Un año significativo en la historia del rock desde cualquier punto de vista, 2003 marcó el amanecer nominal de la era de la música digital con el lanzamiento de la tienda de música iTunes, al mismo tiempo que producía una rica cosecha de álbumes de larga duración que pronto serían clásicos, preparados y listos para escuchar. Todo esto librando la batalla contra las fuerzas de las descargas individuales.
Solo basta mirar nuestra selección impresionantemente diversa que comprende los 20 mejores álbumes de 2003. Estamos bastante seguros de que estarás de acuerdo en que los discos completos, como formato y estado de ánimo, nunca serán destronados por completo.
The White Stripes – Elephant
Pocas bandas escriben una canción, y mucho menos un riff, que trascienda la música popular y se convierta en una piedra de toque cultural global. Ya sea que lo asocies con eventos deportivos en Europa y EE. UU. o movimientos políticos en el Reino Unido, no hay escapatoria de un gusano de tales proporciones que pertenece bajo las arenas de Arrakis. «Seven Nation Army» fue una canción monstruosa, pero estuvo lejos de ser el único punto culminante del álbum que vio a la banda en la cima de su popularidad. Hay pisotones empapados de guitarra en «Ball And Biscuit» y «The Hardest Button To Button». Hay una versión ligeramente irregular del estándar de Burt Bacharach «I Just Don’t Know What to Do with Myself» y Meg toma una sensual voz principal en «In the Cold, Cold Night». Es una obra maestra genuina.
Iron Maiden – Dance of Death
La música que se encuentra dentro de «Dance of Death» no podría ser más un polo opuesto de la carátula del álbum. Iron Maiden incorporó arreglos de sintetizador de cuerdas en la mayor parte de este álbum, lo que funciona bien en «Paschendale» y «Face in the Sand». La doncella de hierro se quedó con canciones más amplias y largas en su mayor parte, pero aún así se tomó el tiempo para escribir canciones más tradicionales de Maiden como «Wildest Dreams» y la fantástica ‘Rainmaker’ además de su primera canción acústica «Journeyman». Este álbum es bastante diferente a la mayoría de sus discos, pero Iron Maiden logró capturar la magia una vez más.
David Bowie – Reality
Hasta que se vio obligado a retirarse parcialmente por un ataque al corazón a mitad de la gira, David Bowie había estado produciendo álbumes confiablemente eclécticos a un ritmo justo a lo largo de la década de 1990, culminando en su disco 23, «Reality». Llamado acertadamente por su composición sorprendentemente compacta y poco adornada, «Reality» reunió a Bowie con su antiguo productor elegido, Tony Visconti, y, en el mejor de los casos, se remontó con éxito a su mayor colaboración de antaño, «Scary Monsters»: menos la niebla paranoica del abuso de sustancias.
The Strokes – Room on Fire
¿Cómo sigues tras uno de los álbumes debut más comentados e influyentes de la última década? ¿Hacerlo de nuevo y asegurarse de que las canciones sean tan fuertes como la última vez? No es la peor estrategia, y The Strokes estuvo muy cerca de hacer exactamente eso. Y «Room on Fire» es claramente más robusto que «This Is It». Con las guitarras de Albert Hammond Jr. y Nick Valensi ciertamente sonando más gruesas que antes, pero en última instancia, el sonido el enfoque era el mismo. Afortunadamente para The Strokes, todavía tenían un montón de excelentes canciones en ese molde para su segundo álbum. El ritmo siempre cambiante de «You Talk Way Too Much». La amenaza incesante de «Meet Me in the Bathroom». Y el rebote soñador y palpitante de «The End Has No End». Lo más destacado también fue el gran sencillo «Reptilla». Tenía todo el pavoneo, gruñido y arrogancia de la banda en su mejor momento. Y se ha convertido en una de sus canciones más definitivas.
Radiohead – Hail to the Chief
«Hail to the Thief», de mentalidad política, puede ser el conjunto de canciones más subestimado de la carrera de Radiohead. Escrito en el contexto de La guerra contra el terrorismo y la invasión de Irak, la banda creó un conjunto de melodías a menudo enojadas. A menudo sin esperanza, que se inspiraron en la frustración y la paranoia de la situación de una manera típicamente magistral. Las guitarras volvieron a tener un enfoque nítido. Y el arte con el que el grupo fusiona el rock con sus fantasías electrónicas. A lo largo de 14 pistas, no todo impacta con tanta fuerza como el «2 + 2 = 5» (la propia banda ha reconocido que se beneficiaría de una edición más estricta), pero está cargado de ideas que compensan las visitas repetidas.
Kings of Leon – Youth & Young Manhood
Aunque su sello discográfico los posicionó astutamente como «los Strokes sureños», facilitando su adopción por multitudes de fanáticos del indie rock fácilmente engañados, Kings of Leon en realidad estaba canalizando los fantasmas del rock sureño frito en su debut de 2003, «Youth & Young Manhood». Y aunque aceptaron debidamente las bendiciones comerciales del mundo hipster, mientras experimentaban continuamente con nuevos estilos en LP posteriores, el precoz cuarteto Followill no irradiaba nada más que un entusiasmo puro y sin restricciones aquí, agudizado por el fervor del santo rodador heredado de su padre predicador.
King Crimson – The Power to Believe
El decimotercer álbum de estudio de King Crimson y, al momento de elaborar esta lista, el más reciente, encontró a Robert Fripp, Adrian Belew y compañía en forma de lucha, exudando cada onza de la invención inquieta y el ataque despiadado que calificó sus álbumes más influyentes y los convirtió en la piedra angular más impredecible en primera generación del rock progresivo. De hecho, a menudo se dice que hay bandas de rock progresivo y luego está King Crimson, y creemos que «The Power to Believe» es un gran recordatorio de dicha distinción.
The Darkness – Permission to Land
Superando por poco un muy buen debut del supergrupo de corta duración que fue «Brides of Destruction», llega la resurrección perfecta de The Darkness de los amados valores del rock clásico en su debut de 2003, «Permission to Land», y los observadores menos perspicaces agruparon erróneamente a la banda en una categoría de «glam metal», basándose solo en las elecciones de vestuario, pero cualquiera que escuchó reconoció de inmediato la amalgama grandilocuente pero pura de The Darkness de Queen, AC / DC, Van Halen y Thin Lizzy.
Deftones – Deftones
Según los propios recuerdos de Deftones, su álbum homónimo, originalmente bautizado como «Lovers», es un producto de sus «días oscuros». Y eso no es solo porque les costó 2 millones de dólares para grabar. En el contexto de disfrutar de las ventas de platino de «White Pony», había una banda con miembros que enfrentaban desacuerdos personales, divorcios y un aumento en el consumo de drogas. De ahí, sin embargo, surgió un álbum que canaliza esa agitación en algo realmente elegante y abrasador. Y no se detiene allí, tampoco: también vio más experimentalismo que nunca con sonidos de trip-hop. Uno de los mejores de su carrera.
Lamb of God – As the Palaces Burn
Lamb of God estuvo a la vanguardia del movimiento metalcore que reinó en el circuito de giras de festivales a principios y mediados de la década de 2000. Tomando la influencia de Pantera, la banda se destacó entre el montón de próximas bandas de metalcore al tomar un borde más extremo, como es evidente en «Ruin» y el coro de «11th Hour», cantado como innumerables otros. La banda sabe como mantener las cosas pesadas en todo momento.
Opeth – Damnation
Los metaleros progresivos Opeth conmocionaron al mundo de la música cuando lanzaron una grabación de tonos limpios sin voces extremas y tambores que fueron golpeados delicadamente con pinceles. «Damnation» abraza el lado hermoso que Opeth había explorado en álbumes anteriores y lo ejecuta maravillosamente. La voz de canto de Mikael Akerfeldt es relajante para los oídos, perfectamente adecuada para la música relajante que la acompaña.
Linkin Park – Meteora
Si había alguna preocupación sobre la capacidad de Linkin Park para seguir el gigantesco éxito de «Hybrid Theory» en 2003, se disipó tan pronto como el riff irregular que impulsa la canción de apertura de «Meteora», «Don’t Stay», entró en acción. La banda se mantuvo fiel a la fórmula del debut. Volvió a reclutar al productor Don Gilmore y ceñirse a una lista de canciones breve pero dulce que se realiza en menos de 37 minutos. No puede igualar el éxito de «Hybrid Theory». Pero entre «Faint», «From The Inside», «Numb», «Somewhere I Belong» y «Breaking The Habit», hay muchas pistas que siguieron siendo un elemento básico del set en vivo de la banda a lo largo de su carrera.
Children of Bodom – Hate Crew Deathroll
Los metaleros extremos hipermelódicos de Finlandia continuaron su buena racha con más de su deslumbrante locura de guitarra y teclado. Children of Bodom se desvió un poco de las influencias neoclásicas y adquirió una velocidad e intensidad directas. Algunos desaprobaron este cambio, pero el grupo había llegado a su cúspide con «Follow the Reaper» y necesitaba llevar las cosas en una nueva dirección. «Needled 24/7», «Bodom Beach Terror» y «Triple Corpse Hammerblow» son canciones tremendas que vieron a la banda alcanzar la grandeza una vez más, pero con una nueva dirección fresca.
Evanescence – Fallen
Primero están los números: más de 8 millones de copias vendidas en los EE. UU., más de 17 millones en todo el mundo, lo que convierte a «Fallen» de Evanescence en uno de los álbumes más vendidos del siglo XXI, justo por debajo de Adele, Eminem y Nora Jones. «Bring Me to Life» es el mega-smash, por supuesto, pero cortes más profundos como «Tourniquet», contundente e implorante, y la triste balada de piano «My Immortal», muestran a una banda con un rango impactante y poder de permanencia, gracias en gran parte a el poderoso carisma de la vocalista Amy Lee.
Type O Negative – Life Is Killing Me
Como sugiere el título de «Life is Killing Me», la década de 2000 no fue una época feliz para los miembros de Type O Negative. Su sexto LP fue escrito mientras Peter Steele sufría de adicción y depresión, y él y sus compañeros de banda luchaban constantemente. Aun así, este gigante de 15 pistas no suena como una banda en desorden. «I Don’t Wanna Be Me», que abre el disco, es una de sus canciones más gratificantes al instante, y otras como «Nettie» y «Anesthesia» mantienen el brillo gótico y doom de su material característico de los noventa.
Steely Dan – Everything Must Go
Después de una pausa de veinte años que todos, incluidos ellos mismos, supusieron una jubilación de facto, Walter Becker y Donald Fagen resucitaron a Steely Dan en toda su prístina gloria de jazz-rock en ‘Two Against Nature’ de 2000. Y luego se lanzaron a la carretera para la primera vez en 30 años. Apenas tres años después, el dúo dinámico regresó con otra oferta excelente en «Everything Must Go». Steely Dan, incluso sin la fuerza completa, seguía siendo Steely Dan.
Metallica – St. Anger
Metallica volvió a experimentar con valentía, pero tal vez equivocadamente, aquí los métodos que los convirtieron en la banda de metal más grande del mundo. La producción de alta tecnología de los álbumes anteriores de Metallica se reemplaza por algo mucho más granulado y estridente. Ah, y a Kirk Hammett no se le permitía tocar ningún solo de guitarra. ¿Pero el mayor problema? La composición inconexa e hinchada, que finalmente desperdició un gran paquete de riffs tentadores.
Muse – Absolution
Meses antes del lanzamiento de su tercer álbum, Muse describió su trabajo en progreso como «gordo como la mierda». Envalentonados por el éxito internacional de «Origin Of Symmetry», el trío de Devon aprovechó la oportunidad para satisfacer sus impulsos más experimentales en su creación, grabando la batería de Dom Howard en una piscina y las partes de guitarra de Bellamy en un campo, y luego saqueando un castillo para recuperarlo. volteretas y picanas para ganado como ‘instrumentos’. El resultado fue el álbum más oscuro, pesado y audaz de sus inicios de carrera. Desde el groove-rock apocalíptico de «Time Is Running Out» hasta el extraordinario art-metal de «Stockholm Syndrome», «Absolution», el primer álbum número uno del trío en el Reino Unido, es el sonido de una banda inspirada, intrépida y ultra segura de sí misma que sabía que había llegado su momento. , y el mundo estaba escuchando.
La Renga – Detonador de Sueños
Desde el pulsador rojo y los vidrios quebrados de la portada, se refleja el clima agobiante de un país devastado por la crisis económica. La Renga llega al punto cumbre de su discografía con un álbum de alto voltaje, solos endemoniados de un inspirado Chizzo y una canción para acelerar en la ruta arriba de una Harley Davidson, el glorioso single «La razón que te demora».
Led Zeppelin – How the West was Won
Por lo general no se suele sumar un disco en vivo y menos uno de archivvo. Pero cuando se trataba de cristalizar lo que sentimos en 2003, resultaba difícil ignorar la magnitud del tamaño de una valla publicitaria representada por Led Zeppelin. Especialmente dado que ‘How the West was Won’ entregó un documento tan definitivo de la experiencia en vivo de Zep (suplantando al tal vez injustamente criticado ‘The Song Remains the Same’) y, por extensión, la era del rock clásico en su conjunto, que es un documento para ponerle play para siempre.