Las grandes bandas de rock de EE.UU. nos recuerdan al país del norte que inventó el rock and roll. Y que recibió retroalimentación desde cada rincón del mundo a costa de 3 acordes. De improvisación depurada unos. Y de una capacidad de empatía y conexión unos pocos.
Sabemos que quedan varias fuera, y eso lo dejamos para el debate. Acá, nuestra selección de 35 grandes bandas del rock de los Estados Unidos. Otro especial en el mes en que Radio Futuro cumple 35 años.
Metallica
Metallica se basó en los cimientos establecidos por actos de hard rock y metal de los 70 para crear algo más duro, más rápido y más feo en los 80. El debut histórico de la banda en 1983, «Kill ‘Em All», inventó casi sin ayuda el thrash metal, y sus siguientes tres discos llevaron el género a nuevas fronteras de virtuosismo musical y composición progresiva. Metallica evitó con éxito su característico thrash vertiginoso por el hard rock himno de tempo medio en el álbum homónimo «álbum negro» de 1991, que los llevó al mainstream. Los siguientes 30 años trajeron cambios de formación, peleas muy publicitadas, reinvenciones musicales, una lamentable fase de delineado de ojos y millones más de ventas de álbumes mientras Metallica continuaba llevando la antorcha del heavy metal, llenando estadios en todo el mundo en un abrir y cerrar de ojos.
Kiss
Solo había dos formas en que la carrera de Kiss podría haber terminado. Como un éxito espectacular o como un incendio total. La banda con sede en la ciudad de Nueva York combinó su sonido de hard rock despojado con disfraces escandalosos, maquillaje que oculta la identidad y espectáculos en el escenario cada vez más explosivos. Algunos años de gira les permitieron ganar una base de seguidores leales que finalmente provocó el éxito de «Alive!» de 1975. Reclutaron al productor Bob Ezrin para «Destroyer» de 1976. Y pasaron el resto de la década como una de las bandas más populares del país. El maquillaje se mantuvo durante una serie de exitosas giras y álbumes de estudio con los nuevos reclutas Tommy Thayer y Eric Singer. Kiss lanzó su End of the Road Tour, pero es difícil imaginar que no siempre estarán presentes de una forma u otra.
Grateful Dead
Ha sido un viaje largo y extraño para Grateful Dead. Pero uno lleno de improvisaciones psicodélicas, fanáticos devotos y algunas de las presentaciones en vivo más memorables del rock. Su estilo ecléctico y su voluntad de traspasar los límites de la música roots, blues, folk y rock atrajeron mucho al movimiento de contracultura de los años 60. Dirigidos por su líder talentoso y explorador, Jerry García, The Dead se convirtió en una de las bandas más representativas de su época, ofreciendo una forma nueva (y a menudo alucinante) de experimentar la música en vivo. Los años 70 vieron el lanzamiento de sus mejores ofertas de estudio. Pero fueron sus shows en el escenario los que colocaron a la banda en el mapa de las bandas más influyentes, un viaje que concluyó cuando García murió en 1995, aunque los miembros sobrevivientes continuaron de varias otras formas.
Aerosmith
La carrera original de Aerosmith en los años 70, que generó clásicos como «Dream On», «Sweet Emotion», «Back in the Saddle» y «Draw the Line», habría sido suficiente para asegurarles un lugar destacado en esta lista. Es posible que eclásico LP de 1975 «Toys in the Attic» los haya metido en el Top 50 por sí solos, pero el regreso creativo y comercial que comenzó con las vacaciones permanentes de 1987 y se convirtió en uno de los segundos actos más exitosos en la historia del rock los coloca cerca de la cima. Después de una ruptura desordenada que empeoró por problemas de adicción desenfrenados, Aerosmith pudo no solo volver a conectarse con su mojo original, sino también adaptarlo para una generación completamente nueva, aprovechando las técnicas de producción modernas sin perder su valor original en éxitos recientes.
The Doors
The Doors fue la banda definitiva de acid-rock, con bandas sonoras de viajes psicodélicos a mediados de los 60 y principios de los 70. Pero dada esa etiqueta, es fácil olvidar cuánto se destacaron de las masas hippies. Combinando la poesía surrealista y el estilo vocal de Jim Morrison que van desde la monótona mirada muerta hasta el chillido completo. El piano Rhodes cinematográfico de Ray Manzarek (con teclado bajo) y el órgano Vox Continental. La batería influenciada por el jazz de John Densmore. Y las singulares partes de guitarra de Robby Krieger, que fusionaron blues, fusión y sonidos orientales. Casi todas las canciones que grabaron con Mr. Mojo Risin’, desde el brillo de estilo barroco de «Light My Fire» hasta la locura acelerada de «L.A. Woman», son esenciales para el canon del rock estadounidense.
Eagles
Don Henley y Glenn Frey no formaron una banda basada en una larga amistad de la infancia o un parentesco musical. Lo hicieron para ganar montones de dinero, y lo lograron. Recultaron al guitarrista principal Bernie Leadon y al bajista Randy Meisner para desarrollar la formación. Los humildes orígenes de country-rock del grupo produjeron una gran cantidad de éxitos. Pero su carrera se aceleró cuando reclutaron a los guitarristas Don Felder y Joe Walsh, quienes los transformaron en las estrellas del rock de arena que siempre aspiraron a ser. Eagles pasó por una amarga ruptura en 1980, pero se reunió en 1994. Y si esa buena fe no fuera suficiente para consolidar el lugar de Eagles en el panteón del rock clásico, «Their Greatest Hits (1971-1975)» es el álbum más vendido de todos los tiempos en los Estados Unidos, acumulando 38 asombrosos. millones de ventas.
Journey
Journey ha evolucionado a través de una serie de encarnaciones musicales. La constante es Neal Schon. Comenzó Journey a mediados de los años 70 como un grupo centrado en la fusión junto con el producto de Santana, Gregg Rolie. Comenzaron a construir un legado de ventas de platino cuando Steve Perry llegó a fines de los años 70, luego se convirtieron en supernovas en la próxima década cuando Jonathan Cain reemplazó a Rolie. Perry estableció una carrera en solitario paralela en el camino, y siguió un período intermitente. Su partida hizo que Journey cayera en picada, ya que Schon y Cain pasaron por otros dos cantantes mientras sus fortunas comerciales se desvanecían. Sacado de la oscuridad a través de un video de YouTube, Arnel Pineda finalmente ayudó a que Journey se convirtiera nuevamente en un sorteo de conciertos confiable.
Lynyrd Skynyrd
Agosto de 1973 fue un mes fundamental para el rock sureño. The Allman Brothers Band lanzó el vibrante «Ramblin’ Man», y Lynyrd Skynyrd lanzó su LP debut seminal, que estableció su mezcla de encanto de chico bueno y habilidades musicales de élite en canciones como «Free Bird» y «Simple Man». El cantante Ronnie Van Zant fue el alma de la banda de Florida en sus primeros cinco LP, aportando humor y sabiduría a himnos como «Saturday Night Special» y «Sweet Home Alabama». La historia de la banda dio un giro dramático el 20 de octubre de 1977, cuando el líder, junto con el guitarrista Steve Gaines, la corista Cassie Gaines y varios otros, murieron en un accidente aéreo. Después de una pausa de una década, Lynyrd Skynyrd se reagrupó con El hermano menor de Van Zant, Johnny, detrás del micrófono para más álbumes y giras.
Ramones
A medida que el punk rock se hizo realidad en los años 70, ninguna banda estadounidense tuvo una influencia más profunda en el género que los Ramones. Surgidos de Nueva York, donde actuaban regularmente en el legendario club CBGB, el grupo ofreció canciones febriles entregadas a una velocidad vertiginosa. Durante las siguientes dos décadas, los Ramones compusieron algunas de las canciones más emblemáticas de la historia del punk. Aún así, su legado pionero fue mucho más allá de esos favoritos. Múltiples generaciones de artistas, desde contemporáneos como The Clash y Motorhead hasta actos posteriores como Foo Fighters y Pearl Jam, han citado a los Ramones como una gran influencia. El grupo recibió el premio Grammy Lifetime Achievement, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en su primer año de elegibilidad y, a menudo, se clasifica como una de las mejores bandas de todos los tiempos.
Creedence Clearwater Revival
Se podría perdonar a los fanáticos por pensar que la sorprendentemente prolífica Creedence Clearwater Revival era una banda de rock sureña. Sus canciones rockeras, tan a menudo salpicadas de pantanos misteriosos, bagres saltando y el paso ocasional de un barco fluvial, en realidad surgieron de la imaginación fértil de un grupo de amigos de la escuela secundaria de El Cerrito, California. Como una tormenta de verano en el río Mason-Dixon línea, llegaron con un trueno y luego desaparecieron rápidamente, produciendo de alguna manera siete álbumes, seis de ellos platino o multiplatino, en solo cuatro años.
R.E.M.
La carrera pionera de R.E.M. hacia los pioneros del rock alternativo comenzó a principios de los años 80, cuando se formaron en Athens, Georgia, y se convirtieron en una sensación underground. Una base de fanáticos devotos no se tradujo en grandes ventas hasta que las cosas comenzaron a cambiar con «Document» de 1987. La popularidad de la banda creció, al igual que su sonido. La instrumentación más amplia y las influencias musicales variadas, que van desde el folk al pop, desde la música clásica al punk, se convirtieron en tarjetas de presentación del trabajo de la banda. Su álbum de 1991 «Out of Time» ganó tres premios Grammy, al tiempo que generó el el mayor éxito de su carrera, «Losing My Religion». La influyente carrera de R.E.M., que finalizó en 2011, le valió la consagración en el Salón de la Fama del Rock & Roll.
Nirvana
Considerado por algunos como la última gran evolución del rock, el movimiento grunge de los 90 convirtió a una nueva generación de artistas alternativos en superestrellas mundiales. Liderando la carga estaba Nirvana, un poderoso trío de Seattle liderado por Kurt Cobain. Combinando estructuras de canciones clásicas, extraídas de artistas como los Beatles, con un gran peso emocional propio, la banda aprovechó la ira y la vulnerabilidad de los niños en ese momento. Nirvana era la voz de los forasteros, la encarnación de la ansiedad hacia un establecimiento social dominante que dejó marginado a gran parte del público. Pero al mismo tiempo se las arreglaron para ir a la corriente principal. Han vendido más de 75 millones de álbumes en todo el mundo, con «Nevermind» de 1991 convirtiéndose en uno de los lanzamientos definitorios de la generación.
Red Hot Chili Peppers
Red Hot Chili Peppers, que surgieron a finales de los años 80 en el sur de California, fusionaron funk, metal, rap y música alternativa y desarrollaron un sonido propio. El grupo ha lanzado una serie de éxitos atemporales, incluidos «Give it Away», «Under the Bridge», «Scar Tissue», «Californication», «Can’t Stop» y «Dani California». manera -incluyendo cambios de formación y varias batallas con la adicción- pero Red Hot Chili Peppers ha sido capaz de sobrevivir a esas tormentas mientras continúan produciendo material consistente. En el camino, han vendido más de 80 millones de álbumes en todo el mundo y acumulado varios Grammys.
The Beach Boys
Los Beach Boys eran más que un grupo que cantaba sobre chicas, autos y surf. De hecho, hay pocas bandas que hayan tenido mayor impacto en la música popular. Sin su obra maestra «Pet Sounds» de 1966, nunca hubiera existido «Sgt.Pepper»; sin «Smile», el disco que destrozó a Brian Wilson y estuvo archivado durante décadas, la estética DIY del indie rock habría brotado en direcciones diferentes y menos interesantes. Y no se detuvo allí: la serie de álbumes de The Beach Boys de finales de los 60 y principios de los 70 incluye algunos de sus mejores y más maduros trabajos. Si bien se convirtieron en un acto nostálgico de disputas en décadas posteriores, eso no empaña su influencia ni el poder de su música eterna.
ZZ Top
«Los mismos tres tipos. Los mismos tres acordes». Esa es la línea de referencia de Billy Gibbons cada vez que se le pregunta sobre el reinado de medio siglo de ZZ Top como una de las bandas de rock más queridas de Estados Unidos. Pero hay más en la historia que eso. Junto con el bajista Dusty Hill y el baterista Frank Beard, Gibbons creó un sonido distintivo al mezclar blues con la variedad de música que escuchaban en las estaciones de radio mexicanas «de explosión fronteriza» dirigidas por Wolfman Jack. Después de una gira detrás del clásico «Deguello» en 1979, ZZ Top se tomó un descanso prolongado no planificado. Cuando regresaron, Gibbons y Hill se habían dejado crecer sus ahora famosas barbas y remodelaron completamente su sonido.
The Velvet Underground
The Velvet Underground sonaba como nadie más cuando salió su álbum debut en 1967. Más de 50 años después, todavía suenan como pocos en los géneros que han inspirado a lo largo de los años. El cuarteto original hizo solo dos álbumes ruidosos y caóticos juntos, pero su LP homónimo de 1969, cuando Doug Yule reemplazó a John Cale, es un clásico nocturno de bajo perfil. El líder Lou Reed se quedó con uno más, «Loaded», un tema de hostigamiento convencional de la década de 1970, antes de separarse para emprender una carrera en solitario, dejando a la banda en manos de Yule por un álbum legítimamente ignorado. La Velvet nunca vendió muchos discos, pero no encontrará muchas bandas que fueran tan influyentes.
Van Halen
En un momento en que el hard rock estaba pasando de moda, superado por la música disco en los corazones de las masas y el punk en la mente de los críticos, Van Halen irrumpió repentinamente en escena y revitalizó el género. La guitarra innovadora y ultrarrápida de Eddie Van Halen atrajo toda la atención al principio, pero años de trabajo duro en clubes ayudaron a la banda a convertirse en cautivadores artistas en vivo y compositores consumados. La fascinación de Eddie Van Halen por los teclados llevó a «Jump» de 1984, que catapultó a la banda a un nivel de fama aún mayor. Ni siquiera la partida del cantante original David Lee Roth pudo descarrilar a la banda, que siguió abriendo nuevos caminos y encabezando las listas de éxitos con el nuevo líder Sammy Hagar.
Cheap Trick
Para decirlo sin rodeos, Cheap Trick es una de las mejores bandas de singles del planeta. Autores de fragmentos de la perfección del power-pop, impulsados por los acordes cortantes de Rick Nielsen y las melodías altísimas de Robin Zander. Después de trabajar durante años, Cheap Trick explotó en la corriente principal con el triple platino «At Budokan de 1978», que le valió a la banda un fandom al nivel de la Beatlemanía en Japón y elevó el listón de los álbumes en vivo en una década llena de ellos. La influencia de Cheap Trick es evidente desde el espumoso glam metal de Motley Crue y Poison hasta el rock alternativo pop de Nirvana, Green Day y Weezer.
Pearl Jam
La discusión sobre los álbumes debut que cambian el juego generalmente incluye lanzamientos icónicos como Appetite for Destruction de Guns N ‘Roses y los lanzamientos homónimos de Led Zeppelin y Van Halen. Otro LP que merece estar en esa conversación: la obra maestra «Ten» de Pearl Jam de 1991. El álbum presentó himnos inmediatos de la era grunge, incluidos «Even Flow», «Alive» y «Jeremy», al tiempo que anunciaba al mundo la llegada de uno de los nuevos salvadores del rock. Más álbumes seguirían a lo largo de los años, y aunque ninguno pudo igualar los elevados totales de ventas logrados por Ten, mostraron una notable consistencia de calidad que a menudo ha escapado a otros actos. Convertirse en una banda que puede llenar estadios es difícil, mantener ese estatus durante décadas es aún más difícil. De alguna manera, Pearl Jam lo ha hecho parecer fácil.
Guns N’ Roses
Guns N’ Roses alcanzó el oro (y el platino y el multiplatino) en su debut de 1987, «Appetite for Destruction», un cóctel devastador de riffs al estilo de Zeppelin, sordidez aerosmithsoniana y arrogancia de Stones que le dio una rápida patada en los dientes al glam rock. Triunfaron sobre el libertinaje y la disfunción y demostraron su versatilidad en los dos extensos LP «Use Your Illusion» de 1991. La controversia plagó a GNR en todo momento. Sin embargo, en sus buenas noches, GNR rockeaba como pocas bandas en la historia, cautivando a los fans con el chillido de gato callejero de Rose y los incendiarios solos de guitarra de Slash. Se reunieron en el escenario en 2016 por primera vez. tiempo en 23 años, iniciando una gira de reunión tremendamente exitosa que rehabilitó su legado como realeza del rock ‘n’ roll.
Rage Against the Machine
Las mejores canciones de Rage Against the Machine muestran la habilidad única de la banda para mezclar hábilmente el rap y el rock para ofrecer música del tipo más poderoso: políticamente cargada, puntiaguda y con un propósito. El veneno y el vitriolo del líder Zack de la Rocha envolvían un mensaje, y a menudo se le veía actuando como un maníaco, con sus características rastas agitándose alrededor de su cabeza, mientras que la guitarra de Tom Morello funcionaba como un tocadiscos, gracias a barras vibratorias y wah-wahs. La sección rítmica del bajista Tim Commerford y el baterista Brad Wilk agregaron algo de blues y jazz. Todos esos factores combinados fueron los que hicieron que la música fuera tan explosiva e incendiaria.
Pixies
Los Pixies de Boston son prácticamente el puente entre el rock universitario de los 80 y el indie de los 90. Su debut en 1988, «Surfer Rosa», sentó las bases para mucho por venir, incluida la estética fuerte-silencio-fuerte de Nirvana que llevaron a la corriente principal solo unos años después. El cuarteto original hizo solo cuatro álbumes (todos recomendados); una reunión en la década de 2000 ha dado más (quédate con las anteriores). El líder Black Francis pasó a una carrera en solitario y el bajista Kim Deal formó Breeders después de su separación inicial, pero ambos estaban en su mejor momento como socios creativos combustibles siguiendo la línea musical en un mundo nuevo y valiente. No hay una nueva banda de rock digna de sus guitarras que no haya sido influenciada por Pixies de una forma u otra.
Bon Jovi
«Leonard Cohen solía sentarse en casa golpeando por la noche pensando en vender 3 millones de álbumes, y mucho menos 130 millones», dijo Howard Stern mientras inducía a Bon Jovi al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2018. No es uno de los 130 millones de la banda. las ventas mundiales no se ganaron. El líder del mismo nombre Jon Bon Jovi y el guitarrista Richie Sambora formaron uno de los dúos de compositores más formidables de los años 80, produciendo hábiles himnos de pop-metal que fueron diseñados para la supremacía en las listas de éxitos. Su inclinación por la reinvención los ayudó a trascender los confines del difamado género «hair metal», y continúan llenando estadios con la fuerza de su catálogo que abarca géneros y décadas.
Talking Heads
Talking Heads provino de la misma escena de la ciudad de Nueva York de mediados de los 70 que generó luminarias como Blondie, los Ramones y Television. Pero no se parecían ni sonaban en nada a ninguno de sus contemporáneos. Tocando una mezcla de art-rock y new wave, rociada con una pizca de punk y pop, la banda liderada por David Byrne estaba explorando aún más géneros cuando llegó la década de los 80. Con la obra maestra de 1980, Remain in Light, incorporaron música dance, funk, world y electrónica a su sonido. Fueron una de las bandas visualmente más estimulantes de la década y una de las más aventureras. Se separaron oficialmente en 1991, pero su influencia aún se puede escuchar en varios géneros en la actualidad.
Tom Petty and the Heartbreakers
Pocas bandas han capturado la esencia del Sueño Americano como Tom Petty y los Heartbreakers, ellos mismos lo vivieron. Después de viajar desde Gainesville, Florida, a Los Ángeles, consiguieron un contrato discográfico y lanzaron su álbum debut homónimo, que incluía «Breakdown» y «American Girl», y pusieron a la banda en el camino hacia la leyenda. Sus discos encapsulan toda la esperanza, el dolor y la emoción de levantarse de raíces humildes para triunfar en el gran momento: la esencia del Sueño Americano.
Steely Dan
Steely Dan comenzó desde un lugar bastante intelectual. Después de todo, se nombraron a sí mismos memorablemente por una oscura ayuda sexual de la novela Naked Lunch de William S. Burroughs de 1959. Sin embargo, cuando lanzaron Aja con inflexiones de jazz, el famoso escritor se había desencantado. «Esta gente es demasiado elegante», se quejó Burroughs. «Son demasiado sofisticados». De hecho, Donald Fagen y Walter Becker se volvieron cada vez más sofisticados. Pero ese siempre fue el punto, ya que buscaron crear música que fuera tan cerebral como sus letras.
The Byrds
El mandato de The Byrds duró menos de una década, pero su brillante y tintineante sonido californiano dejó una marca perdurable en el mundo de la música folk rock durante años después de su último álbum en 1973. Encabezado por Roger MgGuinn, su primer álbum, Mr. Tambourine Man , contó con éxitos como la canción principal, una versión de Bob Dylan. El siguiente golpe «Turn! Turn! Turn!» estableció el estilo combinado de la banda de música folclórica estadounidense tradicional con el entusiasmo de la invasión británica, completo con armonías muy unidas. Varios de los Byrds tuvieron carreras exitosas en otras bandas: David Crosby se unió a Crosby, Stills, Nash & Young, mientras que Gram Parsons y Chris Hillman fundaron Flying Burrito Brothers.
Soundgarden
La banda de grunge que todas las demás bandas de grunge aspiraban a ser, Soundgarden, fueron los antepasados del género floreciente. A pesar de firmar con un sello importante en 1989, el grupo tardó varios años en alcanzar una gran popularidad fuera de Seattle. Fue «Superunknown» de 1994 lo que los elevó a estrellas mundiales, gracias a «Spoonman», «Fell on Black Days» y el melancólico megaéxito «Black Hole Sun». Más allá de su habilidad para escribir pistas poderosas, el arma no tan secreta de la banda fue Chris Cornell. Bendecido con un rango dinámico, una entrega emotiva y una presencia atractiva, el cantante se ganó rápidamente su lugar entre los líderes más grandes del rock. Aunque la carrera de Soundgarden en la cima del mundo de la música fue breve (se separaron en 1997 antes de reunirse brevemente en 2010), su influencia en el panorama del rock estadounidense fue innegable.
Chicago
Para muchos, Chicago se considera como dos bandas: estaba el grupo de fusión flinty que creó un legado honrado por su inducción al Salón de la Fama del Rock & Roll, y luego está el gigante contemporáneo adulto con ventas de platino. Pero la verdad es que las fuerzas opuestas siempre impulsaron a la banda. Al principio, Chicago era una mezcla del rock duro de Terry Kath, Robert Lamm y Danny Seraphine empujando contra las inclinaciones de jazz de Lee Loughnane, James Pankow y Walt Parazaider. El giro posterior de Peter Cetera hacia las baladas de enfoque suave fue un contraste a menudo discordante con lo que vino antes, pero Chicago ya había comenzado a moverse hacia las canciones más pulidas y suaves que definirían su producción de los 80 mucho antes de la muerte de Kath.
Megadeth
Dave Mustaine fue el guitarrista original de Metallica, pero lo despidieron en 1983 debido a su alcoholismo crónico y sus choques de personalidad con el resto de la banda. Molesto cuando le dieron la patada, inmediatamente decidió formar un grupo que borraría a Metallica del mapa. No tuvo éxito con eso, pero Megadeth evolucionó hasta convertirse en una de las fuerzas del metal más potentes de los años ochenta. La formación ha cambiado mucho a lo largo de los años, pero Mustaine siempre se ha mantenido al mando.
Slayer
Es posible que ninguna otra banda de metal haya acumulado un grupo de fanáticos tan leales y incondicionales como Slayer. Incluso cuando están en cartel con Metallica, parece que hay más fanáticos en la audiencia usando camisetas de Slayer que las del cabeza de cartel. Desde el segundo en que suben al escenario, los gigantes del thrash-metal azotan a la multitud en un frenesí violento como nunca antes habíamos visto. Su disco más querido puede ser «Reign In Blood» de 1986, que fue producido por Rick Rubin, pero para los fanáticos de Slayer, cada LP es un clásico. El cuarteto sigue de gira con la formación original, aunque el guitarrista Jeff Hanneman se vio obligado a perderse algunos conciertos después de infectarse con una bacteria carnívora en el brazo. La banda finalmente se retiró e 2019.
Frank Zappa and the Mothers of Invention
Es algo irónico incluir a Frank Zappa en una lista centrada en bandas. Pocos artistas en la historia de la música tuvieron una visión tan singular y lograron tanto con un estilo de autor. Pero en sus inicios, antes de barajar a los músicos como cartas en una baraja, dirigió a un grupo en particular. Uno que mezcló rock, jazz, vanguardia, R&B, doo wop y proto-prog. Los Soul Giants de California fueron rebautizados como Mothers of Invention en 1964, después de que el guitarrista se uniera y se convirtiera en su líder indiscutible. Zappa los llevó a través de experimentos revolucionarios. Y mostró su humor satírico burlándose de los hippies y de la cultura psicodélica en general. Zappa disolvió la formación original de Mothers en 1969. Y desde allí continuó en gran medida bajo su propio nombre.
Mötley Crüe
Puede que la música no sea lo primero que te venga a la mente cuando piensas en Mötley Crüe hoy en día. Desde su apogeo, la banda ha vendido la historia de su vida con más eficacia que nuevos discos. Y si bien es una gran historia, llena de controversias, luchas internas, cintas de sexo, muertes trágicas, adicciones y altibajos comerciales, es importante reconocer que Mötley Crüe proyectó una sombra gigantesca sobre el mundo del hard rock de los 80. Básicamente se convirtió en ley que cada banda de hair metal lanzaría una balada como segundo sencillo de cada nuevo álbum. Sus espectáculos en el escenario, particularmente las acrobacias de batería de Tommy Lee, también establecen nuevos estándares en cada gira.
Anthrax
De los Big Four del thrash metal, Anthrax siempre ha sido el más explícito en su amor por el hardcore, tanto por su agresión mosh pit como por su sátira política caricaturesca. Los ritmos eficientemente deslumbrantes, las guitarras rítmicas únicas y los eslóganes cantados en grupo que estallaron en «Spreading the Disease» y «Among the Living» los convirtieron en la banda sonora favorita de los skate punks de la costa este a finales de los 80. Y al igual que Testament, los canosos veteranos han lanzado algo de thrash verdaderamente vital en el siglo XXI.
Foo Fighters
No es fácil salir de las sombras de una banda de gran éxito para forjar otra. Pero eso es exactamente lo que hizo Dave Grohl con Foo Fighters. Grohl resurgió de las cenizas de Nirvana con el álbum debut homónimo en 1995. Si bien ese LP fue un asunto completamente en solitario, con Grohl escribiendo cada canción y tocando (casi) cada nota, el baterista convertido en líder desarrolló su formación con «The Color and the Shape» de 1997. La banda continuó lanzando éxito tras éxito en su camino para convertirse en una de las bandas de rock más rentables del mundo. Una legión apasionada de fanáticos ha mantenido a la banda como cabeza de cartel desde sus inicios. No se puede negar que la banda encontró rápidamente un sonido propio, con punk, garage, metal e incluso alguna que otra folk sobre la base grunge de Foo Fighters.