Durante su carrera de cinco décadas, David Bowie lanzó 26 álbumes de estudio, así como siete álbumes oficiales en vivo, además de una serie de compilaciones.
Su discografía ha aumentado considerablemente en los años transcurridos desde su muerte en 2016. Se suman sets en vivo de archivo, box sets y álbumes desechados como «The Gouster» y «Toy» que ven la luz.
Y en Futuro, recordamos a David Bowie, fallecido hace ocho años, con sus mejores 10 discos. Esos que lo muestran en su apogeo, ya sea que esté perfeccionando su arte, esforzándose por crear un nuevo sonido o reuniendo toda la fuerza de su esencia.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
Al mundo le quedan apenas cinco años y parece que no hay esperanza, pero de repente una estrella de rock alienígena llamada Ziggy Stardust entra en el cuerpo de un hombre y nos ofrece la salvación en nuestros últimos días. Lamentablemente, «lo llevó todo demasiado lejos» y terminó suicidándose en un «suicidio del rock and roll». Es una historia que prácticamente nadie se ha molestado en seguir, pero eso poco importa. Las canciones de «Ziggy Stardust» representan el punto culminante de todo el movimiento glam. Además, Bowie renació en el escenario como Ziggy Stardust, proporcionando una estrella de rock muy necesaria en un panorama musical que de otro modo sería sombrío. Aún mejor, sus padres lo odiaban. Bowie ha tenido mayores éxitos y álbumes más aclamados, pero nunca en su carrera pareció tan importante o refrescante. Este es el álbum de Bowie que quedará en los libros de historia.
Heroes (1977)
«Heroes» es el segundo álbum de la llamada «Trilogía de Berlín» de Bowie, pero en realidad es el único álbum grabado íntegramente en Hansa Studio en Berlín. Después de llevar la experimentación bastante lejos con Low, Bowie decidió que era hora de hacer un disco pop un poco más tradicional. Grabado casi a poca distancia del Muro de Berlín, el LP fusiona Krautrock con los sonidos ambientales que había estado perfeccionando durante los últimos años. La canción principal, sobre amantes en diferentes lados del Muro de Berlín, se convirtió en uno de los mayores éxitos de la carrera de Bowie y ayudó al LP a escalar en las listas de éxitos de todo el planeta.
Hunky Dory (1971)
David Bowie comenzó a escribir la música de «Hunky Dory» en su primera visita a Estados Unidos en 1971. Se enamoró del país y se inspiró para escribir homenajes a algunos de sus artistas más emblemáticos («Andy Warhol», «Song for Bob Dylan» y el tributo a Lou Reed «Queen Bitch»). Inspirado por los actos de folk-rock que dominaban las listas, Bowie comenzó a componer bonitas melodías acústicas con letras surrealistas como «Mickey Mouse ha crecido como una vaca», de «Life on Mars?». En «Changes», que abre el álbum, Bowie ofrece un desafío a las estrellas reinantes del pop, cantando «Cuidado, rockeros». El álbum encontró una pequeña audiencia, pero subió en las listas ese mismo año después del gran éxito de su continuación, «Ziggy Stardust».
Low (1977)
Muchos fans de David Bowie no sabían muy bien qué pensar de «Low» cuando apareció por primera vez en enero de 1977. «Sound and Vision» y «Be My Wife» fueron las únicas canciones que sonaban un poco a música pop, y la segunda cara era lleno de instrumentales. Claramente, Bowie no apuntaba a las listas de éxitos con este. En cambio, llevó los experimentos de estación en estación a un nuevo nivel. El disco fue producido por Tony Visconti, pero Brian Eno jugó un papel importante en la configuración del sonido único del disco. Mientras muchos de sus compañeros ignoraban por completo la nueva música, Bowie se sumergía en el Krautrock y descubría formas completamente nuevas de expresarse. Low fue subestimado en ese momento, pero ahora se lo considera una obra maestra.
Scary Monsters [and Super Creeps] (1980)
El colofón a la década casi uniformemente excelente de Bowie podría presentar el mejor lado de la música en su carrera. La cara uno comienza con Bowie gritando confundido (‘It’s No Game’) y termina mezclando moda y fascismo (‘Fashion’). En el medio, descubre un ritmo coral, adopta un acento cockney y ataca su propia mitología escribiendo una secuela de ‘Space Oddity’. Por supuesto, ‘Ashes to Ashes’ es mucho más que eso: un réquiem de los años 70 que tiene lugar en una dimensión que existe en algún lugar entre Sam Cooke y Pink Floyd.
Let’s Dance (1983)
Como el comienzo del declive de David Bowie hacia la mediocridad comercial, «Let’s Dance» se agrupa con los dos horribles álbumes que siguieron. Pero el LP es una joya. Claro, algunas de estas canciones son increíblemente pop, pero cada una tiene una ventaja. ‘Modern Love» es una bagatela animada que aborda a Dios y la iglesia. Esta versión ahumada de «China Girl» está impregnada de etnocentrismo. La canción principal es un trabajo de síntesis sorprendentemente creativo (saxofones que dejan escapar, mejoras de clics y un gran ritmo detrás de los licks de blues de Stevie Ray Vaughan) que solo fortalece la imponente voz de Bowie.
Young Americans (1975)
A mediados de los años 70, David Bowie arrojó glamour a los perros en favor de su nueva inspiración: el furtivo «Sound of Philadelphia». Acuñó la versión Bowie del R&B «plastic soul», aunque era lo suficientemente real como para conseguirle al cantante un lugar en ‘Soul Train’. Su versión confusa del Philly soul es convincente, con la enigmática voz de Bowie arrastrándose entre las guitarras wah-wah y el saxo de David Sanborn. Pero «Fame», que cierra el álbum, lleva el soul mucho más allá del plástico, a algún lugar del espacio exterior. Funky, furioso e irresistible, el éxito número uno (creado con la ayuda de John Lennon) todavía está adelantado a su tiempo.
The Man Who Sold the World (1970)
Abandonando su fascinación folk, David Bowie se sumergió en el extremo profundo (púrpura) del estanque de rocas con su tercer LP. «The Man Who Sold the World» sigue siendo uno de los álbumes con el sonido más musculoso del artista, lo cual es divertido, ya que Bowie aparece con un vestido en la portada. La música es dura, pero la letra muestra una vulnerabilidad seductora. «All the Madmen» se encuentra entre el mejor material de Bowie, ya que el artista canta sobre la locura con una empatía increíble. (La canción se inspiró en su medio hermano esquizofrénico). Y está la canción principal, una experiencia de ciencia ficción con más capas e inquietante que la excelente versión del Unplugged de Nirvana.
Station to Station (1976)
«Station to Station» es la transición entre la fijación de Bowie por el R&B y su interés por la música electrónica alemana. Pero este álbum es más que una estación de paso. Es un híbrido paralizante de música afroamericana y rigidez europea, que da origen a la última personalidad de Bowie: el gélido Duque Blanco. El personaje era una manifestación del retorcido estado mental de Bowie, gracias, en parte, a una dieta de cocaína, leche y pimientos. Eso se refleja mejor en «Word on a Wing», en el que el cantante anhela la protección de la religión sin los requisitos de la creencia. Bowie mejoró, pero primero hizo este fascinante álbum.
Aladdin Sane (1973)
David Bowie llevó a Ziggy a Estados Unidos y regresó con esta fantástica colección de glamour de rock duro. El guitarrista Mick Ronson está encendido en todo momento, cargando con «Panic in Detroit» y profundizando en «The Jean Genie». Bowie se comporta igual de bien, presentando el extraño y arrollador «Drive-In Saturday» en el que los ciudadanos del futuro miran viejas películas porno para volver a aprender a tener relaciones sexuales. Mejor que cualquier cosa específica que haga, Bowie simplemente parece valiente en «Aladdin Sane», ampliando su estilo de glamour para incluir la canción principal de jazz, una alegre versión de los Rolling Stones e incluso una pizca de doo-wop.