En realidad, es bastante simple. Sea cual sea el estilo de música que toques, si tu ritmo apesta, apestas. Y mereciendo o no, los guitarristas tienen la reputación de tener un tiempo menos que perfecto.
Pero no es que la métrica perfecta te convierta en un rítmico perfecto. Hay algo más. Algo esquivo. Un swing, una sensación o un ritmo: lo reconoces cuando lo escuchas o lo sientes. Cada intérprete en esta lista tiene «eso», independientemente del género, y si hay una lección que todos estos guitarristas defienden, nunca dan el ritmo por sentado. Siempre.
Sin embargo, decidir quién hizo la lista no fue fácil. De hecho, a veces parecía francamente imposible. Lo que finalmente se acordó fue que los músicos incluidos debían tener un impacto visceral en la música a través de sus ritmos. Los buenos riffs solos no eran suficientes. La influencia de un artista también se tuvo en cuenta, ya que muchos músicos de esta lista cambiaron el curso de la música por sí solos con su guitarra y un ritmo.
Como prueba este top 20, la guitarra rítmica abarca una multitud de disciplinas musicales. No hay una forma «correcta» de tocar el ritmo, pero hay una perogrullada: si se siente bien, es bueno. Pónganse cómodos, que en la radio del rock compartimos nuestra selección de los 20 mejores guitarristas rítmicos del rock.
Malcolm Young
¿Alguien ha personificado mejor el papel de guitarrista rítmico en una banda de rock que Malcolm Young? No, nadie. En AC/DC, no solo tocó algunas de las guitarras de rock and roll más arrogantes, con swing y con los huevos en la pared de todos los tiempos, sino que lo hizo sin solos. Young sabía exactamente cuál era su papel como guitarrista rítmico en una banda de rock and roll, y prosperó en él. «Aprender un instrumento tiene que ser natural. «Si te detienes a pensar en tocar, la sensación desaparece”. Feel siempre estuvo detrás de lo que hizo Young. Sin él, sería solo un tipo tocando acordes. Probablemente tenga algo que ver con la actitud que le puse. No creo que lo que hago sea difícil, de verdad. Si no se balancea, no significa nada. Eso es todo», dijo alguna vez.
Keith Richards
El sumo sacerdote del groove del rock and roll, la vida de trabajo de Richards con los Rolling Stones se erige como un monumento sónico al poder de la guitarra rítmica para sacudir las caderas. Su uso del sol abierto en casi todo lo que ha hecho desde finales de los años 60 generó un estilo y un sonido que todavía se imita. “Con las afinaciones abiertas, puedes hacer funcionar un zumbido para que tengas el efecto de dos acordes tocando uno contra el otro. Es un gran sonido», le dijo a Guitar World. La otra contribución de Richards al léxico del ritmo del rock es la forma en que ve la interacción entre dos guitarras. “En lugar de buscar la separación de las guitarras, intentamos que empiecen a sonar en un punto en el que no importa qué guitarra esté haciendo qué. Saltan y se entrelazan entre sí, por lo que no importa si estás escuchando el ritmo o el solista porque, en realidad, como guitarrista, estás en la cabeza del otro guitarrista y él en la tuya», explica.
Jimi Hendrix
Una escuela en sí misma, la interpretación rítmica de Hendrix en muchos sentidos se siente como un océano aún más profundo que sus asombrosos solos. Desde «The Wind Cries Mary» y «May This Be Love» de «Are You Experienced» hasta su hermoso trabajo rítmico en «Little Wing», «Castles Made of Sand» y «Bold as Love» de «Axis: Bold as Love»), Hendrix transformó su movimiento de acordes inspirado en Curtis Mayfield y sus sabrosos adornos en un estilo propio. La culminación de ese estilo llega en la canción principal de «Electric Ladyland», que encuentra a Hendrix exponiendo aún más las sensuales diapositivas de doble parada y los trinos burbujeantes que conectan la secuencia de acordes espacial, a veces ambigua, pero siempre hermosa.
Jimmy Page
Con Jimmy Page puedes hablar de los riffs, y él los tiene de todo tipo. Estaban los que tenían sus raíces en el blues, en el rock ‘n’ roll. Hubo riffs de diapositivas y riffs majestuosos y majestuosos, los cuales solo habrían tenido sentido en medio de las dimensiones épicas del sonido Led Zeppelin (¿quién más podría haber invocado a «Kashmir»?). También es experto en establecerse en un ritmo folk acústico de carga frontal. Y lo que queremos decir aquí es que Page es un todoterreno, el arquetípico erudito de estudio. Ex alumno del circuito de muso de sesión, encontró en Led Zeppelin la salida perfecta para ese conocimiento enciclopédico y aventura musical. Eran una banda para la que todo era posible.
Pete Townshend
Llamar a las contribuciones rítmicas de Townshend a la guitarra de rock «enormes» ni siquiera comienza a describir la influencia que ha tenido. Sin embargo, no es como si inspirara a una legión de imitadores de Townshend. Su estilo, que cuenta con una increíble técnica de rasgueo con la mano derecha, se ha mantenido intensamente singular y apegado a las melodías que lo encarnan. Townshend posee la habilidad de un ninja de saber cuándo un gran acorde no solo hará el trabajo, sino que es lo suficientemente grande como para ser el gancho («Won’t Get Fooled Again»). Esos son ganchos. Más que nadie, Townshend también ha demostrado lo alto que puede llegar a ser una forma de arte de la guitarra rítmica en una banda de rock and roll.
James Hetfield
Metallica es una de las bandas de metal más influyentes de la historia, y el sonido de Hetfield es la parte más importante de eso, lo que realmente dice algo. Desde el principio con «Kill Em’ All», la precisión, la velocidad y la potencia de la mano derecha de Hetfield establecerían un estándar que todos los aspirantes a ritmos de metal lucharían por igualar. «Tal vez sea el alemán que hay en mí, pero siempre quiero que los ritmos sean precisos. Es difícil escapar. Así es como toco», dice Hetfield. La otra cosa que James popularizó fue la forma de sacar el máximo peso de los riffs. “¡La selección es la clave! Suena más apretado y mucho más grueso», asegura.
Eddie Van Halen
Aunque sus solos fueron forraje para casi todos los guitarristas que crecieron a finales de los 70 y principios de los 80, el trabajo rítmico de Van Halen nunca recibió tanta atención, lo cual es una lástima porque hay oro en esos riffs. Tenías tus viciosos chuggers de metal («Romeo Delight», «Light Up the Sky», «D.O.A.»), algunas cosas bonitas (la lamentablemente subestimada «Secrets») y cosas raras («Sinners Swing», «House of Pain»). El trabajo rítmico de VH a menudo era tan gonzo como sus solos, exhibiendo con frecuencia la misma vibra de auto de carreras, y no necesariamente provenía de una cierta «escuela» de guitarra rítmica. Al igual que sus solos, su forma de tocar el ritmo era intensamente personal (la intro de «5150» es un ejemplo de manual) y aparentemente fácil de entender en la superficie, pero una vez que te sumerges, descubres que hay mucho que digerir.
John Lennon
La forma de tocar la guitarra rítmica de John Lennon tenía una sensibilidad que procedía del rock ‘n’ roll y el skiffle primitivos. Y la energía pura de estos estilos ayudó a dar a esas primeras grabaciones de los Beatles su movimiento hacia adelante. Como si siempre estuvieran acelerando. No es de extrañar que capturaran la imaginación de una generación. Pero en medio del zumbido de las interpretaciones de Ed Sullivan que definieron una era, la electrizante cultura popular y una máquina de escribir canciones que estaba creando cultura juvenil desde cero, hubo detalles en la forma de tocar de Lennon que recompensan una investigación más profunda. Incluso en los primeros días, sus elecciones de acordes fueron inspiradas, lanzando un acorde de paso para llevar la canción ordenadamente de A a B, construyendo la energía, usando un ataque sincopado y agresivo para acentuar el ritmo, o usando voces poco ortodoxas que presagiaron la aventura musical por venir. Cuando eso llegó, las sesiones de estudio generaron nuevas ideas y desarrollaron formas de pensar sobre el sonido grabado, los fundamentos estaban allí.
Alex Lifeson
Cualquier guitarrista que quiera escribir rock progresivo haría bien en tomar prestadas las tablas de acordes de Alex Lifeson. Con una extensa biblioteca de acordes suspendidos para abrir, Lifeson amplió el sonido de Rush y lo pobló de color y vida. Eso es lo que pasa con el rock progresivo: a veces no es suficiente extender la composición y hacerla rítmicamente desafiante. Necesitas esos colores, melodías, intriga. Claro, Rush podría ser inteligente con su cronometraje, audaz con sus ideas, pero las elecciones de acordes de Lifeson (el add11, #11, sus2 y otros) coincidieron con el espíritu de cuerpo del trío canadiense, lo que quiere decir que hay algo profundamente humano en ellos.
Tony Iommi
El hombre que inventó el heavy metal tiene una historia de origen similar a la de un superhéroe. Recuperándose de un accidente industrial para afinar, subir y casar este nuevo enfoque de tocar la guitarra eléctrica con una sensibilidad de composición inspirada en el cine de terror. Algunos intérpretes de ritmo se distinguen por la elección de acordes o por los adornos que utilizan. Otros, como Iommi, tienen que ver con el riff. No hay mejor escritor de riffs que Iommi. Temas como «Lord of this World», «Sabbath Bloody Sabbath» y «Children of the Grave» definieron los contornos mismos de la música pesada. Eran… son escalofriantes. Y luego tienes «Paranoid» y «Iron Man» y todos los elementos fundamentales que necesitas para entender qué es un riff de guitarra y el poder que asume cuando se coloca dentro de una canción.
Dimebag Darrell
El fallecido guitarrista de Pantera y Damageplan fue un todoterreno consumado, y durante un tiempo fue el guitarrista de metal más influyente e innovador del planeta, haciendo que los sonidos extremos fueran la corriente principal. Pero mientras que la guitarra solista de Dimebag podía proporcionar momentos de gracia y belleza de alta ganancia, cortesía de un elocuente sentido del fraseo extraído de Messrs Frehley, Rhoads y Van Halen, su ritmo era una violencia de audio total. Su tono tenía un ecualizador en forma de V y una ganancia máxima en los cabezales Randall de estado sólido. Eran cosas del Capitán Cavernícola. Y el ritmo era otra cosa. Esta era una banda de metal que sabía cómo balancearse, traquetear, rebotar en un riff sincopado lanzado en clave de sierra circular.
Chuck Berry
La estrella original del rock ‘n’ roll era un torbellino de movimiento. Cabeza, hombros, rodillas y dedos de los pies, Chuck Berry parecía estar contorsionado involuntariamente por la pura fuerza de su interpretación. El plan de estudios de Rock ‘n’ roll Rhythm Guitar 101 podría enseñarse usando solo Chuck Berry Is On Top como texto de referencia. Adaptaría ritmos de estilos musicales adyacentes y los haría propios, como Maybelline, que reelaboró la pista de swing occidental Ida Red y atrapó la imaginación de Leonard Chess de Chess Records. El ajedrez no sería el último; el mundo estaba escuchando. Que esos viejos discos de Chuck Berry no hayan perdido nada de su entusiasmo y energía es testimonio de la energía autorrenovable del naciente rock ‘n’ roll. Fue un subidón poderoso, del que la cultura pop aún está por descender. Vaya, hizo que esa Gibson ES-350T cantara.
Tom Morello
En cualquier clase magistral de Tom Morello, es bastante plausible que los cursos sobre el arte del ruido estén al frente y al centro, pero su estilo rítmico (riffs de rock clásico propulsores y de alta acción aumentados con una sensibilidad hip-hop) debería ser igualmente digno de crédito. Hay un poco de Iommi y Page, algo de Joe Strummer también, influencias que pueden parecer convencionales a primera vista, pero no había nada convencional en los músicos antes mencionados, y no hay nada convencional en el lugar donde Morello tomó ese sonido, enganchando su riff. trabajar en el chasis de un nuevo tipo de ritmo. Pero como todos los grandes compositores de riffs, no importa cuán agresiva sea la improvisación, puedes tararearlas, se te quedan grabadas en la cabeza.
Paul Stanley
El mejor guitarrista de los viernes por la noche de la mejor banda de los viernes por la noche, Paul Stanley de Kiss, ha ayudado a construir una corporación multinacional de entretenimiento a partir de una sólida comprensión de los principios de la creación de canciones de rock duro. Se crió con una dieta de Motown y Philly soul, Elvis y Beethoven, y los Beatles, por supuesto. El talento lo junta todo. No hay duda, la escritura de Stanley es un éxito de taquilla, como «Lick It Up», «Do You Love Me» y «Room Service», por ejemplo, y mucho de eso es reconocer que la composición de canciones está resolviendo cómo llegar de A a B. En otra vida, podría ser un taxista de Nueva York. En este, se trata de tomar riffs y melodías y escribir un estribillo tan bueno que solo tienes que escribir un cheque e ir a comprar algo de pirotecnia.
Dave Mustaine
Hay formas más fáciles de ganarse la vida que al frente del combo de ritmo moderno Megadeth. Dave Mustaine escribe arreglos rítmicamente complicados, técnicamente torpes y de alto tempo que exigen precisión y luego los interpreta con la intensidad de un berserker, y además canta. Es notable. El mejor ejemplo de este enfoque vanguardista del thrash metal se puede encontrar en el mejor álbum de la carrera de la banda, «Rust in Peace», y en su continuación más comercial pero igualmente creativamente exitosa, Countdown to Extinction, que demuestra que Mustaine conoce el valor de la moderación cuando la canción lo requiere. En cuanto al riff, la gente mirará a «Symphony of Destruction» como el punto más alto. Claro, es el «Livin’ on a Prayer» de Megadeth, su «Enter Sandman», pero cuando aplica temas como «Holy Wars… The Punishment Due» y «Wake Up» Dead es espectacular.
Izzy Stradlin
Con su gorra de ingeniero, camisa blanca y chaleco negro, luchando contra una Gibson ES-175 de caja hueca blanca que le queda dos tallas más grande, el ex guitarrista rítmico de Guns N’ Roses era como un personaje ligeramente caótico de Dickens que acaba de tocar en la banda de rock and roll más peligrosa del mundo. Y era genial sin esfuerzo, el contraste perfecto para Slash. Stradlin jugó un papel decisivo en la máquina de sordidez de GNR, es decir, un sonido que podría ser todo un caos desordenado, ritmos licenciosos, animalismo de rock puro con un sentido de la grandeza amigable con la radio cuando la ocasión lo requiere. Había una cualidad ilusoria en su forma de tocar. No se basó en la ganancia. La fuerza de Stradlin, y por extensión la fuerza de la banda, residía en cómo los guitarristas tocaban partes rítmicas complementarias en lugar de duplicarse entre sí. Era una maraña de sonido, matorrales de detalles y texturas, una jungla de guitarra eléctrica.
John Frusciante
John Frusciante se presenta como una especie de virtuoso reacio. Es como un niño con telequinesis tratando de encajar. Pero no nos engaña, y su reingreso a los Red Hot Chili Peppers le da al mundo la oportunidad de prestar atención una vez más a sus actos casuales de genio, de trabajo de acordes inspirado en Hendrix. con un flujo y reflujo como si fuera un fenómeno natural y no el producto del trabajo duro y la práctica. Camina por una delgada línea entre la simplicidad y el adorno, con lo último suficiente para engañar a los músicos menores, pero mucho de lo primero, para que RHCP siga siendo una de las bandas de rock de primer nivel de nuestro tiempo.
Bob Weir
Bob Weir tuvo que tomar una decisión desde el principio. Frente al súper expresivo guitarrista principal, por no mencionar un poco mayor, Jerry García, Weir tuvo que encontrar su propia voz en el instrumento. Sería un rítmico, pero ¿por qué simplemente inspirarse y copiar lo que hicieron otros guitarristas? Miró más allá, basándose en el trabajo del gran pianista de jazz McCoy Tyner con John Coltrane, quien trabajó para elegir acordes que fueran puntos de partida estables para el resto de la banda. «Para empezar, mi estilo de guitarra se deriva básicamente de escuchar a los pianistas. “En aquellos días, tocar la guitarra rítmica era un trato bastante funcional. No había mucho para eso. No había ningún ejemplo de personas para comparar. Lo que escuché de McCoy Tyner fue que estaba tomando la iniciativa a su manera. Estaba encontrando una nueva dirección cada vez que se sentaba al piano. Encontrar nuevos lugares para tomar la estructura armónica de la canción que estaban tocando. Así que rápidamente me di cuenta de que eso era lo que iba a hacer», le dijo a Dan Rather de AXS TV en 2015.
The Edge
Para una banda de rock de estadio, U2 tiene un guitarrista bastante vanguardista en The Edge. Utiliza algunas piedras de toque de guitarra convencionales para construir su sonido, como el sonido potente de la combinación de válvulas Vox AC30 del 64, y cubre todos los principales grupos de comida de guitarra vintage. Pero son los efectos y su respuesta a ellos lo que hace que su estilo sea tan único. Famosamente, la configuración del pedal de retardo de octava nota punteada es fundamental para clavar la euforia psicodélica de sus himnos «I Still Haven’t Found What I’m Looking For» y «Where The Streets Have No Name», pero también lo es la forma de tocar. No puedes engañar al ritmo de la máquina, y The Edge tampoco. Después de todos estos años, la máquina se ha convertido en parte de él y él en parte de la máquina. A estas alturas, probablemente necesite una fuente de alimentación de 9 V CC para levantarse de la cama por la mañana.
Mark Knopfler
¿Qué tiene el estilo del guitarrista de Dire Straits que se siente tan familiar y, sin embargo, es tan esquivo cuando intentamos recrearlo? ¿Es porque es un zurdo que toca un instrumento para diestros, al igual que muchos músicos de su generación tuvieron que hacerlo debido a la escasez de guitarras para zurdos? Quizás. La destreza importa. Pero tal vez se deba a que su enfoque fingerstyle en la guitarra eléctrica trae consigo la sensibilidad de un músico acústico, en el que es aún más consciente de la dinámica de su forma de tocar. La sensación de familiaridad que escuchamos en el sonido de Knopfler proviene del blues, el country, el folk y el rock. Su habilidad para moverse entre estos modos con tal fluidez es asombrosa, y combinada con un tono de guitarra verdaderamente epicúreo, su forma de tocar a menudo se presenta como esta tira de Möbius de Americana.