Presley, Jim Morrison y Roy. Orbison (una de las leyendas para las que luego escribiría, junto con Johnny Cash)». Más tarde, con su banda homónima, mantuvo el heavy metal firmemente conectado con las raíces del rock & roll. Con un rango que podía abordar cómodamente el blues terrenal y las canciones de antorchas embrujadas, al tiempo que agregaba un aura oculta escalofriante y una inclinación por los aullidos que traquetean las vigas.

196.- Paul Westerberg

El líder de The Replacements tenía un ladrido bárbaro para igualar a cualquier psicópata hardcore musculoso. Pero su capacidad para aportar ingenio, desprecio, ironía e intimidad a ese caos lo convirtió en el mejor cantante de rock del Medio Oeste de la década de 1980. El hombre que escribió «Fuck School» y «Gary’s Got a Boner» guardó su verdadero poder de fuego para baladas desgarradoras como «Unsatisfied» y «Within Your Reach». Donde podías escuchar cada cigarrillo que fumaba mientras parecía profundizar más y más profundo con cada verso. En una era en la que muchos tipos de indie-rock intentaban canalizar el descontento del corazón cantando como si hubieran sobrevivido al Dust Bowl, Westerberg no puso distancia alguna entre su propia voz y el mundo de los niños suburbanos rotos que anhelaba redimir.

184.- Karen O

Karen O se pavoneó en su camino hacia la historia con los Yeah Yeah Yeahs. Una diva gótica-punk de Nueva York en un torbellino de cerveza, lápiz labial y medias de red. Pero ella siempre ha tenido su propio estilo vocal único de pasión por el alma en llamas. Como una niña coreana-estadounidense que creció idolatrando a Sam Cooke, Karen canta clásicos como «Maps» como una mezcla de Sam y Siouxsie. Como una de las únicas voces de rock femeninas de su época, provocó una nueva generación de chicas rebeldes. (Marisa Dabice de Mannequin Pussy le dijo a Rolling Stone: «No sé qué haría si no tuviera a Karen O a quien admirar»). Como dice Karen, «La ola contra mi tabla de surf es gente que dice: ‘ No, no puedes hacer eso’. «¿Crees que no puedo hacer eso? Te haré esto en la cara, hijo de puta».

176.- Iggy Pop

Incluso si no tuviera ese canturreo de barítono muy de Sinatra bajo la manga, el hombre salvaje de Detroit nacido James Osterberg habría sido uno de los vocalistas más llamativos de todos los tiempos, gracias a su listo para cualquier cosa, el aullido devorador de paisajes. . El chillido con cuerpo de Iggy fue la encarnación musical de su personalidad de niño sin salida, un rock & roll esencial y el modelo para el canto punk por venir. Como dijo Lenny Kaye en su reseña de Rolling Stone del clásico Raw Power de 1973 de Iggy and the Stooges, Ig «doble e incluso triple pista». . . la voz cubre un rango de frecuencias que solo un perro (quiero ser tu) podría apreciar adecuadamente”.

174.- Buddy Holly

Con hipo y asfixia, apresurando la entrega aquí y frenando lentamente una sílaba allá, el estilo de canto de Buddy Holly era tan impredecible y emocionante como la forma joven del rock & roll en sí. Su carrera fue trágicamente breve: Holly tenía solo 22 años cuando murió en el accidente aéreo que, entre otras cosas, inspiró «American Pie» de Don McLean, pero del gruñido directo del rockero «¡Oh, chico!» hasta los arrebatos discretamente carnales de la balada «Raining in My Heart», el canto de Holly maduró a pasos agigantados. Hay mucho para la audiencia; grabó incesantemente entre 1956 y 1959.

168.- Debbie Harry

La frescura sin esfuerzo que emana de las fotos de Deborah Harry en su mejor momento de Blondie, e incluso ahora, solo se compara con escucharla cobrar vida en un disco. Hizo que pareciera fácil, aunque no lo fue: los dos primeros álbumes de Blondie son ganadores pero tentativos, al igual que el canto. Pero para Parallel Lines de 1978, Harry se convirtió en un rotundo para todas las épocas, ya sea besando alegremente a alguien en «Heart of Glass» o iterando la frase «No puedo controlarme» en «Hanging on the Phone» tres completamente diferentes, fabulosamente controlados. maneras. Incluso cuando intentó rapear en «Rapture» en 1980, su encanto de Noo Yawk era irresistible.

166.- Morrissey

Si todo lo que Morrissey aspiraba a ser era la voz de la miseria adolescente de los ochenta, habría sellado el trato en los primeros días de los Smiths. Pero él quería más. Rápidamente se convirtió en uno de los cantantes pop más articulados emocionalmente, haciendo alarde de su ingenio en clásicos como «Cemetry Gates» y «Suedehead», enviando notas altas al cielo con un beso irónico. Moz creció como un recluso literario en el norte de Inglaterra, adorando a cantantes como Dusty Springfield y Joan Armatrading, pero el punk rock lo llevó a su propia voz. Nadie puede superar a Morrissey cuando se trata de baladas extravagantemente melancólicas, en la grandeza de «I Know It’s Over», «Now My Heart Is Full» o su canción característica, «There Is a Light That Never Goes Out».

165.- Ronnie James Dio

El trabajo de Ronnie James Dio a finales de los sesenta y principios de los setenta con Elf lo reveló como un fuerte gritador de blues-rock, pero algo hizo clic una vez que se unió al exguitarrista de Deep Purple Ritchie Blackmore’s Rainbow, la banda en la que el cantante encontró la combinación de canto ardiente. y temas fantásticos que lo convertirían en un ícono del heavy metal. En epopeyas como «Stargazer», aportó una grandeza artúrica al género con una entrega que equilibraba perfectamente la melodía altísima y la fuerza desgarradora. Luego se unió a Black Sabbath, ayudándolos a recuperar su gloria inicial tras su separación de Ozzy Osbourne en el clásico Heaven and Hell de 1980. En su mejor momento, su voz siempre transmitía una rara mezcla de pasión, asombro y determinación infernal.

157.- Robert Smith

Robert Smith es el gótico Sade. Con The Cure, es un maestro de la intimidad entrecortada y el ingenio erótico, como si estuviera confiando secretos a la luz de las velas, incluso cuando canta sobre gatos y arañas. Trabaja su voz melancólica en un instrumento poderosamente expresivo, ya sea que busque la miseria sexy («Close to Me»), la miseria burlona («Let’s Go to Bed») o la miseria miserable («One Hundred Years»). “Just Like Heaven” es, con razón, su escaparate vocal más famoso, alcanzando extremos emocionales que van desde la felicidad romántica hasta la desesperación de estar solo, solo, solo. Y maldita sea, la forma en que ronronea la línea «Debe haber estado dormido por días»: toda la filosofía de Robert Smith en un momento.

152.- Michael Stipe

Cuando R.E.M. comenzaron, hicieron olas en parte porque su cantante, Michael Stipe, se negó a enunciar claramente. Pero ese misterio no habría resonado si su voz, llena de anhelo y encanto, no hubiera llamado a los oyentes a escuchar más de cerca; no es coincidencia que R.E.M. se volvió pop justo cuando Stipe comenzó a pronunciar claramente, o que el pico comercial de principios de los noventa, Out of Time y Automatic for the People, son escaparates virtuosos para la voz de miel quemada de Stipe. Su feliz borboteo en «The Sidewinder Sleeps Tonite», de este último, y su acerado entusiasmo por el cerrador del primero, «Me in Honey», cuentan la historia tan bien como lo hacen los éxitos. Y en canciones como «Everybody Hurts» y «Beat a Drum», un momento sublime de Reveal de 2001, demostró ser uno de los cantantes de baladas más luminosos de su generación.

150.- Bryan Ferry

Desgarbado, con volantes, pretencioso: Bryan Ferry no tiene exactamente lo que consideramos un conjunto clásico de tuberías. Sin embargo, lo que su voz ha logrado a menudo ha sido asombroso. He aquí, Drácula como hombre del alma: no es broma. El timbre agudo de Ferry y su entonación lista para el drama tienen la estilización distanciada de su colega David Bowie, solo que Ferry tiene un temperamento más frío (como es evidente en su afinidad por los apartes sonrientes) y una voz más apasionada. Transforma el material de otras personas por completo (vea su conversión de 1976 de la súplica de R&B de Wilbert Harrison «Let’s Stick Together» en un pisotón disco sudoroso) y es el intérprete perfecto de sus propias letras sobrecargadas, sobredramáticas y abrumadoras.

148.- Levon Helm

Levon Helm era el único miembro estadounidense de la banda, y las viñetas caseras teñidas de sepia del quinteto canadiense nunca habrían tenido la misma calidez o viveza si no fuera por el baterista y el acento cándido del mandolinista. Es difícil imaginar cualquier otra voz que no sea la de Helm inyectando «La noche en que derribaron a la vieja Dixie», una historia históricamente espinosa del soldado confederado ficticio Virgil Caine, con patetismo real, o encarnando de manera tan convincente al viajero cansado que llega a Nazaret desde el principio. de “El Peso”. “Su verdad en esa voz podría arrancarte el corazón”, escribió el líder de la banda, Robbie Robertson, en sus memorias. Décadas después, esa misma voz también aportaría nueva riqueza al material de Bruce Springsteen, Steve Earle y Grateful Dead.

145.- PJ Harvey

«Para mí, la voz es más importante que tocar la guitarra, o cualquier cosa, en realidad», dijo Polly Jean Harvey a Rolling Stone en 1993. Lo decía en serio: el enfoque vocal de Harvey ha cambiado de rumbo muchas veces a lo largo de los años, y cada vez, es sorprendente. . El rugido rockero de Dry y Rid of Me, sus primeros dos álbumes, en 1992 y 1993, se inclinó hacia el blues con To Bring You My Love en 1995, se dirigió hacia una voz más ligera, aireada y clara en White Chalk en 2007, agregando un sonido cercano a -Amplitud y profundidad de Broadway para Let England Shake en 2011. Las lecciones de ópera que comenzó a mitad de su carrera ayudaron. Pero no eran más que la guinda de una voz que mandaba desde el salto.

140.- Bono

Es fácil dar por sentado a Bono, ya que el encomiable activismo del artista y su enorme personalidad en el escenario a menudo eclipsan la razón por la que tiene estas plataformas: su voz. Desde principios de los años ochenta, Bono ha llevado su voz a todos los extremos mientras se acercaba a cómo ser un cantante. En “Pride (In the Name of Love)”, su carta de amor al Dr. Martin Luther King Jr., canta, canta, se desmaya y tararea mientras calcula la pasión del Dr. King. En «Who’s Gonna Ride Your Wild Horses», su voz se tuerce y se dobla, con un poco de verdadera determinación en buena medida. Y en la conmovedora balada “In a Little While”, suplica con la misma intensidad de Marvin Gaye antes de deslizarse en su distintivo falsete de Bono con un rango que abarca tanto el tono como la emoción.

134.- Axl Rose

Todo en Guns N’ Roses se sentía más sórdido y despiadado que todo lo anterio. Y la pieza central de su sonido era una de las voces más escandalosas jamás escuchadas en el rock. A lo largo de su clásico de 1987, «Appetite for Destruction», la voz de Axl cambia de forma constantemente. Transmitiendo la amenaza de los ojos muertos en el extremo inferior («It’s So Easy», «Mr. Brownstone»). Y la furia demoníaca en el extremo superior («Welcom to the Jungle”, “Out ta Get Me”). Al mismo tiempo que toca el anhelo andrógino (“Sweet Child o’ Mine”). Y la pura arrogancia (“Paradise City”). Baladas como «Patience» y «November Rain» ampliaron su paleta y recordaron a los fanáticos que había tanto Elton John como Freddie Mercury y Janis Joplin en su ADN vocal.

133.- Neil Young

El falsete de Young tiene tanto bagaje emocional que es el más pesado de la música popular. Su instrumento es distinto y complejo, a veces vertiginosamente tierno («After the Gold Rush», «Mellow My Mind», «Expecting to Fly»). Pero sabio e inquebrantable («Powderfinger», «Ambulance Blues»). Ha influido en muchos, quizás el más famoso es un joven Thom Yorke. Pero Young no comprende su grandeza. “Mi propia voz es un maldito misterio para mí”, le dijo a Jimmy McDonough en la biografía de Young, «Shakey». “No sé dónde está. Suena tan diferente todo el tiempo. Puedo cantar suave y suena como un chico. Puedo cantar alto y gritar y suena como otro chico completamente diferente. Tengo varias voces diferentes en mí. Y cuanto más me suelto, cuanto más canto, mejor me pongo”.

131.- Jeff Buckley

Reflejando sus raíces en todo, desde Led Zeppelin y Yes hasta Edith Piaf y Barbra Streisand, Jeff Buckley era ese raro vocalista de su era, los años noventa, que se deleitaba con algo más que gemidos de rock alternativo. Al igual que Robert Plant, uno de sus héroes, podía comenzar una canción en voz baja, con un susurro, antes de llegar a una intensidad casi carnal y salvaje (echa un vistazo a «Mojo Pin» de su único álbum de estudio completo, Grace). También agregó capas de vulnerabilidad, ternura y melodrama que lo marcaron como un cantante y uno con una voz de varias octavas. Su muerte en 1997, a los 30 años, privó al pop de un artista cuya voz seguramente iba a incursionar en muchos más territorios.

130.- Courtney Love

Courtney Love provenía de una tradición punk de mujeres a las que no les importaba cantar bonito, y acercó esa sensibilidad a la corriente principal del rock más que cualquier otra cantante de los últimos 30 años. Su impacto fue inmediato, sobre todo en su marido, Kurt Cobain. El rasguño distintivo del amor personifica la agonía y el éxtasis de ser mujer, y lo hace de una manera que es divertida de gritar. Desde la intensidad casi inaudible de Pretty on the Inside de 1991 hasta el éxito de Hole Live Through This, pasando por sencillos más recientes, como el himno de la amistad tóxica de 2015 «Miss Narcissist», nadie canta como Courtney. “Siempre fui la única persona con el valor de cantar, así que me quedé atrapada”, le dijo una vez a MTV. Y ella tiene razón. Nadie tiene el descaro de permanecer tan crudo.

129.- Rob Halford

El líder de Judas Priest, Rob Halford, arrojó un guantelete de cuero con púas con su vertiginoso gemido inicial en «Victim of Changes» de 1976 («Whisky woman, don’t you know that you’re going me in-saaaaaane!»), y en las décadas posteriores , el hombre conocido como el Dios del Metal ha seguido agudizando su voz hasta convertirla en el instrumento ideal para el género que personifica con tanto orgullo. Desde el estilo áspero y lleno de actitud que se escucha en los clásicos de principios de los ochenta como «You’ve Got Another Thing Comin'» y «Living After Midnight» hasta el chillido banshee de «Painkiller» de 1990. Kerry King de Slayer le dijo a Rolling Stone que Halford “toca notas y mantiene notas por una duración que es casi inhumana. Es como Eddie Van Halen tocando la guitarra; ese es el canto de Rob Halford”.

125.- Joe Strummer

Joe Strummer siempre llevó su corazón en su manga. Con The Clash, podía derribarte con su poderoso rugido, pero podía hacer mucho más que eso: su aullido engañosamente brusco era un instrumento sorprendentemente flexible. Que es la forma en que podía alcanzar un rango emocional tan amplio. Strummer podía hacer furor, claro, pero tenía un don único para la calidez alegre y alegre, en los vuelos cómicos de «Bank Robber» o «Safe European Home». Podía hacer ternura elegíaca, como en “Bombas españolas” o “Directo al infierno”. O simplemente podría convertirse en la voz de la perdición, como en «Armagideon Time». Si alguna vez dudas de su inteligencia como cantante, solo escucha «London Calling», en sus intrincados cambios emocionales de la ira («¡Ahora escucha esto!») a la alegría y al terror. Es una clase magistral vocal de tres minutos.

118.- John Fogerty

En Creedence Clearwater Revival, cuya racha de éxitos desde 1969 hasta 1971 sigue siendo un logro impresionante, la composición de canciones de John Fogerty y su estilo con un gancho lo hicieron sonar como un hombre común. Pero también lo hizo su voz, un tenor que podía pasar de un buen trago a un rugido significativo. También es un poco más matizado de lo que parece al principio. El tipo que se enfurece en «Fortunate Son» e interpreta al profeta del bosque en «Bad Moon Rising» transmite alegría casual en «Lookin’ Out my Back Door» y tristeza genuina en «Have You Ever Seen the Rain?» Un instrumento útil para algunos de los más clásicos del rock clásico.

117.- Patti Smith

Durante sus primeros días en Brooklyn con el artista Robert Mapplethorpe, Patti Smith solía cantarle para dormir. Le gustaba su voz, aunque a ella todavía no. “Supongo que tuve muchas agallas, pero nunca tuve una voz tan buena”, dijo Smith recientemente a NPR. En ese momento, quería ser poeta, no cantante, pero con el lanzamiento de Horses en 1975, se dio cuenta de que podía ser ambas cosas. Influenciada por la ópera y Edith Piaf tanto como por Jim Morrison y Dylan, su enfoque poco convencional del rock inspiró a generaciones de artistas que estaban hartos de que les dijeran cómo no cantar. A caballo entre la línea entre poeta y cantante, Smith torció los límites de lo que la música podría ser y decir con su voz audaz como latón. Escucharla hablar es música y escucharla cantar es contar historias.

114.- Chrissie Hynde

A la líder de Pretenders nunca le ha gustado que la llamen una luz guía del punk-rock. “Simplemente significa que soy mayor que ellos, que estuve allí antes que ellos. No fui una pionera”, dijo en 2006. Pero una cierta calidad de alma antigua siempre ha sido una gran parte de su mística, desde la forma en que mezcló la arrogancia feroz con la eliminación genial en “Precious” hasta la tierna intimidad de “ Kid” y “Deja de sollozar”. Dice algo sobre su rango musical y emocional único que se haya sentido como en casa haciendo duetos con Sinatra y Cher, o versionando canciones de Brian Wilson, Nick Drake y Hoagy Carmichael en su álbum de 2019, Valve Bone Woe. Esa combinación de estilo, poder y profundidad ha influido en innumerables artistas a lo largo de los años, desde Madonna hasta Linda Lindas.

112.- Ozzy Osbourne

Ozzy Osbourne no tiene lo que la mayoría de la gente llamaría una buena voz, pero vaya que tiene una muy buena. Su grito rimbombante recuerda a brocas y feedback de guitarra eléctrica, su fraseo no es ágil, pero la forma en que suena como nadie más es un superpoder. Abrazando teatralmente esos límites únicos y comprometiéndose de todo corazón con la parte (un gran ladrador de carnaval de guiñol, un conductor de tren loco), Ozzy no solo logra superar a los dioses de la guitarra como Tony Iommi y Randy Rhoads, sino que demuestra ser un metal pesado fascinante. hilandero, amenazador pero lleno de buen humor.

109.- Roger Daltrey

Pete Townshend escribió la gran mayoría del catálogo de Who, pero fue la voz de Roger Daltrey lo que le dio vida. Esto no le resultó natural hasta que grabaron la ópera rock Tommy. “Tommy me dio un lienzo que era lo suficientemente grande como para realmente arriesgarme”, le dijo a Rolling Stone en 2013. “Una vez que salimos a la carretera y la cantamos en vivo, despegó por sí sola y mi voz creció. con eso.» Esa confianza es fácil de escuchar en su grito primario al final de «Won’t Get Fooled Again» y el clímax de «Love, Reign O’er Me».

107.- Lou Reed

Obviamente, nadie consideraría el canto de Lou Reed virtuoso en sí mismo. Pero por personalidad, punto de vista y una huella de voz única que, a su vez, ha marcado a generaciones de cantantes después de él, Reed era de hecho el hombre. Bandas desde los Feelies hasta Yo La Tengo y Parquet Courts imitaron el estilo vocal maravillosamente plano de Lou, no solo su agitada guitarra rítmica: diablos, solo el canto en el tercer álbum de Velvet Underground inventó un subestilo de canto de radio universitario. Y en modo rockero galopante, su monotonía nerviosa a menudo animaba sus canciones: «Sweet Jane» y «Rock & Roll» son solo el comienzo.

105.- Eddie Vedder

Eddie Vedder era un surfista de SoCal que se mudó a Seattle, donde se convirtió en una de las voces de rock más icónicas e influyentes de los últimos 40 años. Con Pearl Jam, Vedder muestra su musculoso barítono en baladas dolorosas como «Daughter», «Nothingman» y «Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town». Pero también puede gemir con la furia absoluta de «Black» o «Not for You». Históricamente, es el vínculo entre el gruñido del corazón al estilo de Springsteen de la década de 1970 y la furia punk de la costa oeste. También tiene una gran influencia en el country: puedes escucharlo en cantantes como Chris Stapleton. Su actuación más legendaria podría ser «Hunger Strike» de Temple of the Dog, en su épica llamada y respuesta con Chris Cornell. El último hombre del alma grunge.

103.- Leonard Cohen

El culto a Leonard Cohen se centra correctamente en su genio lírico, pero sin su voz, ese estruendo oscuro y casi bíblico, sus palabras nunca habrían tenido la misma gravedad. Incluso en sus primeros álbumes, cuando su entrega era más flexible, tenía una calidad singularmente espeluznante, que solo se profundizó a medida que su rango se asentaba en su forma madura, ese deliciosamente siniestro mitad croon, mitad croak que complementaba el tono desenfadado y desenfadado. -Ingenio negro de discos como I’m Your Man y The Future. Al final de su vida, especialmente en su último álbum You Want It Darker, lanzado pocas semanas antes de su muerte en 2016, estaba narrando más que cantando, su rango esencialmente inexistente, pero era exactamente el medio adecuado para el bluesman existencial que él. Siempre había estado en el proceso de convertirse.

100.- Elton John

El pop-rock exagerado de Elton John recibe una sacudida adicional de su voz, que puede resaltar el júbilo travieso o la emoción profunda en las letras de su compañero de composición Bernie Taupin. El instrumento que no es piano de John ha evolucionado a lo largo de los años; en 1987, se sometió a una cirugía para extirpar lo que le dijo a Billboard que eran «nueve cancerosos… lo que fuera que tenía en mis cuerdas vocales», profundizando su rango y modulando el falsete que le dio un impulso emocional a éxitos de los 70 como «Goodbye Yellow Brick Road». Pero, como señaló en esa entrevista de 2004, esa cirugía le dio a su voz una mayor resonancia, y sus interpretaciones de viejas castañas en su actual gira de despedida todavía tienen un gran impacto emocional.

96.- Chuck Berry

Claro, Chuck Berry fue el letrista de rock más importante antes (y además) de Bob Dylan, pero no son solo las palabras las que cautivan, es la voz que las canta. Era astuto como el tío que te ofrece tu primer sorbo o toque ilícito, sabio como el maestro que te pone en tu camino, lleno de bromas descaradas, y como escribió las palabras, se aseguró de que entendieras cada una de ellas. Esas sílabas acompañan el ritmo de conducción con tanta fuerza como sus riffs de guitarra: el fraseo inteligente de Berry le dio a historias cortas como «You Never Can Tell» una resonancia más profunda. Y luego está «Memphis, Tennessee», donde te rompe el corazón.

93.- Stevie Nicks

Hay tantas capas en la mitología de Stevie Nicks en este punto que puede ser fácil pasar por alto la piedra preciosa en el centro de todo: su hermosa voz de cuarzo ahumado, que siempre le ha dado a sus visiones de cristal un poder desconcertante. Sus discípulos son innumerables, desde Harry Styles hasta Florence Welch, pero en particular, cualquier cantante que haya hecho alarde de un estilo vocal rasposo (Lorde, Sheryl Crow, Courtney Love) tiene una enorme deuda con ella. “Creo que probablemente tiene la voz más sexy que se me ocurre”, dijo Love una vez. Es una voz que puede hacer que un clásico de Fleetwood Mac como «Gold Dust Woman» o «Sara» se sienta más como un hechizo que como una canción o, en el caso de los himnos inmortales de ruptura, «Dreams», «Silver Springs» y «Wild». Corazón”, como un maleficio irresistible.

85.- Johnny Cash

En los años cincuenta, mientras estaba de gira con Elvis Presley, la estrella del country June Carter conoció a su futuro esposo porque, dijo, «Elvis estaba entusiasmado con el gran cantante que era Johnny Cash». De hecho, para muchos, el barítono maravillosamente fluido y de una milla de ancho de Cash es el mejor sonido de la música country. Su rudeza y su buen humor siempre estuvieron en el bolsillo del otro: «One Piece at a Time», de 1976, es un modelo de cómo hacer que una canción tonta sea aún más divertida tocándola de forma realista. Y su lado fuera de la ley, desde «Folsom Prison Blues» en 1955 hasta «Hurt» en 2002, generalmente era triste y siempre convincente.

82.- Steve Perry

Steve Perry canalizó su amor temprano por Sam Cooke y los Drifters en un cinturón humeante pero altísimo que se convirtió en el estándar de oro de la teatralidad del rock de arena. Dondequiera que se encuentre en el melodrama desvergonzado que ha convertido a Journey en un elemento básico eterno del dial de FM, es imposible negar la majestuosidad de la entrega de Perry en rockeros como «Don’t Stop Believin'» y «Separate Ways (Worlds Apart)», o el ternura que aporta a baladas como “Open Arms” y “Faithfully”. Perry no ha cantado con Journey desde 1991, ni ha tocado en un espectáculo adecuado en casi 30 años, pero los fanáticos aún mantienen sus encendedores levantados por el hombre conocido como «La Voz».

80.- Chris Cornell

Ya sea en el desgarrador elogio de Temple of the Dog «Say Hello 2 Heaven» o en la brutal y hermosa «Burden in My Hand» de Soundgarden, Cornell es el sonido de Seattle en una sola voz. Su rango de casi cuatro octavas golpeó la escena como un puñetazo en el estómago y dejó una marca profunda, enconada con emoción y poder a medida que pasaba de un barítono crudo a un falsete quejumbroso, a veces dentro de la misma canción. “He tenido bastante suerte porque mi voz ha sido un instrumento bastante confiable”, le dijo a Rolling Stone en 2015. “Todo lo que realmente necesitaba de mí era descubrir cómo manipularla de la mejor manera para obtener lo que quiero de esto».

78.- Janis Joplin

“Janis Joplin canta blues tan fuerte como cualquier persona negra”, dijo una vez B.B. King. Además de un tiempo como folkie de café con gusto por Ma Rainey, la carrera de Joplin como una de las grandes estrellas del rock estadounidense fue desde el 4 de junio de 1966, cuando se unió a Big Brother and the Holding Company, hasta su muerte el 4 de octubre de 1970. exactamente 52 meses. En menos de cinco años, se convirtió en una leyenda (especialmente en el escenario, donde sigue siendo una de las grandes líderes del rock) por una voz absolutamente bazuca que hizo todo lo que la voz de un cantante de blues, rock o soul debería hacer: encarnar la canción, y transmitir cada gramo de vulnerabilidad o dolor o rabia que tiene el cantante.

77.- Bruce Springsteen

Como cantante no menos que como director de orquesta, el gran don de Bruce Springsteen es la dinámica. Susurrar a un grito es una gran parte de lo que hace: solo escuche el segundo verso de «Born to Run», que comienza como Roy Orbison masticando chicle y luego se convierte en Wilson Pickett en una motocicleta. Es fácil burlarse del tipo brusco que canta a gritos su verso de «We Are the World», pero el compromiso emocional de Springsteen siempre está en el dinero: honestamente desesperado en «The River», completamente aterrador en «State Trooper», completamente jubiloso en » Rosalita (Come Out Tonight)”, un desastre triste y cachondo en “I’m on Fire”.

72.- Muddy Waters

Ahumado y listo para reírse del mundo, ya sea locuaz o triste, Muddy Waters definió el canto de blues eléctrico, aunque él mismo insistiría: «Soy un cantante de country blues». Pero ya sea más alto y más libre en acústica cuando Alan Lomax lo grabó en los años cuarenta, o en el estilo más profundo y más irónico que auguran sus sesiones de los años cincuenta para Chess Records, Waters cantó con calidez, solidez y un toque de poder mantenido en reserva. . Podía gritar, pero era la forma en que lo hacía, desde «Hoochie Coochie Man» hasta su abrumadora revisión de 1977 de «Mannish Boy», donde realmente radicaba la emoción.

71.- Roy Orbison

Elvis Presley lo llamó “el mejor cantante del mundo” y se negó a cubrir su trabajo por respeto. Dolly Parton dijo: “Nunca me ha conmovido más una voz”. Kris Kristofferson estuvo de acuerdo: “Una de las voces más bellas en la historia de la música grabada”. En «Only the Lonely», «Crying» e «In Dreams», Orbison usó su control, rango de tres octavas y una profunda tristeza para transmitir un melodrama casi gótico. Pero echa un vistazo a la aún asombrosa canción de Traveling Wilburys «Not Alone Any More», grabada y lanzada menos de dos meses antes de la muerte de Orbison en 1988 para escuchar exactamente por qué era imposible no usar la palabra «operística» al describir el sonido abrumador de Orbison.

63.- Robert Plant

A pesar de las críticas que recibe Robert Plant por sus préstamos liberales de las letras de blues, su estilo vocal real, informado desde el principio por fuentes como Skip James y Blind Lemon Jefferson, evolucionó rápidamente hasta convertirse en algo único. Tomemos como ejemplo «Immigrant Song», con sus chillidos lamentos y su canturreo extrañamente lánguido, o el gorjeo soñador que adopta en «Kashmir». Por más exagerado que pudiera llegar a ser su trabajo de Led Zeppelin, algunas de las mejores actuaciones de Plant se produjeron cuando apuntó a la serenidad en lugar del salvajismo. Es casi como si siempre supiera que se reinventaría a sí mismo como un folk místico, y una de las razones por las que sus colaboraciones posteriores con Alison Krauss y músicos de Malí y Marruecos son algunos de los trabajos vocales finales más creíbles de un ex rockero de arena.

57.- Brian Wilson

Brian Wilson es tan famoso por sus habilidades de producción y composición que sus dotes como vocalista a menudo se pasan por alto, especialmente porque sus compañeros de banda eran tan increíblemente hábiles en ese departamento. Pero escucha «Wouldn’t It Be Nice» y escucha el dolor y el anhelo que infunde en la palabra. Echa un vistazo a «The Warmth of the Sun», donde toca notas increíblemente altas. Incluso cuando no está cantando como solista, iguala las voces de sus compañeros de banda y crea algunas de las armonías más sublimes jamás capturadas en una cinta. Según Wilson, todo vino de la influencia del grupo vocal de los años sesenta Four Seasons. “Ahí es donde aprendí a arreglar armonías y también donde aprendí a cantar falsete”, dijo Wilson. “Su armonía a cuatro voces era totalmente original”.

52.- Mick Jagger

Cada vez que abre esa boca extra ancha para cantar, Mick Jagger revela una de sus influencias como vocalista: sus momentos de gruñidos guturales muestran su amor por el blues, sus vuelos hacia el falsete revelan su profundo vínculo con el R&B y el soul, y esos acentos inexpresivos lo conectan con el country y otras raíces musicales. Pero desde las primeras versiones de blues de los Stones, Jagger nunca fue un imitador. A pesar de todas sus influencias, esa voz a veces siniestra, a veces despreocupada, a veces suplicante siempre ha sido muy propia. Otros han tratado de imitarlo, pero Jagger sigue siendo uno de los cantantes más distintivos en la historia del rock, ya sea que esté jugando con fuego, simpatizando con Satanás o simplemente extrañándote.

49.- Rod Stewart

Rod the Mod no solo imitó la gran seriedad de su héroe vocal Sam Cooke; lo reinventó desde adentro y se convirtió en uno de los grandes intérpretes del rock. Stewart puede romperte el corazón mientras canta como un buen jugador, puede hacerte estremecer o sonreír con la misma facilidad: cuando está encendido, puede hacer que el material ordinario suene tan bien como un traje nuevo. Y cuando el material es genial, es irresistible. Si todo lo que hubiera hecho fuera Every Picture Tells a Story de 1971, un tour de force vocal, cada emoción evocada con precisión, pertenecería a esta lista. Pero todavía está aprendiendo nuevos trucos, como muestran muy bien los álbumes basados en el cancionero popular.

37.- Van Morrison

Para experimentar el apogeo del genio vocal de Van Morrison, debes ir más allá de las palabras. Concéntrese, digamos, en la parte posterior de forma libre de una interpretación de 1974 de «Listen to the Lion», donde comienza con un canturreo meloso y un tarareo maravilloso, prueba alrededor de una docena de cadencias diferentes con la palabra «usted». y eventualmente deja volar con gruñidos y gemidos completos. Desde sus primeros días en Them, pasando por los años abiertamente místicos de Astral Weeks y Veedon Fleece, y hasta su encarnación actual como un brusco cantante de R&B (sí, con puntos de vista profundamente erróneos sobre las vacunas y los bloqueos de Covid-19), siempre está tenía como objetivo unificar los gemidos y gritos de sus ídolos como Lead Belly y Ray Charles con una búsqueda insaciable de lo que a Greil Marcus (a través de Ralph J. Gleason) le gusta describir como «el yarragh», la verdad fundamental de una canción determinada.

36.- Kurt Cobain

La voz de Kurt Cobain era un sonido en guerra consigo mismo: a menudo áspera hasta el punto de ser grotesca pero resueltamente melódica incluso en su forma más fea. Es una mezcla nacida de sus diversas influencias vocales, desde el canto cursi de Eugene Kelly y Frances McKee de los Vaselines hasta el gruñido herido de Greg Sage de los Wipers. El resultado fue una voz que podía encontrar los ganchos enterrados dentro del ruido metálico cáustico de “School” o “Breed”, y exponer la hoja de afeitar en el centro de la manzana grunge-pop en “Drain You” o “In Bloom”. ” “Para mí, siempre fue la voz lo que me impactó”, dijo a Rolling Stone John McCauley de Deer Tick, quien ha versionado a Nirvana con los miembros sobrevivientes de la banda. “Había escuchado a personas con voces graves, pero la de Kurt era diferente. No es una voz bonita; no era un cantante entrenado de ninguna manera. Pero me dio esperanza”.

34.-Thom Yorke

El falsete herido que lanzó mil Chris Martins, ninguno de los cuales estuvo ni cerca de igualar el gemido embrujado de Thom Yorke en «Street Spirit», su nota alta fuera del cuerpo en «Let Down» o su murmullo extrañamente magnético en «Wolf en la puerta.» Lo que esos otros gimientes millennials no pudieron imitar fue el borde genuino de alienación en la voz de Yorke, la sensación de que realmente hablaba en serio cuando cantaba sobre sentirse asustado por los autos, las computadoras y los minotauros. Si también te sentías así, él era tu hombre. “Siempre he tenido esa cosa catártica con la música”, le dijo a un entrevistador años después. “Aunque en momentos de mucho estrés es muy difícil conectarse con la música de esa manera catártica, lo que descubrí fue que sí te conectas. Terminas siendo sorprendido por la música. Te pilla desprevenido”. Es una forma típicamente discreta pero elocuente de describir el regalo que le ha dado al mundo durante los últimos 30 años.

32.- David Bowie

El rico barítono y las entonaciones actorales de David Bowie lo hicieron parecer al principio distante para los oídos criados en estilos vocales conversacionales y de blues. Pero no había distancia en su canto, y a medida que asumía el papel de estrella de rock, se volvió más relajado y dominante, particularmente en los delirios de alta energía que le permitieron destrozar el escenario vocalmente. De hecho, era parte integrante de su descaro de niño de teatro: «¿La vida en Marte?» ayudó a establecer la plantilla de power-ballad. Y sus muchas distensiones con la música soul estadounidense produjeron algunos de sus cantos más ricos; el desglose en falsete de «Young Americans» puede haber sido el peak real de Bowie.

26.- Paul McCartney

Paul McCartney es un genio en tantas cosas (componer canciones, producir, tocar todos los instrumentos pero especialmente el bajo) que no es poca cosa afirmar que puede ser mejor cantante que cualquier otra cosa. El grito de John Lennon fue eterno, pero el de Paul fue casi igualmente intenso e incluso más virtuoso (cf. “Helter Skelter”). Puede abordar una balada con tanta ternura que le da una vida brillante a las letras regulares: nadie superará su «Here, There and Everywhere» original. Y desde «I Saw Her Standing There» hasta «Band on the Run» y los momentos cargados del reciente «McCartney III», pocos en el rock pueden igualarlo como un cinturonero puro.

17.- Elvis Presley

La voz de Elvis Presley era un instrumento sui generis: agudos llorosos y graves intensos, capaces de colocar a “Don’t Be Cruel” en el número 1 de las listas de pop, R&B y country de EE. UU. en 1956. Los héroes de Elvis incluían a Fats Domino, Roy Orbison y Dean Martin, pero no cantaba como ninguno de ellos. Orbison, de hecho, dijo: «Hay muchas personas que son buenos actores cantando… con Elvis, lo vive por completo». Los primeros lados como «Eso está bien, mamá» fueron alegres explosiones de entusiasmo. Su paleta se expandió en los años sesenta y setenta: «Can’t Help Falling in Love» de 1961 es un ejemplo trascendente de sus habilidades como cantante, y su pasión por el gospel brilla en «How Great Thou Art», un atronador elemento básico en vivo. Pero «Suspicious Minds» de 1969 podría ser el último momento de Elvis. Desde la apertura controlada hasta el coro explosivo, Elvis conduce este gigante con arrogancia de sobra. Los vivió todos.

16.- Prince

No hay coro como un coro de príncipes. Toca «Adore», el clímax celestial de Sign o’ the Times de 1987, y disfruta de ese lujoso ensamblaje de voces sobregrabadas, en múltiples registros, ensambladas con alegría audible por el tipo que también canta y toca la mayoría de los instrumentos. Cantar parece haber sido algo personal para Prince: rutinariamente ordenaba a sus ingenieros que salieran de la habitación cada vez que cortaba una voz, y en la magistral «When Doves Cry» o el punto culminante de Emancipation «The Holy River», logra una intimidad rara y sorprendente. eso solo profundiza los movimientos del showman como el falsete de flauta de “Kiss”.

15.- Bob Dylan

Para algunos oyentes, la voz de Bob Dylan, especialmente los acordes sibilantes y/o agresivamente vibrantes que le gustaban en sus primeros años, siempre sonará como una caricatura de sí mismo. Pero la confianza con la que se adueñó de su entrega de patito feo, y le dio forma en algo tan expresivo como sus letras salvajemente inventivas, lo ha convertido en uno de los grandes excéntricos vocales de Estados Unidos. Una vez que tenía el control total de su instrumento, podía usarlo para expresarlo todo, desde irónico desdén («Like a Rolling Stone») hasta profunda devoción («If Not for You»), desgarrador patetismo (la obra maestra de Basement Tapes «Goin’ a Acapulco”) y veneno sardónico (“Viento idiota”). (En Nashville Skyline de 1969, incluso se transformó en un cantante de voz limpia). Y en sus últimos años, construyó un estilo completamente maduro a partir de su sonido cada vez más irregular, moviéndose libremente entre el romance nostálgico (ver lecturas triplicadas como «My One and Only Love”) y comedia negra subida de tono (“False Prophet”).

14.- Freddie Mercury

El vibrato conmovedor y el rango vocal de cuatro octavas de Freddie Mercury, así como su abrumador carisma, encendieron la música de Queen, haciendo de su arte rock un espectáculo fascinante. «Bohemian Rhapsody» ofrece un curso intensivo sobre la grandeza de Mercury, gracias a sus baladas, momentos de rock enérgico y medio operístico, incluido el desglose donde las voces de Mercury, acompañadas por el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, fueron mega-dobladas en un gigante. coro. El catálogo de Queen está repleto de otros momentos que muestran cuán talentoso era Mercury: «Somebody to Love» flota en el aire mientras Mercury se eleva a través de octavas y estados de ánimo sin esfuerzo, «Another One Bites the Dust» es todo rápido y arrogante, y «The Show Must Go On” es una coda lamentablemente apropiada, Mercury haciendo una actuación a todo pulmón incluso mientras cantaba sobre el deterioro de su salud.

12.- John Lennon

La voz de John Lennon era como su mente: ágil, brillante como una campana, asombrosamente viva. Desde su versión gritada de «Money (That’s What I Want)» de Barrett Strong con los Beatles superando al original de Motown hasta el hirviente bocazas de «Instant Karma! (We All Shine On)” hasta incluso un rockero posterior menor como “What You Got”, cantar con todo lo que tenía era la marca registrada de Lennon. Su primer álbum en solitario, Plastic Ono Band de 1970, sigue siendo asombroso, como lo expresó el crítico Robert Christgau, «un recorrido completo por el timbre del rock, desde el grito hasta el gemido». Lo mismo puede decirse del Álbum Blanco, en particular, la transición de «Julia» a «Todo el mundo tiene algo que esconder excepto yo y mi mono».

11.- Little Richard

Little Richard es el santo patrón de todos los cantantes que alguna vez han llevado su voz al límite, y lo han superado, con el fin de enviar al oyente al frenesí. Sus éxitos inmortales son clínicas sobre cómo generar emoción mediante el aumento constante de la apuesta vocal. En «Long Tall Sally», sale rugiendo de la puerta con un grito arenoso antes de cambiar a un falsete que induce al vértigo «whoo-oo-oo-oo !”. Y en “Good Golly, Miss Molly”, persigue más extremos de intensidad sobrealimentada. Estableciéndose en un gruñido máximo que suena peligroso para tratar de emular. Y, conduciendo al solo de saxo, soltando un grito proto-punk que presagia a todos, desde Prince hasta Iggy Pop.

10.- Al Green

Hay algo felino en la voz de Al Green: una flexibilidad sinuosa que estalla en lugares que el oyente no espera, lo que siempre es bienvenido. Pocos cantantes crean la ilusión de dejarse llevar por la misma canción que están cantando de la forma en que él puede hacerlo. Ya sea que esté acostado en un ritmo de funk duro de Memphis, como una pitón lista para lanzarse (vea el primer «I’m a Ram»), o sobregrabando múltiples falsetes etéreos (al estilo del clímax de «Have You Been Making Out OK»), el Reverendo Green puede evocar un transporte entusiasta como si fuera sin esfuerzo. La verdad fue bastante diferente: trabajó duro en sus clásicos, pero ya sea que esté cantando sobre Dios o sobre eros, Green es el último hombre del alma.

9.- Otis Redding

En el escenario, comenzando con su imponente actuación en el Monterey Pop Festival de 1967, Otis Redding era tan ilimitado y acelerado que literalmente podía hacer temblar el escenario. Pero especialmente en el estudio, su emotivo tono áspero era una maravilla de control controlado. En sus baladas soul más penetrantes, como «Try a Little Tenderness» y “(Sittin’ on) The Dock of the Bay”, Redding disfrutó cada palabra angustiada, agregando líneas exclamativas al final de las frases, pero nunca exagerando. Otro testimonio de su poder: la forma en que podía hacer versiones de éxitos de rock & roll, como «(I Can’t Get No) Satisfaction» y «A Hard Day’s Night», y hacerte olvidar que alguien los había cantado antes que él.

7.- Stevie Wonder

Sea cual sea el tono que Stevie Wonder esté buscando, desde el romance soñado hasta el realismo descarnado, su voz puede transmitirlo con facilidad. Pocos otros cantantes podrían vender tan convincentemente la ternura descarada de «You Are the Sunshine of My Life» o «I Just Called to Say I Love You» y la ira latente que subyace en «You Haven’t Done Nothin'» o «Living for the City” La última canción muestra el gruñido patentado de Wonder, una de las muchas tácticas vocales que usa para impulsar una canción a toda marcha (ver también: las acrobacias melódicas de registro superior que se escuchan en «Sir Duke» o los swoops estilo evangelio en el clímax de «They Won’t Go When I Go”). En una entrevista de 2014, D’Angelo destacó a Wonder en una entrevista de 2014 sobre los cantantes que «se enfadan» o favorecen una entrega sobrecalentada. «Lo que pasa con Stevie Wonder», dijo, «fue que trajo esta mecánica vocal a la tormenta que otros hijos de puta simplemente no podían hacer».

6.- Ray Charles

“La gente me llama cantante de jazz y cantante de blues, pero realmente no sé la diferencia”, dijo Ray Charles a un entrevistador en 1963. “Solo trato de cantar una canción, y solo canto canciones que me gusta cantar. Y trato de poner un poco de alma en todo”. Lo decía todo: Charles era un titán del R&B, el pop, el jazz y el country por igual, y la razón por la que su primera caja retrospectiva, en 1991, se tituló «The Birth of Soul» es porque era la reescritura de Ray de una canción gospel como la sencillamente lascivo “I Got a Woman” que hizo posible la música soul. Y convirtió uno de los himnos nacionales más anodinos, «America the Beautiful», en una epopeya desgarradora. El hombre podía hacer cualquier cosa conmovedora.

4.- Billie Holiday

Otras leyendas del jazz vocal como Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald prosperaron con el refinamiento; Billie Holiday privilegia la verdad emocional. Es una cualidad que le dio un estatus especial entre sus compañeros artistas, desde su saxofón de toda la vida, Lester Young, hasta Miles Davis, quien escribió en su autobiografía que cuando Holiday cantaba una balada como «I Loves You Porgy», sobre una mujer atormentada por un amante abusivo, “casi podías sentir esa mierda que estaba sintiendo. Fue hermosa y triste la forma en que cantó eso”. Siempre será conocida como una poetisa de la tristeza, su entrega lenta se adapta perfectamente a los desolados («Lover Man») o francamente morbosos («Strange Fruit», una condena acertadamente repugnante del linchamiento), pero también podría usar la franqueza en su voz para transmitir una euforia desbordante («Too Marvelous for Words»). “Billie Holiday te hace escuchar el contenido y la intención de cada palabra que canta, incluso a expensas de su tono”, dijo una vez Joni Mitchell. “Billie es la que me conmueve más profundamente”.

3.- Sam Cooke

Hay música popular estadounidense antes de Sam Cooke y música popular después. Ya era una superestrella del gospel con Soul Stirrers cuando se lanzó como solista en 1957 e inmediatamente comenzó a definir la idea de «música soul» como una estrella cruzada e innovador musical. Su voz de tenor sedujo en «You Send Me» de 1957 y encantó en «Wonderful World», una canción que en manos inferiores podría haber sonado cursi. Pero pocos cantantes disfrutaron estar dentro de una canción como lo hizo Cooke. Hizo estándares impecables en «Live at the Copacabana» de 1964 y una versión fluida de R&B gutbucket en «One Night Stand – Live at the Harlem Square Club», un conjunto rudo de 1963 inédito hasta 1985. Y luego está su obra maestra de 1964 «A Change Is Gonna Come .” Un activista de los derechos civiles inspirado por escuchar «Blowin in the Wind» de Bob Dylan, Cooke gime «I was booorrn by the river…» sobre cuerdas ascendentes y empareja la música emoción por emoción.

1.- Aretha Franklin

Una fuerza de la naturaleza. Una obra de genio. Un regalo de los cielos. La voz de Aretha Franklin es todo eso y más, por lo que sigue siendo la Reina indiscutible, años después de su última reverencia. Su canto es el sonido más magnífico que ha surgido de Estados Unidos. Más universal que la trompeta de Coltrane, más audaz que la guitarra de Hendrix. Ella explotó en todo el mundo con su éxito de 1967 «Respect». Reclamó su trono como la mejor cantante de pop, rock o soul de todos los tiempos. Podía expresar júbilo, como se escucha en su documento del evangelio «Amazing Grace». Podía invocar la angustia más profunda, en baladas como «Ain’t No Way». Su arte es el mayor logro de la música estadounidense. Si no de la historia estadounidense. Pero su voz es la encrucijada donde se encuentran todas las diferentes tradiciones musicales. Desde el gospel hasta el funk, el rock y el blues. Aretha fue a Muscle Shoals y se convirtió en Lady Soul. Creó su propio sonido de R&B crudo e intenso. Obligó a la corriente principal a cruzarse con ella. Cambió la forma en que sonaba la música desde entonces, en todo el mundo. Su genio ha tomado muchas formas. Góspel de los 70. Glam-disco de los 80. Sus colaboraciones con discípulas como Whitney Houston y Lauryn Hill. O la noche en que se robó los Grammys, cantando “Nessun Dorma” sin ensayo. Pero lo que sea que cantó, lo reclamó como propio. Y nunca escucharemos nada ccomo Aretha Franklin. Es por eso que su voz sigue cambiando el mundo. Cantante de cantantes. Reina de reinas. Saluden todos a Lady Soul.