Marillion, el grupo de rock progresivo nacido en Aylesbury, Buckinghamshire (que debe su nombre al libro de JRR Tolkien, El Silmarillion), fusionó la grandiosidad inspirada en Genesis con una caja de juguetes de la era de los sintetizadores que coqueteaba con la alegría del pop new wave. A principios de los 80, con letras fantásticas que nos permitieron sumergirnos profundamente en la psique del compositor escocés Fish, las mejores canciones de Marillion estaban llenas de los riffs audaces del guitarrista Steve Rothery y los arrebatadores ganchos de sintetizador del tecladista Mark Kelly.
Desde el enérgico chillido con influencias punk de su sencillo debut, «Market Square Heroes». Hasta las apasionadas súplicas románticas de su éxito en el Top 5 del Reino Unido, «Kayleigh». Marillion continuó la búsqueda excéntrica que emprendió Peter Gabriel con la encarnación de Genesis en los 70. Y desafió las probabilidades al reformular el rock progresivo a su propia imagen. Y en 1989 la banda encontraría un nuevo frontman en la figura de Steve Hogarth, con el que se mantienen tocando y recorriendo el mundo.
En el cumpleaños 65 del gran Steve Rothery, en la radio del rock elegimos las 10 mejores canciones de Marillion. De todas sus eras y encarnaciones.
Kayleigh
Alcanzando el número 2 en el Reino Unido y el número 74 en los EE. UU.; «Kayleigh» es la leyenda del rock de los 80. Tiene el icónico riff de guitarra de apertura de Steve Rothery y algunas de las letras más personales de Fish hasta la fecha. La canción es una balada progresiva magistral que catapultó a Marillion a la prominencia. Todo luego de una aparición estelar en el programa de chat Wogan de la BBC TV. Después de su actuación, Malcolm Hill, exjefe de promociones de EMI, tocó a Fish en el hombro y le dijo «esa pequeña sonrisa que hiciste al final rompió el corazón de todas las madres en Gran Bretaña». Escrita sobre Kay, la exnovia de Fish (su segundo nombre era Lee), la canción es un canto himno al dolor y al arrepentimiento profundo. Y convirtió a Marillion en nombres familiares.
Easter
Steve Hogarth se convirtió en el nuevo vocalista de Marillion en 1988. Y la opinión entre la gran base de fans de la banda parecía dividida en partes iguales entre aquellos que instantáneamente se entusiasmaron con él y aquellos que simplemente no podían aceptar que Fish ya no estuviera al mando. La clave para ganarse a los escépticos vino con canciones como «Easter». Una disección emocionalmente abrumadora de «The Troubles of Northen Irland «que contaba con una melodía tan incisiva y conmovedora que a muchos devotos de Fish les resultó imposible resistirse. Sigue siendo un elemento básico devastador y confiable de los sets en vivo de la banda en la actualidad.
Lavender
Desde sus notas de piano hipnóticas y tristes iniciales, «Lavender» se convierte en una balada épica. Y es quizás la única canción de rock británica Top 5 que hace referencia a una canción infantil del siglo XIX. Evoca a la perfección el segmento onírico de la historia conceptual que subyace a «Misplaced Childhood». «Lavender» es un canto majestuosamente nostálgico que carece de la ostentación inspirada en el progreso de los primeros trabajos de Marillion. Pero, sin embargo, es seductora. Supuestamente influenciado líricamente por el álbum de 1975 de Joni Mitchell, «The Hissing Of Summer Lawns», prácticamente puedes oler el ensueño primaveral de «Lavender». Ese que domina los sentidos como solo las mejores canciones de Marillion pueden hacerlo.
Gaza
A diferencia de muchas bandas veteranas, Marillion nunca ha perdido el deseo de explorar nuevos territorios, tanto musicales como líricos. Una épica intrépida y compasiva que marcó el comienzo de la inmaculada y dinámica expansión de «Sounds That Can’t Be Made» de 2012 de una manera sorprendente, «Gaza» ciertamente se ocupa de los espinosos problemas sociopolíticos y humanitarios del conflicto israelí / palestino, pero donde otras bandas podrían Sea pomposo y torpe, la poesía afilada de Hpgarth y la impactante potencia de su interpretación vocal aseguran que el impacto de «Gaza» sea vasto y duradero.
Incomunicado
El sencillo principal de «Clutching At Straws» de 1987, «Incommunicado» es, sin duda, una de las mejores canciones de Marillion, y posiblemente el rockero más sencillo que grabaron. “Siempre me encantó The Who, y quería hacer más cosas rockeras”, dijo Fish más tarde. Con un memorable gancho de teclado de Mark Kelly que el cantante describió en broma como «el material de sintetizador increíblemente loco», la canción fue una celebración alegremente irónica de abrazar todas las ventajas de la fama («Quiero hacer anuncios para American Express tarjetas/Talk shows en horario de máxima audiencia/Una villa en Francia”). El tercer sencillo de Marillion en romper el Top 10 del Reino Unido, Incommunicado alcanzó su punto máximo en el número 6 y llenó con éxito el virtuosismo progresivo innato de la banda en un tour de force desvergonzadamente amigable con la radio.
Separated Out
Aunque su música se ha vuelto cada vez más experimental a lo largo de los años, Marillion nunca ha perdido la capacidad de rockear cuando es necesario. «Separated Out» es una de las cosas más ruidosas que la banda ha grabado, y el único momento en el altamente evolucionado álbum «Anoraknophobia» que dejó a los fanáticos de mentalidad más tradicional en un hueso … aunque aún sonando completamente contemporáneo y sin preocuparse por apaciguar a los puristas.
Market Square Heroes
Por mucho que los fanáticos del punk detesten admitirlo, el sencillo debut de Marillion, «Market Square Heroes», compartía el mismo espíritu que las diatribas rencorosas de Sex Pistols. «Había una especie de cosa punk, un verdadero escupitajo y veneno al respecto», dijo Fish más tarde sobre la canción. “Podría haber sido todo inteligente, inteligente en cuanto a la música, pero la entrega tenía mucho más ataque”.
Contando la historia de Brick, un agitador de izquierdas que intenta iniciar una revolución en un pub local, «Market Square Heroes» parece satirizar el idealismo político detrás de la legión de acólitos de Johnny Rotten («Soy tu Anticristo/Muéstrame lealtad/ ¿Me estás siguiendo?»). El primer lanzamiento de Marillion que presenta obras de arte del ilustrador Mark Wilkson, quien luego crearía muchas de las mejores portadas de álbumes de Marillion, el sencillo merece su lugar entre las mejores canciones de Marillion por dar en el blanco en el auspicioso ascenso del grupo a neo-progresivo. notoriedad.
The Great Escape
Sin ser un intento de salvar su estatus como gigantes del rock progresivo y más como un ejercicio necesario para seguir las ideas musicales y temáticas hasta su conclusión más fructífera, «Brave» fue el primer álbum conceptual genuino de la era Hogarth. Una obra maestra de combustión lenta que combinó hábilmente la grandeza de antaño con las nuevas sensibilidades exploratorias de la banda. Alcanzó su punto máximo con «The Great Escape». Una canción que encapsula todo el dolor, el patetismo y el dualismo de la narrativa subyacente de «Brave» en seis y medio suntuosos minutos.
He Knows You Know
Fue con su segundo sencillo, «He Knows You Know», que Marillion obtuvo su primer éxito en el Top 40 del Reino Unido; alcanzando el puesto 35 en febrero de 1983. Escrito a raíz de un bajón de LSD cuando Fish trabajaba en Aylesbury, sus letras negras ven al cantante desahogarse de una manera mordazmente paranoica («Tienes veneno en el estómago / Tienes veneno en la cabeza»).
Rebosante de toda la angustia del punk rock y con inquietantes puñaladas de sintetizadores y los aullidos idiosincrásicos de Fish, es una canción que demuestra que Marillion era mucho más audaz que sus contemporáneos progresivos. Lanzado como el primer sencillo de «Script For A Jester’s Tear», «He Knows You Know» también hizo incursiones en los EE. UU. al alcanzar el puesto número 21 en la lista de rock de Billboard.
The Invisible Man
Sumergiéndose en un mundo desgarrador de alienación casi al estilo de Ballard y dolor silencioso, «The Invisible Man» proporcionó al doble set de «Marbles» de 2004 de una apertura de 14 minutos absolutamente devastadora. Con las letras de Steve Hogarth y la entrega angustiada en el centro del escenario, es un acto sublime de cambio de forma sónica y una auténtica montaña rusa emocional que es, en realidad, mucho más progresiva que cualquier cosa que la banda haya grabado en los 80, y con la ventaja adicional de que muchos fans ( de cierta edad) pudo reconocer inmediatamente el caos existencial que la canción explora hábilmente. Una obra maestra agotadora.
