El año 1974 trajo consigo una serie de debuts notables, cambios en la dirección creativa, inspiraciones, reunificaciones y más.
Por ejemplo, vio el debut de bandas como Kiss, Judas Priest y Bad Company, quienes lanzaron sus primeros álbumes. «Estábamos a punto de entrar en el estudio de grabación. Led Zeppelin tenía un estudio móvil en Headley Grange, todo listo para funcionar… Entramos a toda velocidad y grabamos el álbum completo. Headley Grange era muy atmosférico», diría más tarde Paul Rodgers de Bad Company sobre la grabación de su primer LP.
También hubo algunas reuniones bienvenidas: Bob Dylan volvió a formar equipo con The Band no sólo para un álbum de estudio, sino también para una gira. «No fue tremendamente diferente de lo que hicimos años antes. Hubo una brecha de ocho años y la pasión por la música no era tremendamente diferente. Pero ahora podíamos Jugamos tan duro como queríamos y nadie se atrevía a decir nada», explicó el fallecido Robbie Robertson a Rolling Stone en 2020.
Algunos lanzamientos, de veteranos experimentados en el estudio, recibieron críticas mixtas. El quinto álbum en solitario de John Lennon, Walls and Bridges, obtuvo buenos resultados en las listas, pero fue relativamente poco impresionante para los críticos. «Los elogios nunca son satisfactorios a menos que puedas estar seguro de que la persona realmente ha escuchado tu trabajo y lo conoce al dedillo. No estoy diciendo que la gente deba pasarse la vida evaluando en profundidad mis álbumes, pero los elogios, o cualquier otra cosa, no cuentan mucho a menos que se tomen el tiempo para entender lo que estás haciendo», dijo Lennon a NME ese año. .
Las posibilidades parecían infinitas, pero a continuación echamos un vistazo a los 50 mejores álbumes de 1974, en especial de Futuro, la radio del rock.
David Bowie – Diamond Dogs
Una vez que David Bowie se despojó de su piel de Ziggy Stardust, llegó el momento de empezar de nuevo. Esto significó traer de vuelta al productor Tony Visconti, además de grabar él mismo las partes de la guitarra solista en ausencia de Mick Ronson. Hay un hermoso caos en «Diamond Dogs», que salta de la juventud andrógina en «Rebel Rebel» a la sociedad tiránica en «1984», que sólo Bowie realmente podía lograr.
The Rolling Stones – It’s Only Rock ‘n Roll
El año 1974 trajo varios cambios importantes para los Rolling Stones. Por un lado, «It’s Only Rock ‘n Roll» sería su último álbum en incluir a Mick Taylor y, por otro, los vio trabajar sin el productor Jimmy Miller. Este LP es más fuerte en algunos lugares, menos en otros, pero tiene todos los elementos de un buen disco de los Stones: la voz mitad gruñona, mitad burlona de Mick Jagger, el ritmo consciente y consistente de Charlie Watts, los riffs retorcidos de Keith Richards. Es sólo rock ‘n’ roll, a ellos les gusta, ¿por qué a nosotros no?
Genesis – The Lamb Lies Down on Broadway
Peter Gabriel fue quien ideó la trama de «The Lamb Lies Down en Broadway». En pocas palabras, un joven puertorriqueño llamado Rael, oriundo de la ciudad de Nueva York, emprende una búsqueda para encontrarse a sí mismo y conoce a muchos otros personajes en el camino. Gabriel insistió en escribir él mismo la gran mayoría de las letras y, aunque la banda encontró algunos obstáculos interpersonales durante el proceso, el LP final fue una especie de obra maestra. Solo llegó al puesto 41 en los EE. UU., pero a lo largo de los años construyó constantemente un culto de seguidores.
Steely Dan – Pretzel Logic
«Pretzel Logic» sería la última vez que Steely Dan grabaría un álbum con su formación de cinco integrantes: Walter Becker, Donald Fagen, Denny Dias, Jim Hodder y Jeff «Skunk» Baxter. Sin embargo, aquí, Becker y Fagen realmente tomaron las riendas como las fuerzas principales de la banda, y esto resultó en un álbum más compacto y conciso con suficiente vibra de jazz fusión para atraer a una audiencia más amplia.
Aerosmith – Get Your Wings
El álbum debut de Aerosmith de 1973 tuvo poco impacto, pero en lugar de disuadir a la banda, solo hizo que quisieran trabajar más duro en su segundo lanzamiento, «Get Your Wings» de 1974. Pasaron semanas de ensayos y se contrató a un nuevo productor, Jack Douglas. Esta vez, Aerosmith evitó los escollos en los que habían caído anteriormente: Steven Tyler adoptó la actitud natural de su voz, mientras Joe Perry y Brad Whitford trabajaron como un verdadero equipo.
Kiss – Kiss
Cuando Gene Simmons y Paul Stanley todavía eran miembros de una banda llamada Wicked Lester, comenzaron a escribir material que terminaría en el álbum debut de Kiss en 1974. Una vez dentro de los Bell Sound Studios en la ciudad de Nueva York, «Kiss» fue grabado y mezclado en una materia. de semanas, y el resultado fue un álbum sorprendentemente pulido y competente para un lanzamiento nuevo. Incluso décadas después, Simmons lo llamaría su álbum favorito de Kiss.
Bob Dylan – Planet Waves
«Planet Waves» no es de ninguna manera el mejor álbum de Bob Dylan, pero de todos modos es una piedra de toque crucial de su catálogo. Aquí, Dylan se reunió con la banda y su química es evidente. Robbie Robertson adopta su enfoque ligero habitual, entretejiendo su guitarra dentro y fuera de las canciones y dejando que los arreglos de Dylan sean el centro de atención. La realidad es que este es un Dylan diferente, uno que ahora tiene una familia propia que mantener y nuevas prioridades en la vida, tanto personal como artísticamente.
Eagles – On the Border
Cuando piensas en los Eagles, probablemente piensas en algo así como country-rock, pero con «On the Border» de 1974, la banda intentó avanzar hacia algo que podría definirse como rock más tradicional. Si lo lograron o no, realmente no importaba. On the Border, que contó con la participación del guitarrista Don Felder por primera vez, es ajustado, ambicioso y un buen indicador de lo que estaba por venir.
Joe Walsh – So What
«Sé que este álbum va a ser importante para mí, pero ya no es fácil producirlo», advirtió Joe Walsh a Rolling Stone dos meses antes del lanzamiento de «So What» de 1974. Había sido un año difícil para Walsh, cuya hija de dos años murió en un accidente automovilístico en abril, pero contó con la ayuda de sus amigos de los Eagles aquí: Don Henley, Glenn Frey y Randy Meisner contribuyeron a So What, que llegó al puesto 11 en EE. UU.
John Lennon – Walls and Bridges
Se ha dicho mucho sobre el infame «Fin de semana perdido» de John Lennon, el período de 18 meses en el que, separado de Yoko Ono, el ex Beatle salió con otra mujer, se volvió a conectar con su hijo y, por supuesto, trabajó en nueva música. «Walls and Bridges», que llegó al número uno en Estados Unidos, se contradice en algunos puntos mientras Lennon lucha por extrañar a su esposa pero también por sentirse libre por primera vez en años. Esto demuestra una lección que muchos aprenden en la vida: a veces el sufrimiento es el único camino hacia la curación.
Eric Clapton – 461 Ocean Boulevard
A principios de los 70, Eric Clapton pasó tres años alejado de la música mientras lidiaba con su adicción a las drogas. Cuando regresó, alquiló una casa, Ocean Boulevard 461 en Golden Beach, Florida para ser exactos, y se puso a trabajar. Evidentemente, el tiempo libre ayudó enormemente, porque el álbum resultante fue uno de los más intrigantes de Clapton hasta la fecha. Una exploración del blues americano, el reggae y el trasfondo del rock británico del propio Clapton, «461 Ocean Boulevard» sentaría las bases para el resto de la producción del guitarrista de esa década.
Neil Young – On the Beach
Neil Young nunca se sintió tan cómodo con la fama, especialmente la que obtuvo después de lanzar Harvest de 1972. Dos años más tarde, «On the Beach» vio a Young todavía luchando con sentimientos de aislamiento, protección personal y pesimismo. Es tan puro como lo es la composición de canciones, y al final del álbum, uno siente una sensación de simpatía por un hombre cuyo arte lo ha llevado a los lugares más altos y más bajos.
Stevie Wonder – Fulfillingness’ First Finale
En «Innervisions» de 1973, Stevie Wonder había abordado una serie de temas sociales, pero para el primer final de «Fulfillingness» de 1974 dirigió su atención hacia sí mismo y escribió música que era un poco más personal. Eso no significó que dejara atrás su habilidad para los acordes cálidos, armonías ricas en capas y un toque ligero general. Ganó no uno, ni dos, sino tres premios en los Grammy.
Joni Mitchell – Court and Spark
Quedó claro desde el principio que Joni Mitchell no era alguien que pudiera ser encerrado en una caja. Después de hacer varios álbumes centrados en el folk, los años 70 le ofrecieron a Mitchell una especie de nueva pizarra, o al menos, la oportunidad de expandir su sonido. Aquí es donde los elementos del jazz y el R&B comenzaron a ocupar un lugar más destacado en la música de Mitchell, ayudados por algunos artistas invitados muy talentosos: Robbie Robertson, David Crosby y Graham Nash.
Jackson Browne – Late for the Sky
David Geffen de Asylum Records solicitó que Jackson Browne trabajara más rápido y con menos dinero para su tercer álbum, y de una forma u otra, Browne pudo aceptar este desafío y producir uno de los álbumes de cantautores mejor elaborados de los años 70, «Late for the Sky». La canción principal, «Fountain of Sorrow» y «Before the Deluge», se convirtieron instantáneamente en clásicos, amados por su ternura y vulnerabilidad.
Lynyrd Skynyrd – Second Helping
Lynyrd Skynyrd fue una de esas bandas que llegaron a escena al rojo vivo y no soltaron el acelerador. Su segundo lanzamiento, «Second Helping» de 1974, incluyó el famoso «Sweet Home Alabama», una respuesta a «Southern Man» de Neil Young, además de su versión icónica de J.J. «Llámame la brisa» de Cale. Podrías pensar que tres guitarristas en una banda es excesivo, pero para Skynyrd, fue la receta perfecta para el éxito.
Queen – Sheer Heart Attack
«Querida, está demasiado ocupado en el estudio. Eso es lo que pasa cuando te enfermas en Queen: tienes que recuperar el tiempo». Esto es lo que Freddie Mercury dijo a la prensa en 1974 cuando la banda terminaba de grabar «Sheer Heart Attack», refiriéndose a que Brian May había sido hospitalizado por una úlcera de estómago cuando comenzaban a trabajar en el álbum. A pesar de esto, Queen siguió adelante e hizo uno de los álbumes más importantes de su carrera, uno que ayudó aún más a establecer su sonido característico.
Deep Purple – Burn
Grabado en Montreux, Suiza, utilizando el Rolling Stones Mobile Studio,» Burn» de Deep Purple marcó el comienzo de una era. Esta fue la primera vez que David Coverdale y Glenn Hughes aparecieron en un álbum y marcó la diferencia. Vigoroso y emocionante, «Burn» se destaca como uno de los lanzamientos más fuertes de Deep Purple.
Electric Light Orchestra – Eldorado
La música de Jeff Lynne no es para todos, el suyo es un estilo de excedente y casi sobreproducción, pero para aquellos con oído para el exceso, no busquen más que «Eldorado» de Electric Light Orchestra, el primer álbum conceptual completo que Lynne concibió e hizo realidad. Esta fue también la primera vez que Lynne contrató una orquesta real, en lugar de simplemente sobregrabar partes interpretadas por los miembros de la banda.
King Crimson – Red
Difícilmente se puede decir dada la atmósfera pesada del álbum, pero «Red» de King Crimson cuenta con solo tres miembros de la banda: el guitarrista Robert Fripp, el bajista y vocalista John Wetton y el baterista Bill Bruford. Con algunas partes complementadas por músicos de cuerda y trompeta, este sonido denso se logró con muchas capas y sobregrabaciones.
Yes – Relayer
En mayo de 1974, el tecladista Rick Wakeman dejó Yes, dejando la banda como un cuarteto. Finalmente encontraron al músico suizo Patrick Moraz para que fuera su reemplazo, lo que lo lanzó inmediatamente al modo de hacer álbumes. Seis meses después, se lanzó «Relayer», que recibió críticas mixtas y aún así se ubicó en el Top 5 tanto en el Reino Unido como en los EE. UU.
Tom Waits – The Heart of Saturday Night
¿Y si un escritor Beat fuera también cantante? Probablemente terminarías con algo como «The Heart of Saturday Night» de Tom Waits, su segundo álbum que parece una obra melancólica y triste en un acto. Este es un álbum para después del anochecer, y probablemente después de una copa o dos en un bar con poca luz.
Big Star – Radio City
«Radio City» de Big Star no fue completamente apreciado en el momento de su lanzamiento, pero desde entonces se ha convertido en una piedra de toque importante en el canon de la música power pop. Con temas básicos como «September Gurls» y «Back of a Car», Radio City es el sonido de una banda que lucha en algunos aspectos pero que hace todo lo posible para mantenerse unida. «Ayudó con nuestra evolución y cambió el carácter de la banda», dijo el baterista Jody Stephens a uDiscover Music en 2023.
Bob Marley and the Wailers – Natty Dread
La carrera de Bob Marley fue una de las más interesantes. Sus dos álbumes de 1973 con los Wailers tuvieron éxito y ayudaron a presentar el reggae a una audiencia más amplia y convencional. Pero ¿cómo mantener el impulso? Su álbum de 1974, «Natty Dread», fue algo así como un proceso lento (le llevó varios años lograr éxito entre los oyentes), pero una vez que lo hizo, se hizo difícil imaginar un catálogo de Marley sin canciones como «No Woman, No Cry» y «Anímate.»
Sui Generis – Pequeñas anécdotas sobre las instituciones
«Pequeñas Anécdotas Sobre Las instituciones» de Sui Generis es un álbum plagado de crítica social y letras fuertes, con música muy desarrollada, con elementos progresivos y que mostraban una madurez impresionante y lo que Charly García realmente quería mostrar al mundo. A pesar de ello, el disco fue ignorado por el público, acostumbrado a las canciones anteriores, y como era de esperar, la censura hizo lo suyo prohibiendo algunos temas, frente a lo cual incluso se debieron cambiar estrofas. Todo esto no fue impedimento para lograr una calidad tremenda, y en consecuencia, el mejor disco que haya editado el dúo argentino.
New York Dolls – Too Much Too Soon
Esto es lo que pasa con el negocio de la música: no todo el valor es comercial. Tomemos como ejemplo a los New York Dolls, cuyo álbum de 1974 «Too Much Too Soon», al igual que su primer álbum, se vendió mal. Pero todavía había algo en la música que hablaba a los oyentes, una mezcla ecléctica de rock ‘n’ roll tradicional, glam rock y actitud de la Gran Manzana.
Elton John – Caribou
¿Existe un título de canción de apertura mejor que «The Bitch Is Back»? Probablemente no. Elton John difícilmente podía ser superado a principios de los años 70, consiguiendo un álbum que encabezaba las listas tras otro y «Caribou» de 1974 no fue diferente. Incluso si dejó desconcertados a algunos críticos en ese momento, canciones como «Don’t Let the Sun Go Down on Me» han ganado popularidad entre los oyentes desde entonces.
Judas Priest – Rocka Rolla
Sólo tienes una oportunidad de publicar un álbum debut, y Judas Priest lo sabía. Según la banda, grabaron «Rocka Rolla» en vivo en el estudio, un movimiento audaz para un álbum de entrada, y no todo llegó al corte final. El álbum resultante fracasó, pero en retrospectiva, fue un primer paso crucial en el viaje de Judas Priest para convertirse en ellos mismos.
The Doobie Brothers – What Once Were Vices Are Now Habits
«What Once Were Vices Are Now Habits» muestra el lado más jazzístico de los Doobie Brothers, al tiempo que conserva lo que podría describirse mejor como un tinte sureño. Eso se debe en gran parte a la presencia de los Memphis Horns en este álbum. Otros músicos invitados notables fueron Arlo Guthrie, Bill Payne y Jeff «Skunk» Baxter.
George Harrison – Dark Horse
«Dark Horse» es el título del quinto álbum de George Harrison, pero también podría ser una descripción apropiada del propio Harrison: habiendo vivido bajo la sombra de Paul McCartney y John Lennon durante una década, aquí había un artista cuyo talento a veces había sido pasado por alto. Algunos críticos criticaron a Dark Horse por ser demasiado confuso y sin sentido, pero después de todo, qué mejor manera de encontrarse a uno mismo que explorando todas las opciones.
Funkadelic – Standing on the Verge of Getting It On
Hay álbumes destinados a escuchar las letras y luego hay álbumes destinados a callarse y bailar, como «Standing on the Verge of Getting It On» de Funkadelic. Después de tres años fuera, el guitarrista Eddie Hazel se reincorporó a la banda para este LP, coescribiendo la mitad de sus temas, y su regreso fue muy bienvenido.
Billy Joel – Streetlife Serenade
Una de las luchas de ser un gran artista discográfico es que, en un momento u otro, probablemente te encuentres bajo presión para crear un álbum incluso cuando no tengas el tiempo, los recursos o los medios. Billy Joel, ocupado de gira en la primera mitad de los años 70, no tenía mucho material que ofrecer a su sello, de ahí los instrumentos que aparecen en «Streetlife Serenade» de 1974. «Ideas musicales interesantes, pero nada que decir líricamente», le diría a Entertainment Weekly en 1993. Aún así, es un digno ejemplo de un artista que intenta aprovechar al máximo lo que tiene.
Gram Parsons – Grievous Angel
Siempre hay un peso añadido a un álbum lanzado después de la muerte de alguien. «Grievous Angel» de Gram Parsons llegó cuatro meses después de su muerte de una sobredosis en septiembre de 1973. De repente, canciones como «Love Hurts» e «In My Hour of Darkness» adquirieron nuevos significados. Sin embargo, a lo largo de todo el álbum hay temas pertinentes para cualquiera: dolor, anhelo, arrepentimiento, soledad.
Bachman-Turner Overdrive – Not Fragile
«Not Fragile fue cuando todo se unió para nosotros», diría Randy Bachman en 2014, describiendo el lanzamiento de 1974 como «un álbum histórico y nuestro mayor logro». Este es un LP para los fanáticos del rock de arena, el tipo de música pegadiza y fácil de escuchar, perfecta para conducir en el automóvil o escucharla a todo volumen en un tocadiscos.
Bad Company – Bad Company
Grabado en un estudio móvil, el álbum homónimo de Bad Company fue el primero en ser lanzado en el sello discográfico Swan Songs de Led Zeppelin. No todos los debuts causan un gran revuelo, pero el de Bad Company sin duda sí lo hizo, alcanzando el número 1 en los EE. UU. y generando múltiples éxitos, incluidos «Can’t Get Enough» y «Movin’ On».
The Meters – Rejuvenation
Con “Hey Pocky A-Way”, la favorita de los fans, el álbum de 1974 de la banda de Nueva Orleans reúne el funk de grado A de sus primeros días con una producción brillante para crear un álbum estelar.
Frank Zappa – Apostrophe (‘)
En realidad, nunca fue parte del plan de Frank Zappa convertirse en una mega estrella de rock. Por supuesto, el cantante nunca tuvo reparos en ser el centro de atención, ya que formó parte del mundo del espectáculo desde muy joven. Pero su verdadera pasión era hacer música. Entonces, resulta aún más interesante volver a visitar su álbum más exitoso. El primer álbum de Zappa en obtener la certificación de oro, en gran parte gracias al éxito del álbum, «Don’t Eat Yellow Snow» y, como es sabido, este álbum cuenta con Jack Bruce de Cream en el bajo. Este disco realmente muestra el trabajo de guitarra de Zappa, y él realmente sabe cómo aprovecharlo. Si estabas buscando el LP inicial perfecto para un genio del rock, este es el indicado para mostrárselo.
Supertramp – Crime of the Century
El álbum que salvó la carrera de Supertramp fue grabado por una banda en crisis, abandonada por su rico patrón, casi olvidada por su compañía discográfica y con una nueva formación. Pero Hodgson recuerda su realización como «un período mágico». Con «Crime of the Century», Supertramp definió su sonido característico y creó una obra maestra del rock progresivo. Cada tema era un clásico por derecho propio, y con Hodgson y Davies en un estado de ánimo profundamente filosófico, el álbum tenía un peso intelectual a la altura de lo mejor de Pink Floyd. Además, tenía una brillante canción pop, «Dreamer», que le dio a la banda su primer éxito en el Top 20.
Kraftwerk – Autobahn
Kraftwerk tiene una trilogía de títulos clásicos sobre el transporte, y «Autobahn» es el capítulo inicial: un homenaje sonoro de 22 minutos al tramo inicial del sistema de autopistas de Alemania. Esta fue su primera canción que incluía canto humano y, editada en un sencillo de 3 minutos, fue su primer gran éxito en el Reino Unido y Estados Unidos. La mezcla de interpretación en vivo y sintetizada que se encuentra en las suites de la cara dos solo encontraría verdaderos familiares en los estilos ambientales de fregadero de cocina de The Orb unos 15 años después.
Gordon Lightfoot – Sundown
«Sundown» es el único álbum del fallecido Gordon Lightfoot que alcanzó el puesto número uno en los EE. UU. Aquí estaba Lightfoot en su apogeo en términos de composición acústica: partes simples de guitarra, letras sencillas, producción sin complicaciones. Más tarde, Lightfoot se embarcaría en formas más experimentales de hacer discos, pero podría decirse que Sundown siguió siendo el mejor ejecutado.
Al Green – Al Green Explores Your Mind
Siéntate, relájate y deja que Al Green explore tu mente. En este LP de 1974, el fraseo decidido y la voz íntima de Green transmiten una profunda emoción. En un momento se burla de su destreza sexual en «One Nite Stand», y al siguiente profesa su amor eterno en «I’m Hooked on You». Ambos son igualmente cautivadores.
Hall & Oates – War Babies
El tercer álbum de Hall & Oates, «War Babies», adoptó un enfoque de rock más duro que los dos anteriores. A esto ayudó en parte el hecho de que Todd Rundgren no sólo produjo el LP, sino que también trajo a su recién formada banda de rock progresivo, Utopia, para tocar en el álbum. De una forma u otra, este cambio funcionó a favor de Hall & Oates: War Babies se convirtió en su primer álbum en las listas de éxitos.
Randy Newman – Good Old Boys
Después de tres álbumes que arrojaron poco éxito comercial, Randy Newman finalmente encontró algo con «Good Old Boys» de 1974. Newman optó por un enfoque de álbum conceptual, escribiendo canciones desde la perspectiva de varios personajes del Sur Profundo e incorporando eventos históricos como la Gran Inundación del Mississippi de 1927. Aproximadamente a la mitad del LP, Glenn Frey, Don Henley y Bernie Leadon de los Eagles se unen. contribuyendo con coros en «Every Man a King».
Lou Reed – Rock ‘n’ Roll Animal
El set en vivo donde Lou Reed, el personaje, un monstruo del rock & roll que empuña una hipodérmica y que desdibuja el género, ocupó un lugar central. Remodelando los clásicos de Velvet Underground para una nueva generación, esto también representa un punto culminante en el rock de guitarra de los setenta, personificado por una «Sweet Jane» épicamente improvisada.
Ringo Starr – Goodnight Vienna
Cuando algo no está roto, no lo arreglas. Esa es más o menos la mentalidad que Ringo Starr aportó al realizar «Goodnight Vienna», que contó con muchos de los mismos músicos de su último álbum: Billy Preston, Klaus Voormann, Robbie Robertson y Harry Nilsson, por nombrar algunos. Sólo uno de los ex compañeros de los Beatles de Starr, John Lennon, contribuyó a este álbum, quien le escribió la canción principal.
Blue Oyster Cult – Secret Treaties
El álbum de 1974 de la banda de rock de Long Island los vio regresar a sus raíces psicodélicas, mientras seguían alimentando las excentricidades líricas y sonoras que los hicieron tan queridos. El resultado fue el que muchos consideran su mejor álbum hasta la fecha.
Thin Lizzy – Nightlife
Con la presentación de dos nuevos guitarristas, Brian Robertson y Scott Gorham, «Nightlife» vio a la banda realmente tomar forma y produjo los temas básicos de las presentaciones en vivo, “Sha-La-La” y “Still In Love With You”.
Henry Cow – Unrest
El grupo de vanguardia británico Henry Cow tuvo un pequeño problema cuando se reunieron para hacer su segundo disco a principios de 1974: no tenían suficiente material para llenar el LP, así que juntaron algunas improvisaciones de estudio y las pasaron por bucles de cinta. y manipulación y luego sobregrabación de órgano, oboe y guitarra. «Unrest» suena diferente a todo lo lanzado ese año. Destaca especialmente la guitarra poco convencional de Fred Frith.
The Residents – Meet the Residents
No hacía falta tocar ni una sola nota en el álbum debut de los Residents para saber que estos iconoclastas de vanguardia buscaban derribar ídolos y canciones sagradas. Más tarde destrozarían y reorganizarían clásicos del pop; En «Meet the Residents» se conformaron con desfigurar a los Beatles en la portada y encontrar una nueva vida en «These Boots Are Made for Walkin'», abreviado aquí como «Boots» y la introducción al extraño y emocionante mundo de los Residents.
Humble Pie – Thunderbox
En 1975, Humble Pie se separaría (por primera vez), pero aquí hay poca evidencia de la fatiga citada como causa de muerte. Es imposible disfrazar «Thunderbox» como algo más que un enérgico blues-rock, pero cuando lo interpretan Steve Marriott y Clem Clempson, diríamos que es suficiente. El LP apenas turbó las listas de éxitos en 1974, pero merecía algo mejor.
UFO – Phenomenon
Salir de los Scorpions para tocar la guitarra con UFO resultó ser un buen movimiento para Michael Schenker. La banda despidió a Bernie Marsden para hacerle espacio, y Schenker fue sin duda la estrella en el lanzamiento debut de la banda, explotando en los parlantes en temas como Rock Bottom y retrocediendo graciosamente cuando Phil Mogg envuelve sus subestimadas cuerdas vocales alrededor del micrófono. . Era el viejo modelo de blues-rock que habíamos visto miles de veces antes, pero «Phenomenon» lo hizo con arrogancia y encanto.