Al revisar la historia del rock, resulta fácil darse cuenta que hacer un gran álbum doble fue mucho más fácil en la era del vinilo.
En aquel entonces, la mayoría de los registros de más de 45 minutos se colocaban en dos vinilos separados. Y cuando metieron mucho más que eso en un disco, la calidad del sonido comenzó a sufrir. Hasta 1966, pocos artistas pensaron siquiera en lanzar un álbum doble, pero el gran éxito de «Blonde on Blonde» de Bob Dylan abrió la puerta. De repente, todos, desde los Beatles hasta Frank Zappa, lanzaron álbumes dobles. Visionarios como Pete Townshend y Roger Waters ya no se vieron obligados a contar una historia en 45 minutos o menos, pero en la era del CD, la duración de un álbum se duplicó de repente.
Eso probablemente explica por qué la mayoría de los álbumes a los que dedicaremos unas palabras se lanzaron antes de la era del CD. Salvo excepciones que incluímso en esta lista de 35 elegidos, dos horas de música es mucho y necesitas un gran álbum para justificar todo ese tiempo.
En nuestro mes aniversario, en Futuro rescatamos los 35 mejores álbumes dobles en el rock según Futuro…
The Beatles – The Beatles (1968)
Los Beatles apenas funcionaban como banda cuando empezaron a editar el «álbum blanco» en la primavera de 1968. La muerte del manager Brian Epstein los dejó sin un líder y empezaron a hervir problemas personales y creativos de larga data. Las cosas se pusieron tan mal que Ringo Starr abandonó el grupo por un breve tiempo, lo que obligó a Paul McCartney a tocar la batería en algunas de las canciones. Los cuatro miembros estaban escribiendo por su cuenta en este momento, y muchos críticos han señalado que el álbum consta de casi cuatro discos solistas fusionados. Nada de eso quita el poder del álbum y, en todo caso, el tono tremendamente variable de las canciones es la mayor fortaleza del álbum. «Rocky Raccoon» no se parece en nada a «Revolution 9», que no se parece en nada a «Piggies», pero de alguna manera, todo funciona. Los Beatles simplemente no podían hacer un mal álbum, incluso cuando no podían soportar verse el uno al otro.
Pink Floyd – The Wall (1979)
Pink Floyd dominó absolutamente la escena en la década de 1970, por lo que fue apropiado que lanzaran su última obra maestra en las últimas semanas de la década. Inspirado por la muerte del padre de Roger Waters en la Segunda Guerra Mundial y los sentimientos cada vez más incómodos del compositor sobre la fama del rock, The Wall es una colección de 30 canciones increíblemente ambiciosa que ha envejecido notablemente bien. Waters pasó los últimos tres años llevándolo a estadios y arenas de todo el planeta, vendiéndose en todos los lugares a los que fue. El álbum le dio a Floyd una tonelada de éxitos de radio («Comfortably Numb», «Hey You», «Mother», «Young Lust», «Another Brick in the Wall Part II»), pero también demostró que la banda ya no funcionaba. como una unidad. Roger Waters despidió a Richard Wright a la mitad de las sesiones, y el bajista y compositor dominó el canto y la escritura del álbum. Pink Floyd continuó durante tres álbumes más, pero nunca con la formación clásica, y nunca lograron crear nada más que pudiera compararse con «The Wall».
The Rolling Stones – Exile On Main Street (1972)
Casi 40 años después del lanzamiento de «Exile on Main Street», Keith Richards todavía estaba tratando de descubrir qué hacía que el álbum fuera tan mágico. «Había algo en el sonido de la sección rítmica allá [en Francia]», dijo en 2010. «Tal vez sea el concreto, o tal vez sea la suciedad, pero tiene un cierto sonido que no podrías replicar si intentado.» Hoy, el álbum es visto como el mejor trabajo absoluto de los Stones, pero no hubo un gran single del álbum doble y recibió críticas muy variadas. «Esperábamos eso solo por el hecho de que era un álbum doble», dijo Richards. “En primer lugar, la compañía discográfica quería reducirlo a la mitad. Así que dijimos: ‘Oh, esto no se ve bien’. Pero también insistimos, «No, esto es lo que hicimos. Esto es Exile on Main Street, e insistimos en que es un álbum doble». Así que tuvo un despegue lento, pero desde entonces, ha estado ahí arriba. Además, es el primer álbum sin ningún single en particular, ¿sabes? No hubo ‘Brown Sugar’ o lo que sea. Lo hicimos como un álbum, en lugar de buscar un sencillo exitoso «.
Bob Dylan – Blonde On Blonde (1966)
Bob Dylan y muchos de sus compañeros lanzaban dos álbumes al año en la primera mitad de la década de 1960, por lo que lanzar un LP doble no tenía mucho sentido. Además, el álbum como forma de arte realmente no se hizo realidad hasta alrededor de 1965, cuando Bob Dylan y los Beatles comenzaron a verlos como más que un montón de canciones empaquetadas juntas. Cuando Dylan comenzó a crear su continuación de «Highway 61 Revisited«, tenía tantas canciones geniales que simplemente no podían caber en un solo álbum, especialmente después de que escribió «Sad-Eyed Lady of the Lowlands» de 11 minutos. Columbia acordó lanzar «Blonde on Blonde» como un álbum doble, sin darse cuenta de que era un momento histórico.
Iron Maiden – The Book Of Souls (2015)
Los íconos del metal británico lograron un gran éxito mundial con su 16º álbum de estudio «The Book Of Souls». Con poco más de 90 minutos, fue la salida más épica de la banda hasta el momento. El cierre de dieciocho minutos Empire Of The Clouds reemplazó a The Rime Of The Ancient Mariner como la pista más larga de la banda, y si tocas eso, «The Red And The Black» y «The Book Of Souls» seguidos, tendrías un tiempo de ejecución más largo que todo el álbum «The Number Of The Beast». «En cierto modo, fue puramente accidental porque no teníamos ni idea del orden del álbum hasta que lo terminamos”. Así que llegamos a la pista seis y bajé [en el estudio] a Steve y le dije ‘o paramos ahora o es un álbum doble'», dijo Bruce Dickinson a Kerrang!.
Bruce Springsteen – The River (1980)
Es bastante sorprendente que «The River» sea el único álbum doble del catálogo de Bruce Springsteen. El compositor a menudo escribe muchas más canciones de las que puede contener un solo álbum. Escribió más de 60 temas para «Darkness on the Edge of Town» de 1978, dejando fuera del disco clásicos como «Because the Night» y «Fire». Originalmente le dio a Columbia un disco en 1979 llamado «The Ties That Bind», pero luego los volvió a llamar para poder seguir grabando. Quería equilibrar temas sombríos como «Drive All Night» y «The River» con canciones de fiesta como «Ramrod» y «Crush on You». El resultado es un álbum doble extremadamente sólido, aunque Steve Van Zandt te dirá que el Jefe aún graba muchas de las mejores canciones. Echa un vistazo a la caja de «Tracks» para escuchar tomas descartadas de «The River» como «Restless Nights» y «Loose Ends». Quizás debería haber sido un álbum triple.
Led Zeppelin – Physical Graffiti (1975)
Led Zeppelin se encontró con un pequeño problema cerca del final de las sesiones de «Physical Graffiti» en 1974. Tenían ocho canciones que amaban absolutamente, pero no podían caber todas en un solo álbum. No querían grabar más canciones solo para lograr un álbum doble, así que revisaron su bóveda y excavaron suficientes tracks para completar el segundo disco. Las tomas descartadas encajan a la perfección con el nuevo material y pocos fans conocían la verdadera historia detrás del álbum. Sabían que el nuevo álbum de Zeppelin era el más largo hasta ahora.
Guns N’ Roses – Use Your Illusion (1991)
Para su lanzamiento en septiembre de 1991, ambos volúmenes de «Use Your Illusion» de Guns N’ Roses se habían convertido en la continuación más esperada de un debut que nuestras viejas y confusas mentes puedan recordar. Típico de ser la banda más grande del mundo, Guns N’ Roses lo hizo de manera importante. Algunos podrían decir demasiado, ya que la naturaleza exagerada de «Use Your Illusion» representó un desafío para los primeros fans de la banda. Pero su estatura épica conquistó al mundo entero.
The Clash – London Calling (1979)
«London Calling» de The Clash dura más de 65 minutos, lo que lo convierte en uno de esos álbumes dobles que cabe fácilmente en un solo CD. Podrían haber cortado algunas canciones para encajarlas en un disco, pero ¿cómo pudieron haber hecho esos cortes? Cada canción de «London Calling» es prácticamente impecable, la fusión perfecta de punk, reggae y rockabilly. «Fue un punto en el que todos se sentían muy cómodos estando en el estudio y grabando», dijo recientemente a Rolling Stone el bajista de The Clash Paul Simonon: «Pero para agregar a eso, teníamos a alguien llamado [productor] Guy Stevens. Era realmente importante y ayudó a crear una atmósfera muy positiva, aunque estaba un poco loco. Pero era como un director. mejor en todos».
The Who – Quadrophenia (1973)
La mayoría de la gente ve el álbum «Who’s Next» de 1971 de The Who como una obra maestra absoluta, pero para Pete Townshend, es simplemente una prueba de que no pudo lograr su sueño de completar su locamente ambicioso proyecto «Lifehouse». Cuando se recuperó del trauma de esa experiencia, dirigió sus energías creativas hacia una nueva ópera rock sobre un joven fan de The Who llamado Jimmy en 1964. Es parte de la escena Mod pero nunca siente que encaja con sus amigos o familiares. Se sube a un tren y se dirige a Brighton, pero las cosas parecen empeorar. A diferencia de «Tommy», la historia de «Quadrophenia» es bastante fácil de seguir y los niños de todo el planeta están relacionados con la angustia de Jimmy. No hubo un single masivo como «Pinball Wizard», pero muchos fanáticos de Who lo ven como el mejor trabajo del grupo. Además, nunca habría funcionado en un solo álbum. Simplemente hay demasiada historia que contar.
Smashing Pumpkins – Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995)
El gran éxito de «Siamese Dream» le dio a Smashing Pumpkins mucha libertad creativa. Los rockeros alternativos de Chicago estaban repentinamente en MTV y el presupuesto para su tercer álbum aumentó. Pasaron innumerables horas en el estudio de grabación en el verano de 1995, y finalmente produjeron las 28 canciones de «Mellon Collie and the Infinite Sadness». Fue un gran éxito entre los fanáticos y críticos, anotando éxitos con «1979», «Bullet With Butterfly Wings» y «Tonight, Tonight». Llevó a la banda a las arenas y, durante un corto tiempo, estuvieron en la cima del mundo, pero la repentina muerte de su teclista de gira Jonathan Melvoin en julio de 1996 envió al grupo a una espiral descendente. «Mellon Collie and the Infinite Sadness» marcaó la última vez que los Smashing Pumpkins originales grabaron juntos, y un segmento muy vocal de su base de fans lo ve como su mejor trabajo absoluto.
Elton John – Goodbye Yellow Brick Road (1973)
Elton John estaba en el punto en 1973 en el que podría lanzar un álbum doble de melodías grabadas en la ducha con su gato manejando la mitad de las voces y sería un éxito mundial. Pero «Goodbye Yellow Brick Road» contiene sus mejores canciones: épicas, con actitud, éxitos del pop y estándares pasados de moda adaptados para guitarras eléctricas. Y todo encaja como uno de los discos con mejor sonido de la década.
Guns N’ Roses – Use Your Illusion I & II (1991)
De acuerdo, los dos volúmenes se lanzaron por separado, pero salieron simultáneamente y con cada uno disponible en un formato de disco de vinilo doble. Sepodría ver esto como un álbum cuádruple si realmente se quisiera. Claro, hay algo de grasa que recortar en algunos lugares, pero todavía hay suficientes canciones genuinamente clásicas («November Rain», «Civil War», «You Could Be Mine») para llevar esto firmemente a la lista. Sin embargo, solo piensa en el increíble álbum sencillo que podrían haber sacado de él.
Fleetwood Mac – Tusk (1979)
Fleetwood Mac siguió el trillón de ventas de «Rumors» con uno de los discos más extraños jamás publicados por una banda superestrella. Costó más de 1 millón de dólares, un número récord en 1979. Y, como el ‘álbum blanco» de los Beatles, suena como varios discos en solitario de varios miembros con sus compañeros de banda actuando como músicos de apoyo. Pero es un triunfo de estilo y sustancia, y un proyecto maravillosamente matizado que gana su gran extensión.
Derek and the Dominos – Layla and Other Assorted Love Songs (1970)
El ciclo definitivo de canciones de amor en todos sus complicados matices, desde no correspondido hasta despreciado y con el corazón roto. Eric Clapton hizo una lluvia de ideas sobre el proyecto a la luz de su complicada relación con su amigo George Harrison y la esposa de Harrison, por quien Clapton suspiraba. A través de una sólida mezcla de originales y versiones, Clapton y la banda, incluido Duane Allman, atraviesan el agujero de su corazón.
The Jimi Hendrix Experience – Electric Ladyland (1968)
El tercer álbum de The Jimi Hendrix Experience es su experiencia más rica a nivel auditivo, una sobrecarga de ideas musicales de los espacios exteriores de su mente. Los patrones y texturas en capas a lo largo del álbum permanecen entre los más visionarios del rock. «Electric Ladyland» es una mezcla de rock, blues, jazz, soul, funk y folk que filtra los años 60 a través de un sueño febril futurista.
The Who – Tommy (1969)
Pete Townshend llamó al cuarto álbum de The Who una ópera rock, y abrió las puertas a un montón de discos pretenciosos y desordenados durante las siguientes décadas. Pero la extensa y ambiciosa historia de The Who sobre el despertar de un niño (sexual y de otro tipo) se cuenta a través de un golpe de guitarras, tambores y voces de dios del rock. Nadie más se acercó siquiera. Y pro eso lo incluímos 2 veces en esta lista.
Electric Light Orchestra – Out Of The Blue (1977)
A pesar de todo el aire caliente sobre el punk rock en 1977, las listas británicas estaban dominadas por «Saturday Night Fever», «Mull Of Kintyre» y «Out Of The Blue». El líder de ELO, Jeff Lynne, un fanático de los Beatles barbudo, a punto de cumplir 30 años, era precisamente el tipo de viejo aburrido que los punks habían llegado a enterrar. También estaba sufriendo un bloqueo de escritor cuando comenzó a trabajar en este álbum en un retiro de montaña suizo, donde estuvo cabreado durante dos semanas seguidas. Pero como recordó: «Un día me levanté y el sol brillaba, todas las montañas se iluminaron y se me ocurrió al Sr. Blue Sky». A partir de ahí, Lynne creó su obra maestra. Out Of The Blue está lleno de grandes canciones: Turn To Stone, Wild West Hero, Steppin ‘Out, Sweet Is The Night. Su gloria culminante es el Concerto For A Rainy Day de 18 minutos y cuatro canciones brillantemente realizado, que termina con esa canción maravillosa que llegó a Lynne en esa mañana soleada.
Dream Theater – Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)
Esta obra maestra tomó el concepto del álbum conceptual y lo duplicó. La suite conceptual del primer disco exploró temas de lucha personal, incluido el alcoholismo, la pérdida de la fe y el autoaislamiento. La segunda fue una extensa pista de 42 minutos que cuenta la historia de seis personas diferentes que padecen diferentes enfermedades mentales. La música emplea elementos de metal, clásica, jazz y más sin perder nunca la cohesión y es tan lograda como cabría esperar.
Nine Inch Nails – The Fragile (1999)
En muchos sentidos, esto fue una secuela de «The Downward Spiral», pero en los cinco años posteriores al lanzamiento de esa pieza particular de angustia e inmundicia, Trent Reznor había ampliado su visión. «The Fragile» sigue siendo el sonido de una mente a punto de desmoronarse, pero tiene más matices, con paisajes sonoros y una atmósfera que reemplazan, o al menos acompañan, el asalto total distorsionado. Reznor le dijo a Los Angeles Times: «Quería que este álbum sonara como si hubiera algo inherentemente defectuoso en la situación, como si alguien estuviera luchando por juntar las piezas. ‘Downward Spiral’ se trataba de despegar capas y llegar a un final desnudo y feo. Este álbum comienza al final, luego intenta crear un orden a partir del caos, pero nunca alcanza la meta».
Genesis – The Lamb Lies Down on Broadway
Lo que siempre hizo interesante a Genesis, sin importar quién fuera la voz principal, fue que eran una banda de rock progresivo encantada con la música pop. Ninguna banda antes o desde entonces sonó más alegre tocando melotrones y guitarras de 12 cuerdas en 7/8. En este, su último álbum con Peter Gabriel, esos instintos competitivos de pop y prog se unieron para lograr el mayor efecto. Un álbum conceptual sobre un artista de graffiti de Nueva York que es absorbido por otra dimensión llena de lamias, rastreadores de alfombras, zapatillas y otros productos extraños de la imaginación febril de Gabriel, The Lamb basa su tema surrealista en algunos de los mejores riffs y melodías más bonitas de la banda. Solo trata de no rockear con el ataque pesado y metálico de «Fly on a Windshield» o tararear con «Counting Out Time», tan pegadizo como cualquier cosa de la era de Collins, pero el doble de extraño. También es, no por casualidad, el álbum más divertido de Genesis, con frases como «He’ll whip off your windshield wiper» para describir una secuencia particularmente ridícula que implica la extracción del pene.
The Allman Brothers Band – At Fillmore East (1971)
Solo hay 7 canciones en el álbum en vivo de 1971 de The Allman Brothers «At Fillmore East», pero no había forma de que un solo álbum pudiera contener uno de sus conciertos en ese entonces. «Whipping Post» solo tiene más de 23 minutos de duración y ocupa una cara completa. El disco llegó a los estantes solo tres meses antes de la muerte de Duane Allman, y sigue siendo el documento definitivo de su show en vivo durante su permanencia en la banda. El álbum se ha expandido varias veces a lo largo de los años, y el actual tiene un loco «Mountain Jam» de 33 minutos que necesita ser escuchado para creerlo.
Stevie Wonder – Songs In The Key Of Life
17 temas de pura alegría soul-funk de Stevie Wonder. Desde «I Wish» a «Sir Duke» y «Isn’t She Lovely» a «As», es un disco que cualquier fanático de la música respetable no debería perderse.
George Harrison – All Things Must Pass
Sí, técnicamente es un álbum triple, pero teniendo en cuenta que sería muy difícil hacer una lista de los mejores álbumes triples, además del hecho de que el disco tres es en gran medida no esencial, el increíble primer disco en solitario de George Harrison podría decirse que entra en la categoría de álbum doble. Aunque Harrison se resignó a contribuir solo con un par de canciones para cada nuevo álbum de los Beatles, el guitarrista principal de la banda había acumulado docenas de canciones cuando la banda se separó en 1970, por lo que decidió reunir a un grupo de amigos músicos, incluido Eric Clapton, Ringo Starr y Peter Frampton y comienzan a grabar. El resultado fue All Things Must Pass, posiblemente el mejor álbum en solitario lanzado por un ex-Beatle, que incluye ahora clásicos como «My Sweet Lord», «What is Life» y «Isn’t It a Pity». Con este álbum, Harrison confirmó que su pequeño tamaño de muestra con los Beatles no fue casualidad y que era un compositor tan fuerte como Lennon o McCartney.
Wilco – Being There
Aunque «Yankee Hotel Foxtrot» está clasificado unánimemente como el mejor álbum de Wilco, su segundo álbum doble, «Being There», es el más ambicioso. Al contrastar sus canciones de country alternativo más tradicionales con el rock psicodélico y la experimentación sónica, Being There sentó las bases para el legado que sería el resto de su carrera e introdujo su sonido a lo grande. En otras palabras, no existiría «Yankee Hotel Foxtrot» sin «Being There».
Arcade Fire – Reflektor
Con la ayuda de James Murphy de LCD, un recién llegado poco conocido llamado David Bowie y otros, la banda de Montreal cedió parte del rock and roll de su esencia y se acercó al dance.
Soft Machine – Third
«Third» es la obra maestra de Soft Machine. Su mezcla masiva e impredecible de jazz, psicodelia, rock progresivo y vanguardia sigue siendo potente y muy única más de cinco décadas después. Puede parecer algo áspero y oblicuo añ principio, pero te logra cautivar. Es el monolito de su discografía.
Sonic Youth – Daydream Nation
Con 70:47, el álbum número cinco de los influyentes neoyorquinos, «Daydream Nation», fue tan largo como emocionantemente progresivo: un gran paso adelante para la banda de Thurston Moore, llena de ritmos desbocados y guitarras explosivas. Su legado se escucha en muchas bandas de guitarras que están surgiendo hoy.
Nick Cave & The Bad Seeds – Abattoir Blues/The Lyre Of Orpheus
Uno rápido y furioso, el otro de combustión lenta y lujuriosa, la epopeya de doble disco de Cave de 2004 empaquetada en un solo lanzamiento, dos caras del poeta sombrío. 10 años después, temas como «Let the Bells Ring» y «Babe You Turn Me On» tienen precisamente el mismo poder que tenían hace una década.
Miles Davis – Bitches Brew
Uno de los álbumes más importantes, por no hablar de los dobles, de todos los tiempos. También fue polémico en su lanzamiento: oscuro, extraño, histriónico, defectuoso y un punto de inflexión en el jazz, que abarca sonidos de improvisación e instrumentos eléctricos.
Prince – Sign O’ The Times
Nunca desanimado, el primer álbum de Prince solo después de dejar The Revolution no fue una tímida introducción a la vida en solitario, sino una salvaje y serpenteante odisea de funk-rock de 79 minutos que abordó temas como el género, la guerra, la lujuria y la depresión.
Chicago – Chicago II
La banda en su mejor momento estridente y jazzístico. El lado dos es tan bueno como parece: «Wake Up Sunshine» es seguido por «Ballet for a Girl in Buchannon» del trombonista de la banda, James Pankow. La suite de 13 minutos incluye dos grandes sencillos: «Make Me Smile» (un éxito en el puesto n.° 9) y el favorito de los años 70, «Colour My World» (n.° 7), ambos cantados por el gran guitarrista Terry Kath. El ciclo termina con el espectacular dúo de «To Be Free» y «Now More Than Ever», puntuado por el baterista Danny Seraphine. Lo más destacado de Record-2 es «25 or 6 to 4» (un éxito número 4), que presenta el brillante solo de guitarra de Kath y la gran voz principal del bajista Peter Cetera. Puntos de bonificación: el álbum se tituló originalmente «Chicago», pero se le cambió el nombre cuando la banda adoptó los números romanos similares al Super Bowl con el seguimiento.
Hüsker Dü – Zen Arcade
Hüsker Dü siempre fue una banda con una gran ambición. “Vamos a tratar de hacer algo más grande que cualquier cosa como el rock’n’roll y toda la idea de las giras de bandas insignificantes. No sé qué va a ser, tenemos que resolverlo, pero va a ir más allá de la idea de ‘punk rock’ o lo que sea”, dijo el guitarrista y vocalista Bob Mould a Steve Albini en el fanzine Matter. Eso puede sonar algo pomposo considerando que Zen Arcade, la historia de un niño que se escapa de casa solo para descubrir que el mundo exterior es aún peor, era esencialmente una colección de himnos de rock con guitarra. Sin embargo, tenían una resonancia emocional maravillosa, y su unión de la estética hardcore con elementos más pop y melódicos proporcionaron un modelo de rock alternativo que todavía se puede escuchar hoy.
Red Hot Chili Peppers – Blood Sugar Sex Magick
Un extenso set de 17 pistas que impulsó a RHCP a las grandes ligas. Incluye el atemporal «Under The Bridge», el inquieto «Give It Away», el descarado «Suck My Kiss» y el pesado «Breaking The Girl». «Stadium Arcadium» fue otro doble, pero no estaba tan perfectamente formado.
Minutemen – Double Nickels on the Dime
El punk rock nunca fue solo canciones de dos minutos con tempos rápidos y estructuras de tres acordes, pero se volvió francamente grandioso en julio de 1984, cuando dos grandes bandas estadounidenses clandestinas lanzaron LP dobles con días de diferencia. Aunque el otro de esos álbumes, «Zen Arcade» de Hüsker Dü, es brillante por derecho propio, nos vemos en la obligación de sumar «Double Nickels on the Dime» de Minutemen, no solo porque son héroes locales sino porque la mezcla de primitivismo punk, experimentación con jazz y urgencia funk de su álbum ha envejecido tanto mejor que lo de Hüsker Dü. El bajo explosivo de Mike Watt sigue siendo el ingrediente principal que distingue a la banda de sus compañeros, pero la guitarra parlanchina y la voz burlona de D. Boon nunca sonaron mejor que en el punk-funk aplastante de «Viet Nam» y «West Germany». ”, y el baterista George Hurley hizo una contribución bienvenida a la locura con su piss-take de jazzbo, “You Need the Glory”. El punk de los 80 nunca se volvió más extraño o más inteligente que Double Nickels.