La consolidación del rock alternativo en el mainstream. El regreso de viejas glorias para nuevas generaciones. Y bandas que confirmaron su vigencia. Todo eso se reflejó en los discos que se lanzaron en 1994.
Mientras el rock clásico se hacía un asunto de «dinosaurios» que demostraban que aún tenían cosas que decir, el luto por la muerte de Kurt Cobain lo cubrió todo desde abril de ese año. Era que no, la historia del rock y la música popular anotaban en los libros la partida del que quizás fue su última legítima estrella. Sin embargo, surgió mucha buena música. Como siempre sucede.
En la radio del rock, elegimos 30 discos que cumplen 30 años este 2024.
The Rolling Stones – Voodoo Lounge
Los Rolling Stones tardaron cinco años en construir este, y ese cuidado se escucha en todas partes en «Voodoo Lounge». Canciones como «Love is Strong» capturaron el sonido crudo y espontáneo de la banda con mucha más precisión que el almidonado «Steel Wheels» que le precedió. Puede que «Voodoo Lounge» no sea perfecto y, además, es demasiado largo. Pero nuestra entrada número uno en el Top 10 de álbumes de 1994 fue tan buena que la gente apenas notó el retiro de Bill Wyman.
Pearl Jam – Vitalogy
Los aventajados de Seattle lanzaron su tercer exitoso álbum en tres años con «Vitalogy», que vendió casi un millón de copias sólo en su primera semana, y por lo tanto no dieron indicios de los problemas personales que amenazan con separar al grupo. el interior. En cambio, el creciente eclecticismo de «Vitalogy» ayudó a camuflar las crecientes tensiones entre el fundador de la banda, Stone Gossard, y el líder Eddie Vedder, el tiempo suficiente para que la aclamación de la crítica y las recompensas comerciales los ayudaran a hacer las paces.
The Black Crowes – Amorica
Los fanáticos del rock clásico tienen una deuda de gratitud con los Black Crowes por defender los amados sonidos de la década de 1970 ante la Generación X (no la banda, la generación real), por las buenas, por las malas, o incluso videos musicales calculados con heroína chic, si es necesario. «Amorica» vio a la banda superar su dependencia de los Faces y abrazar la música americana en mayor medida.
Megadeth – Youthanasia
Después de años viviendo a la sombra de sus antiguos compañeros de banda de thrash metal, Metallica, Megadeth de Dave Mustaine finalmente salió a la luz del éxito comercial con «Countdown to Extinction» de 1992, y luego duplicó su apuesta con el excelente «Youthanasia», que vendió platino. El nuevo álbum quizás se apegó demasiado a la fórmula ganadora de su predecesor, pero nadie se quejó cuando temas como «Train of Consequences» y «A Tout Le Monde» encontraron un hogar en MTV.
Soundgarden – Superunknown
Sin duda, Soundgarden eligió el nombre perfecto para su impresionante cuarto álbum, que puede haber nacido del grunge, impregnado de punk, metal e indie rock, y orientado a reinventar la música alternativa de los años noventa. ¿Hoy en día? Seguro que nos suena a rock clásico. Como tal, el genio (incluso el tipo «superdesconocido») no debe cuestionarse, sólo apreciarse.
Pink Floyd – The Division Bell
Diez años después de la partida de Roger Waters, Pink Floyd todavía parecía preocupado por rascar viejas heridas en «The Division Bell», pero esta era una banda que había estado convirtiendo problemas personales en gran música desde que Syd Barrett voló sobre el nido del cuco. Aquí, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason se reconectaron con el productor de «The Wall» Bob Ezrin para esculpir su increíble legado musical en algunos momentos destacados de su carrera como la melancólica «High Hopes».
Neil Young & Crazy Horse – Sleeps with Angels
Podría decirse que ningún otro rockero clásico hizo un mejor trabajo navegando en los mares agitados de la era grunge que Neil Young. En «Sleeps with Angels» volvió a reunir al fiel Crazy Horse con renovado gusto por componer, enmarcando perfectamente la pérdida de Cobain, antes de unirse a Pearl Jam en «Mirror Ball» del año siguiente.
Tom Petty – Wildflowers
Para su segundo álbum oficial «en solitario», Tom Petty prescindió de los Heartbreakers sólo de nombre, aunque siguió confiando en ellos durante gran parte de las sesiones, incluso cuando formó pareja para el primero de tres álbumes con el productor Rick Rubin. Los resultados son difíciles de discutir, ya que «Wildflowers» demostró ser constantemente entretenido y convincente. Entre sus generosas quince canciones, propias de la era temprana de los CD, se encontraba un éxito Top 20 con «You Don’t Know How it Feels».
Green Day – Dookie
Los golpes de batería de Tré Cool, las melodías de bajo de Mike Dirnt, los acordes matizados de ametralladora de Billie Joe Armstong. Cada elemento en «Dookie» tenía una precisión nerviosa que se volvería más elegante. banda llamada «arty». La línea de bajo de «Longview» puede ser Mingus en comparación con el pulso pesado que Dee Dee Ramone legó a los graves del punk, pero también es tan inútil como una canción sobre masturbarse frente a las demandas de la televisión. «Basketcase» minimiza su propio pánico por los fumetas, «When I Come Around» es un contundente encogimiento de hombros sobre las disputas de los amantes, y el feroz avance de «Welcome to Paradise» insinúa las óperas rock que vendrían una vez que crecieran y se convirtieran en una banda aún más artística.
Weezer – Weezer
Una oferta de debut superior para los estándares de cualquiera. Este hizo maravillas para todos los que éramos demasiado poco cool para encajar realmente con los metaleros, los punkys o cualquiera. Le dio un santuario sonoro. Redefinió lo que significaba ser una “estrella de rock” sin proponérselo. Se ha dicho tanto sobre la genialidad de este disco que no se gana mucho añadiendo ruido. Pero una cosa a la que vale la pena dar un reconocimiento especial es el personaje tan extrañado y criminalmente subestimado que el entonces bajista Matt Sharp trajo al redil. No hay disgustos por los dos tipos que lo siguieron (y cada uno obviamente jugó un papel importante en la historia general por derecho propio), pero Weezer perdió algo que nunca fue reemplazado del todo cuando dejó la banda.
Nirvana – MTV Unplugged in New York
Sacúdete la imagen de Kurt Cobain, encorvado en su cárdigan, atormentado por una voz que exige mayores exigencias de las que su frágil cuerpo podría soportar, insinuando la mortalidad más de lo que la licencia poética puede excusar. Piensa en el artista recién maduro, mostrando su habilidad pasada por alto, defendiendo su música favorita, mostrando no sólo la intensidad de su fandom (tres canciones consecutivas de Meat Puppets) sino la gama de sus gustos (el himno de Vaselines, la oscuridad de David Bowie, el espectacular Leadbelly). ). Escucha al cantante blanco más conmovedor de su generación explorar los matices del dolor, desde la ansiedad jadeante hasta la agonía retorcida, que el lenguaje sólo puede aproximar. Interprétalo no como un grito desesperado de ayuda, sino como un hombre que domina las fuentes de ese dolor, aunque sea momentáneamente, a través de su arte. Creer que nada era inevitable.
Beastie Boys – Ill Communication
El primer (y tal vez único) disco en el que los Beastie Boys se sintieron cómodos siendo Adam, Adam y Mike. El centro moral de «Ill Communication» fue Adam «MCA» Yauch, quien evitó las alardes del rap para admitir sus canas, asumir la responsabilidad de sus errores misóginos y hablar de dejar cheeba. El trío simplemente exploró todo lo que pasaba por sus cabezas: música clásica neoyorquina («Tough Guy»), cifrados que pasan micrófonos con Q-Tip («Get It Together») o cánticos budistas tibetanos («Bodhisatta Vow)». ¿Fue su primer disco número uno desde 1987 un acto de brillante curaduría? «Creo que somos creativos, pero en términos de ser autores intelectuales, no», dijo Ad-Rock a Rolling Stone en 1994. «Sólo estamos haciendo la música que nos gusta».
Beck – Mellow Gold
La gran irrupción de Beck en 1994 limpia gran parte de la suciedad que nublaba el arte musical de sus lanzamientos anteriores. Claro, el resultado final no es del todo brillante, pero los indicios de suciedad fueron esenciales para el atractivo inicial de Beck; la forma en que la guitarra slide en «Loser» no se toca sino que se ataca, el murmullo del agua del bong que impulsa el subidón de cabeza en «Beercan» y el dedo medio que deja tu McJob en “Soul Suckin’ Jerk” Todos contribuyen a un retrato del artista como un holgazán devoto. «Pay No Mind», con sus expresiones surrealistas de angustia por el éxito inminente, sirve como la otra cara de esa actitud.
R.E.M. – Monster
Después del éxito irreal del más lento y sombrío «Automatic for the People», y un período prolongado sin giras, R.E.M. Teníamos muchas ganas de volver a la carretera y tocar las guitarras de nuevo. La crisis del rock alternativo de «Monster» tuvo una reacción mixta en su día, y no hay duda de que es un álbum extraño y de ritmo extraño. Y aunque los extraños números de dance rock como «King of Comedy» luchan por inspirar, con la hermosa «Strange Currencies», el canturreo de Las Vegas «Crush with Eyeliner» y el tributo a River Phoenix y Kurt Cobain de «Let Me In» todos presentes, «Monster» merece una reevaluación. No es perfecto, pero está muy subestimado.
Oasis – Definitely Maybe
«Definitely Maybe» es ampliamente (y con razón) considerado como uno de los mejores discos debut de todos los tiempos. Repleto de éxitos consecutivos, melodías atrevidas y una arrogancia rock’n’roll bien fundada, su primer LP demostró desde el principio de lo que la banda era capaz de hacer, y la mayoría de sus canciones todavía se consideran como entre los mejores que la banda haya escrito. «Rock’n’Roll Star» marcó el ritmo con guitarra implacable de Noel y la voz hambrienta y urgente de Liam, y el disco apenas desciende de allí, aunque el atemporal «Live Forever» proporciona un respiro muy necesario. Si hay una canción que justifica la autodefinida influencia de los Beatles de Oasis, es esta pista, construida sobre una progresión de acordes engañosamente simple que proporciona las bases para el lirismo más sincero de los Gallagher hasta la fecha.
Stone Temple Pilots – Purple
Stone Temple Pilots alcanzó un peak creativo a mediados de los 90, siguiendo la ola del éxito multiplatino de «Core» pero también ansioso por silenciar a sus críticos. «Purple» funcionó en ambos niveles. Fue su segundo éxito de taquilla consecutivo, encabezó el Billboard 200. Y generó algunas de las melodías más atemporales del rock alternativo (incluido el melancólico himno de carretera abierta «Interstate Love Song»). Pero estas canciones también eran más pesadas y más ingeniosas. Iban admirablemente más allá de la estética grunge que originalmente les valió tantos insultos. «Vasoline» es espeluznante y psicodélica. «Big Vacuum» lleva la dinámica silenciosa y ruidosa al extremo, pasando del folk lounge y de la guitarra slide al hard rock primario. Y «Pretty Penny» se inclina hacia drones alucinantes parecidos a un sitar y ritmos complejos.
Korn – Korn
El álbum debut de Korn no fue un gran éxito cuando se lanzó por primera vez, pero finalmente vendió más de 10 millones de copias. Uno de los discos de rock más proféticos lanzados en 1994. La banda fusionó el lado sombrío y angustiado del rock alternativo con el turgente ruido del metal industrial. Y, lo más importante, la agresión sincopada del gangsta rap para crear la fusión nü-metal que dominaría la última mitad de la década. El cantante y letrista Jonathan Davis se entregó a imágenes de violencia depredadora que hicieron que los momentos más desgarradores de Kurt Cobain parecieran acogedores. Leyendo la maldad, la enfermedad y el racismo en las canciones infantiles de «Shoots and Ladders».
Dream Theater – Awake
Después del éxito de «Images And Words» de 1992, el tercer álbum de los neoyorquinos solidificó su lugar como la banda de metal progresivo más importante de la década. Puede que haya sido lanzado en una época en la que el grunge aún dominaba todo lo anterior, como lo demostraron las críticas tibias y/o desconcertadas que saludaron a «Awake», pero no se podía discutir la pura calidad de canciones como «Lie», «Caught in A Web» y «Silent Man». El metal progresivo estaba en camino de convertirse en una fuerza comercial importante, y Dream Theater lideraba la carga.
Nine Inch Nails – The Downward Spiral
Incluso Johnny Cash poseía una copia de este disco fundamental, que presentó al mundo clásicos como «Closer», «Hurt» y «March of the Pigs». Este es el LP que realmente puso a Nine Inch Nails en el mapa, pero la mayor parte de «The Downward Spiral» no se parece en nada a las tres canciones antes mencionadas. Tomemos como ejemplo la canción principal, que sobrecarga los sentidos con múltiples melodías estratificadas sobre efectos de sonido únicos mientras el autocrítico Reznor se lamenta bajo una palabra hablada apenas audible. Quizás el más influyente de los lanzamientos de Nine Inch Nails, es sin duda el más vendido, con casi 4 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos.
Pantera – Far Beyond Driven
«Far Beyond Driven'» de Pantera es posiblemente el álbum más pesado que jamás haya llegado al número 1 en las listas de Billboard de Estados Unidos. Y lo hizo en un momento en el que el rock alternativo dominaba el mundo tras, supuestamente, dar la sentencia de muerte al heavy metal. Sí, no lo creemos. En cambio, Pantera agregó otra muesca a su cinturón de campeonato de peso pesado con una batería de riffs trepidantes, incluidos los favoritos de los fanáticos «Becoming», «I’m Broken» y «Slaughtered». De hecho, el único defecto del álbum puede haber sido el decidido impulso de la banda por destruir todo lo que estaba a la vista (y de alguna manera superar el anterior «Vulgar Display of Power»), en detrimento de cierta variedad dinámica. Pero un nocaut sigue siendo un nocaut.
Live – Throwing Copper
El álbum por el que todos recuerdan a Live. Y uno de los álbumes más queridos de la era del rock alternativo comercial. «Throwing Copper» justifica sus elogios y su estatus. Está firmemente arraigado en la era grunge/alternativa, uno de los mejores ejemplos de ese estilo en conflicto y mal definido fuera de Seattle. El cuarteto de sencillos («Selling The Drama», «I Alone», «All Over You» y «Lightning Crashes») son prácticamente a prueba de balas. Uno de los mejores álbumes en un año repleto de música fantástica, «Throwing Copper» de Live es un triunfo de mal humor.
Jeff Buckley – Grace
Después de que Jeff Buckley hizo caso omiso de las comparaciones con un padre que apenas conocía, el pionero del folk de vanguardia Tim Buckley, algunos críticos sordos lo agruparon con el empalagoso propagador del soul Michael Bolton. De repente, los ejecutivos discográficos babeantes, incluido Clive Davis de Arista, frecuentaban sus exposiciones individuales en el Lower East Side en cafeterías como Sin-é. Su venganza fue el sueño esquizofrénico y febril del jazz-rock «Grace». El únicoLP publicado durante la demasiado corta vida de Buckley revela a un hombre incomprendido, inspirado por Led Zeppelin, Miles Davis, Edith Piaf y Nina Simone. La honestidad emocional de Buckley es el vínculo más fuerte. Su reescritura esencial y rica en falsete de «Hallelujah» de Leonard Cohen eventualmente se convirtió en una opción para concursos de talentos y cantautores sentimentales. Pero las escuchas más profundas revelan un espíritu aventurero que no le debe nada a nadie.
Johnny Cash – American Recordings
Alguna vez fue uno de los artistas del establishment más visibles. Pero su regreso de 1994 fue comercializado como «alternativo» con gracia y facilidad. Con «American Recordings», el productor Rick Rubin estableció una técnica de producción que luego usaría con artistas como Metallica, Kanye West y Black Sabbath. Redujo el sonido del Hombre de Negro a lo esencial. El disco con el sonido más crudo de Johnny Cash en décadas lo llevó a revisar los temas que definieron su carrera desde el principio. Incluidas canciones sobre dispararle a la gente («Delia’s Gone»). Seleccionando de una colección diversa de compositores icónicos (Leonard Cohen, Kris Kristofferson, Tom Waits, Glenn Danzig). Y algunos de sus propios temas austeros e inquietantes («Redemption», «Like a Soldier»). Ya no era un engranaje en la bien pulida máquina de hacer éxitos de Nashville. «American Recordings» fue una declaración de libertad de Johnny Cash.
Alice in Chains – Jar of Flies
Alice in Chains era la más sombría de las grandes bandas que surgieron de Seattle durante la Gran Fiebre del Grunge. Y verdaderos expertos en crear música indeleble de tiempos difíciles. La banda pasó siete días escribiendo y grabando este EP comparativamente aireado y apacible, que muestra la capacidad de la banda para establecer un ambiente oscuro sin la ayuda de amplificadores masivos. Su brevedad hace que sea difícil elegir un tema destacado. «I Stay Away», que divide la diferencia entre los lados más suaves y más duros de la banda (¡e incluso incluye cuerdas!), sigue siendo, con razón, un elemento básico de la radio de rock alternativo; Las armonías de Layne Staley y Jerry Cantrell siguen el ritmo de «No Excuses»; y «Rotten Apple» cierra con una guitarra brillante y ligera como una pluma.
Cannibal Corpse – The Bleeding
El death metal estaba decayendo en el 94, pero nadie se lo dijo a Cannibal Corpse: su cuarto álbum asesino añadió cerebro a la sangre y el gore. Antes de separarse para formar Six Feet Under y llevarse el logo original de la banda, Chris Barnes ayudó a dirigir algunos de los himnos más terriblemente violentos e innegablemente pegadizos del arsenal de la banda. ¿Quién más podría ser tan aclamado por crear una canción tan despreciable como «Stripped, Raped And Strangled»?
Blur – Parklife
Si hubiera un álbum que definiera el Britpop, ¿podría ser este? Definió una era y requirió una lectura voyerista de la vida británica en los años 90: héroes de la clase trabajadora, aburridos de la clase media y adolescentes lujuriosos serían los protagonistas. Un pop de guitarra mocoso, neo-mod y con chaqueta deportiva. Y orgullosamente en la tradición de los Kinks, The Jam y cualquier cosa que se haya descrito como «descarada». Concebido por Damon Albarn como un álbum conceptual un poco parecido a la novela London Fields de Martin Amis (su título provisional era «London»), Parklife fue un recordatorio enérgico de que clase media no necesariamente significaba gente de clase media. Es uno de los álbumes más londinenses que jamás haya existido en Londres.
Corrosion Of Conformity – Deliverance
El debut en un sello importante de Corrosion Of Conformity (y el primero con el guitarrista Pepper Keenan en la voz) evitó la explosión y el estruendo de sus primeros días de punk rock y en su lugar perfeccionó las vibraciones de metal clásico y de adoración a Sabbath que habían comenzado a aparecer en Blind de 1991. El himno de «Clean My Wounds» y el enorme y ondulante balanceo de «Albatross» convirtieron a Corrosion Of Conformity en uno de los momentos más candentes del metal.
The Offspring – Smash
Después de llamar la atención con «Ignition», The Offspring estaban listos para su gran oportunidad y llegó con «Smash» de 1994. Y qué gran avance fue, ya que el esfuerzo producido por Thom Wilson alcanzó el puesto número 4 en la lista de álbumes Billboard 200. Uno por uno, «Come Out and Play», «Self Esteem» y «Gotta Get Away» dominaron la radio en 1994 y 1995. «Bad Habit» también obtuvo mucho amor en la radio en el sur de California natal de la banda. Cuando todo estuvo dicho y hecho, «Smash» había vendido seis veces platino.
Helmet – Betty
Helmet hizo un metal alternativo rítmicamente complejo y con riffs acerados que castigaba tu cuerpo desde ángulos extraños (cuando se formaban, colocaron un anuncio en The Village Voice buscando un «bajista asexual»). Considerado como el «próximo Nirvana», su debut en Interscope de 1992, «Meantime», convirtió a los neoyorquinos en la banda más exitosa que surgió de la escena matona y ruidosa de «Amphetamine Reptile»; y aunque «Betty» no fue tan emocionante de inmediato como su predecesor, convirtió su sonido en jazz, blues e improvisación, desafiando a su base de fanáticos del arte («Beautiful Love» comienza como una pieza de guitarra brasileña y luego explota en una improvisación abstracta de free-rock). Aún así lograron conseguir un éxito menor de rock moderno con «Milquetoast» y entregar uno de los álbumes de rock de los principales sellos discográficos verdaderamente aplastantes del año.
Bush – Sixteen Stone
Bush fue un éxito desde el principio. Puede que en algunos sectores se les haya descartado como aspirantes a Nirvana. Pero en 1994 había peores bandas a las que aproximarse que Nirvana. Especialmente para las bandas emergentes desesperadas por causar una buena impresión en las listas. «Sixteen Stone «causó más que una impresión, hizo un gran impacto. Alcanzó el puesto número cuatro en el Billboard 200 de EE. UU.. Y generó una serie de sencillos exitosos, incluidos un par de números uno con «Comedown» y «Glycerine». Incluso los mayores fans de Bush no dirían que el álbum es original, pero si bien puede seguir al pie de la letra el modelo ya establecido por Pearl Jam, Nirvana y otros, lo hace con una artesanía pop tan experta que es difícil que le importe.