Stone Temple Pilots ya había dado con una fórmula ganadora dos veces antes de su tercer álbum «Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop», que se lanzó el 26 de marzo de 1996
Las ventas combinadas en EE.UU. de su primer y segundo álbum, «Core» y «Purple«, alcanzaron la marca de los 10 millones. Y desde entonces, ambos álbumes han sido certificados por dos millones adicionales de ventas en EE. UU. cada uno. Por entonces, STP ya había consolidado su lugar como nombres familiares. Alcanzando el estatus de arena. Y grabando una huella permanente en la radio.
Es posible que, en el camino al éxito, los críticos hayan barrido el piso con ellos. Pero los futuros clásicos como «Plush», «Creep», «Interstate Love Song» y «Big Empty» se abrieron paso en la rotación masiva entre 1993 y 1994. Y tres décadas después, se han mantenido como elementos básicos de cualquier radio orientada al rock. Pero»Tiny Music» voló las puertas de la noción entonces generalizada de la banda como proveedores de un estilo grunge artificial por números destinado a sacar provecho de las tendencias predominantes de la época.
El disco amplió significativamente el hard rock basado en riffs sobre el que Stone Temple Pilots y sus contemporáneos habían construido su fortuna. Incluso, en algunos lugares, «Tiny Music» muestra que esta banda era más que capaz de liberarse del rock por completo. Desde «Press Play», la improvisación instrumental que comanda el piano Rhodes que abre el álbum, de repente queda claro que siempre había habido mucho más en STP de lo que quizás incluso sus fans más fervientes sabían.
«Tomó un tiempo tener una idea de en lo que nos habíamos convertido. La pregunta era: «¿Nos convertimos en mariposa o nos convertimos de gusano en mosca?», agregó. «Podría haber ido de cualquier manera», dijo el difunto cantante Scott Weiland a MTV cuando la banda estaba a punto de terminar «Tiny Music».
28 años después, esa transformación todavía suena tan dramática como las palabras que Weiland eligió para describirla. La mayor parte de «Tiny Music» todavía encuentra a STP basándose predominantemente en riffs, pero incluso esas canciones introdujeron una gama completamente nueva de colores en el vocabulario de Stone Temple Pilots.
Por ejemplo, en «Love’s Pop Suicide» y «Big Bang Baby», la banda reemplazó el estilo macizo y desafinado de canciones anteriores como «Wicked Garden» y «Silvergun Superman» con una nueva interpretación andrajosa del glam rock de los 70. «Art School Girlfriend» fusiona el post-punk británico con el jazz. Mientras que “Tumble in the Rough” gira hacia el punk puro, aunque con una versión más estratificada que suena como si hubiera sido filtrada a través de los años 60. En ella, la banda prioriza la textura, el tono y la estado de ánimo sobre el ataque.
A su vez, la serpenteante y entrecortada «Ride the Cliche» insinúa el progresivo de manera tan discreta que las influencias del rock progresivo y clásico se fusionan a la perfección. «Adhesive» se desvía hacia el prototípico indie rock, con solos de trompeta inspirados en Sketches of Spain que recuerdan imágenes de Miles Davis como invitado en uno de los primeros álbumes de Yes si Yes hubiera inventado el emo. El ambiente es tan amplio que es como si las armonías de Scott Weiland y las notas de trompeta de Dave Ferguson estuvieran transportándose por un cañón.
Arriba y abajo de la lista de canciones, toques de psicodelia le dan a las canciones un brillo y una frescura como gotas de rocío sobre briznas de hierba. Para cuando se llega al influenciado por los Beatles «Lady Picture Show», es bastante evidente que Stone Temple Pilots había elegido intencionalmente evitar el músculo por la delicadeza, el volumen por la dinámica y la densidad por el espacio.
A lo más, la salida más llamativa se produjo en forma de una incursión decididamente poco irónica en la bossa nova. «And So I Know» pavimentó el camino para nuevas aventuras en un territorio delicado, que se puede escuchar en dos de los últimos álbumes de la banda, «Shangri-La Dee Da» de 2001 y «Perdida» de 2020.
«Había estado escribiendo canciones como esa desde que tenía probablemente 15 años. Me atrajo mucho el jazz a una edad temprana. Tuvo un gran atractivo para mí. No sé por qué, pero probablemente los primeros discos que saqué del sótano de mis padres y abuelos fueron discos de jazz», dice el bajista, guitarrista y compositor Robert DeLeo a UCR.
Aparentemente, STP tenía una canción como «And So I Know» antes de que nadie se diera cuenta. Como revela DeLeo, “Interstate Love Song” comenzó como una melodía de bossa nova. Para demostrarlo, pone la llamada en el altavoz, toma una guitarra acústica de la pared y rasguea las cuerdas al ritmo que había imaginado inicialmente.
“Recuerdo cuando salió ‘Tiny Music’. Estaba leyendo una reseña y básicamente llamaban a ‘And So I Know’ una canción al estilo de Las Vegas. La bossa nova está lejos de Las Vegas. Para mí es la música más natural, orgánica y relajante del mundo. Realmente aprecio a Joao Gilberto, y me encanta la forma en que la música se extendió a la música convencional aquí. Me encanta el disco que hizo Antonio Carlos Jobim con [Frank] Sinatra, y la forma en que toda esa bossa nova se extendió a Sergio Mendes y Herb Alpert», dice DeLeo con una sonrisa.
«Ese es un momento mágico para mí y mi infancia. Hay buenos recuerdos allí. Me hace pensar en muchas personas que ya no están en mi vida cada vez que escucho esa música. Es una tarjeta de visita de mi pasado», agrega.
Cuando DeLeo interpretó la idea para Weiland, encontró una respuesta similar. «En cierto modo le recordó cuando era más joven y lo que escuchaban él y sus padres. Siempre es el tipo de cosa con un cantante, donde quieres enamorarlos un poco con tu canción. Cuando haces eso y los llevas a un lugar de, ‘Oh hombre, eso me recuerda cuando era pequeño e hice esto’, es cuando las cosas realmente salen a la luz», recuerda DeLeo.
DeLeo aseguró que su elección de grabar la mayor parte de «Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop» mientras vivían juntos en una mansión en expansión en el valle de Santa Ynez en California ayudaron a sus compañeros de banda y al productor Brendan O’Brien a volverse más receptivos a las ideas.
“Me sentía [listo para explorar ese tipo de sonidos] todo el tiempo que habíamos estado haciendo discos. Pero creo que fue la libertad y la apertura de estar en un entorno hogareño como ese, donde realmente podías vivir allí y ser un poco más libre. No apareces en un lugar y dices: ‘Oye, um… mira esto’. Y además del hecho de que estaba muy, muy metido en un montón de bossa nova y realmente lo estaba digiriendo en ese momento. Esa idea de la canción estaba sonando dentro de mí. Simplemente comencé a hacerlo un día y a todos les estaba gustando, lo cual fue bueno. Si alguien hubiera dicho, ‘Ehhh, no sé’, entonces probablemente no lo hubiéramos hecho», dice DeLeo.
Stone Temple Pilots había grabado las pistas básicas de «Purple» en solo 11 días. Esta vez, la banda pudo estirarse, viviendo su sueño de seguir el ejemplo de clásicos como «Goodbye Yellow Brick Road», el clásico álbum doble de Elton John de 1973.
En las nuevas notas de la reedición del disco, DeLeo le dice a la veterana periodista musical Katherine Turman que la casa en sí inspiró la exploración, ya que la banda sintió la curiosidad de grabar en varias habitaciones diferentes. Eso, a su vez, generó una mayor variedad de tonos. Estar instalado en la pintoresca región vinícola tampoco dolió.
«Algunos de mis discos favoritos jamás hechos fueron grabados en casas. Y fue una gran experiencia crear los sonidos tú mismo en lugar de estar en un estudio y asumir que los sonidos iban a ser buenos debido al espacio en el que estabas y el equipo que había allí», señala.
El arreglo de grabación no aisló completamente a Stone Temple Pilots del estrés. En este punto, los problemas de Scott Weiland con la adicción a la heroína ya habían descarrilado públicamente el progreso de la banda una vez.
«Esto venía del éxito de Purple y de estar en una posición en la que probablemente deberíamos haber hecho una gira con ese disco durante unos dos años, pero terminamos de gira solo seis meses. Fue una gran, gran decepción, así que fue un momento muy productivo para [el guitarrista de Stone Temple Pilots] Dean [DeLeo] y para mí, especialmente para escribir sobre lo que estábamos pasando»,recuerda DeLeo.
Las canciones que no aparecieron en «Tiny Music» terminaron en el álbum homónimo de 1997 de Talk Show, el grupo único que los miembros restantes de STP formaron con el cantante Dave Coutts después de que los problemas de Weiland retrasaran aún más la agenda de la banda principal. de nuevo.
Weiland se veía visiblemente demacrado y desgastado en los clips de entrevistas de aquella época. Su voz era ronca, pero sin embargo fuerte. Canalizó sus problemas en las letras, aunque lo hizo desde perspectivas oblicuas que no siempre eran obvias. En varios puntos del álbum, la voz de Weiland tiene una cualidad resplandeciente y optimista que desmiente lo que tenía en mente. A pesar de todos sus ganchos soleados, «Lady Picture Show», por ejemplo, en realidad se trata de una bailarina que todavía está atormentada por el trauma de la violación en grupo cuando luego se enamora.
“Todas esas canciones tenían una gran sensación de desesperación», reflexiona DeLeo. Aún así, Scott Weiland pudo tejer su magia, y Tiny Music contiene algunas de las declaraciones musicales más poderosas de su carrera.
«Scott fue brillante inventando imágenes. Creo que era un verdadero poeta. Nunca le pregunté sobre lo que estaba haciendo o sobre lo que estaba cantando. Nunca sentí que [era mi] lugar para tener que ir allí. Si tuviera una canción y cantara una melodía que ya tengo, como ‘Interstate Love Song’, si él la captara, genial. Pero nunca le hubiera dicho que cantara ciertas letras. [Sus palabras] vinieron de un lugar tan productivo y bien hecho que no tocaría eso», agrega DeLeo.
En uno de los puntos más creativos de su historia, Stone Temple Pilots le dio la vuelta al cliché del rock alternativo del que se habían beneficiado de forma directa. Las canciones de «Tiny Music… Songs from the Vatican Gift Shop» aún suenan tan atrevidas, innovadoras y únicas como cuando se lanzaron.
«Cuando estábamos haciendo ‘Core’, ¿pensé que iba a tocar vibraciones dos discos más tarde en ‘And So I Know?’ No estoy seguro. No pensé en eso en ese entonces. Quiero decir, esperaba estar [haciendo algo así eventualmente]. Hemos crecido con tantos tipos de música, desde [Led] Zeppelin hasta Bill Evans. Hay un amplio aspecto de la música en el que tuve el placer y el honor de crecer. Cuando eliges algo del árbol que está musicalmente en uno de esos rangos, vas a intentar abordarlo lo mejor que puedas», sentenció DeLeo.