Si aplicamos la política del LP debut de Rage Against the Machine al clima actual, es obvio que el mundo no ha cambiado como esperaban los rebeldes de Los Ángeles. La línea icónica, «Algunos de los que trabajan fuerzas / Son los mismos que queman cruces»; ahora puede describir a los supremacistas blancos vestidos de polo y con antorchas tiki que marcharon por las calles de Charlottesville en 2017. Mientras Estados Unidos finalmente quedó dividido el día de las elecciones de 2016 con Donald Trump como presidente; el alcance de la rabia política de hoy se predijo esencialmente durante el debut de Rage Against the Machine en 1992. Un disco que se lanzó hace 31 años, el 03 de noviembre de 1992.
RATM nació de los huesos de los proyectos anteriores de los miembros. Zack de la Rocha estaba al frente de la banda de hardcore Inside Out; mientras que Tom Morello tocaba en la banda de funk-metal Lock Up. El baterista de Lock Up, Jon Knox, convencería a Tim Commerford y de la Rocha de tocar con Tom Morello; ya que estaba buscando formar una nueva banda. Con la ayuda de Brad Wilk, formaron lo que se convertiría en Rage Against the Machine; un nombre tomado de un álbum planeado para Inside Out.
«Rage Against the Machine», el diosco, se desarrolló a partir de la cinta de casete autoeditada original de doce canciones de la banda. Ese demo incluía recortes de informes de periódicos del mercado de valores combinados con el nombre de su banda en la parte superior y una sola coincidencia pegada en el centro. El álbum homónimo es una expansión de ese tema; utilizando una imagen del monje budista vietnamita Thích Quảng Đức prendiéndose fuego en protesta contra su gobierno. Su inmolación es la política de Rage hecha realidad; sacrificar cada parte de ti mismo para expresar lo que es correcto.
Con el rap rock en un punto álgido y los grupos formando versiones huecas de lo que Red Hot Chili Peppers perfeccionó, Rage Against the Machine tomó el ritmo y el groove del hip-hop y lo fusionó con el tipo de funk que Morello introdujo con Lock Up.
El que abre el disco, «Bombtrack», es tan incendiario como su título sugiere; con las letras de Zack de la Rocha torciendo la fanfarronería del rap y evocando tanta agresión como sea posible; presentándose a sí mismo con un gutural «¡ughh!» El fuego sigue siendo una constante a lo largo de la pista; estableciendo en la cabeza del oyente que lo que estás escuchando es sin duda algo peligroso; tal vez incluso un arma.
La belleza de la política de la banda es la capacidad de abordar temas complicados y controvertidos; como la brutalidad policial contra los hombres negros; destilar la ira pura que se siente al leer sobre ella y transformarla en una canción. «Killing in the Name» se ha convertido en uno de los temas característicos de la banda por este motivo. Musicalmente, los miembros crean una dinámica de empujar y tirar; iniciar y detener desde el principio. Construyendo un ritmo, los riffs suenan como si un lado estuviera luchando contra el otro antes de resolverse en silencio.
La repetición se convierte en la clave del tema Solo se pronuncian unas ocho líneas diferentes en los cinco minutos de duración de la canción. Todo tiene un peso, la voz de De la Rocha difumina la línea entre rapear, gritar y cantar. Los riffs de Morello cruzan como un tanque. Su pesadez funky crea un tono tan específico que lo solidificaría como uno de los músicos más memorables de la música rock.
Cuando la canción se enciende por completo, Morello y compañía convierten sus instrumentos en ruidosos estáticos. Mientras Zack repite en voz baja «Vete a la mierda, no haré lo que me digas», hasta que llega a un punto álgido. En una sola canción, la banda combinó la ética y la actitud del punk con las texturas metálicas y melancólicas del heavy metal para crear algo infinitamente atractivo para los oyentes.
El resto del disco se basa en esas dos canciones, mostrando a la banda iterando su estilo de música de maneras interesantes y emocionantes. «Know Your Enemy» (que presenta a Maynard James Keenan de Tool) muestra a De la Rocha contando su propia historia. Y pidiendo a los oyentes que hagan su llamado a las armas.
Dirigido al sistema y su falsa narrativa cultural del «Sueño Americano». Sugiere que el «Sueño Americano» que le enseñaron a una edad temprana fue realmente una forma de mantenerlo inconsciente de las realidades que lo rodean y que la violencia es un hecho cotidiano en Estados Unidos. Termina la canción cantando «Todos los cuales son sueños estadounidenses!». Con más y más rabia y desesperación en su voz a medida que termina la canción.
A lo largo del resto del álbum, Tom Morello define el sonido de su guitarra con “Fistful of Steel” colocando el tono de su guitarra en algún lugar entre una sirena de policía y una mujer gritando, antes de terminar en un salvaje solo de wah-wahs y chirridos de guitarra al final.
El resto de la banda también mantiene la línea muy bien. La batería de Wilk se vuelve tribal a veces. Y los graves de Commerford son pesados y frescos. Y esta noche ingresan al Salón de la Fama del Rock & Roll.
Cada miembro se toma su tiempo para tocar. Canciones como «Township Rebellion» permiten a cada miembro sentarse y hacer riffs de una manera poderosa y segura. Rage Against the Machine se reproduce como una pieza singular.
Una canción capaz de hacer referencia a un corte anterior a través de la letra de De la Rocha o en las instrumentales del grupo.
Rage Against the Machine conectó con todo tipo de gente que se sentía privada de sus derechos en todo el mundo. Las primeras críticas se centraron en la confianza de la banda en su forma de tocar. Sin miedo a cómo la gente puede tomar su política o la mezcla de géneros.
El disco vendió más de tres millones de discos en los Estados Unidos, certificándolo como triple platino.
A simple vista, la música deRATM puede simplificarse demasiado a la rabia de un adolescente contra un maestro o un padre. Pero profundizar en la letra ofrece al oyente una recompensa de poder aprender sobre las diferentes luchas contadas por la banda.
Sus canciones seguirían inspirando a algunas bandas menos virtuosas, incapaces de pensar críticamente sobre de dónde viene su rebelión o hacia quién se dirige. Pero Rage Against the Machine sí inspiró una conciencia real para los fanáticos del rock que tal vez no lo hubieran esperado. Convirtiendo la música en algo armado y palpable.