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Estos son los 10 discos instrumentales perfectos de principio a fin en el rock, según Futuro

Hay veces en que no necesitas palabras ni canto para apreciar la música, y esta decena de producciones lo demuestra a la perfección.

Discos Instrumentales Perfectos
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Puede que el apogeo de los discos de rock instrumental haya terminado, al menos en términos de cantidad de lanzamientos, pero aún quedan bandas maravillosas e inventivas que crean música sin letras que sigue inspirando y entreteniendo. Sin palabras que distraigan ni un líder que cargue con la atención, los álbumes instrumentales ofrecen a los músicos un desafío y una oportunidad de demostrar de lo que son verdaderamente capaces.

Para enganchar al oyente sin cantante, un álbum de rock tiene que ser de una calidad y profundidad extraordinarias, y los propios músicos deben ser del mejor calibre. No debería sorprender, entonces, que en el siguiente resumen abunden músicos virtuosos. Sin embargo, aquí no encontrará solo héroes de la guitarra ni jams extensas sin rumbo. Se trata de sets ajustados y coherentes llenos de arreglos fantásticos, que dan como resultado una de las músicas más fascinantes y envolventes jamás grabadas.

Desde los innovadores de la guitarra de principios de la década de 1960 hasta el apogeo de la era del jazz-rock y el panorama del post-rock, presentamos diez de los mejores y más influyentes álbumes de rock instrumental en la historia de la música popular. A continuación, los 10 discos instrumentales perfectos de principio a fin en el rock, según Futuro.

Dick Dale & His Del-Tones – Surfers’ Choice

No se puede hablar de álbumes de rock instrumental sin Dick Dale. Fue indiscutiblemente el pionero de la música surf. Combinó escalas de Oriente Medio con experimentación con reverberaciones y punteos de trémolo de alta velocidad. Sigue siendo uno de los guitarristas más influyentes de la historia de la música popular. Y todos, desde Hendrix y Townshend hasta Brian May, reconocen su deuda. Dale también participó en el avance de la tecnología detrás del sonido. Trabajó junto a Leo Fender (de las guitarras Fender) para desarrollar sistemas de amplificación innovadores.

Steve Vai – Passion And Warfare

Steve Vai puede considerarse uno de los guitarristas más admirados de todos los tiempos. Comenzó en el entorno intimidante y desafiante de la banda de Frank Zappa y luego disfrutó de una carrera muy exitosa, tanto en solitario como en colaboración con una gran cantidad de grandes. «Passion And Warfare» (1990) fue su segundo lanzamiento de estudio y un proyecto intrigante. El propio Vai describió memorablemente el álbum como «Jimi Hendrix conoce a Jesucristo en una fiesta que Ben Hur organizó para Mel Blanc» (en una introducción al libro de música que acompaña al disco). Vai es, por excelencia, un artista comprometido con su arte. Grandioso por momentos, estimulante e incendiario por otros, es un viaje que lo abarca todo. Es un álbum que exige un buen par de auriculares y una inmersión total.

Tortoise – Millions Now Living Will Never Die

Este disco de Tortoise seguramente debe estar entre los mejores. La frase es una referencia a los primeros días de la fe de los Testigos de Jehová y, de una manera extraña, hace un gran trabajo al precisar la música misteriosa y en busca de respuestas que se puede encontrar en este álbum. De hecho, Tortoise ha sido señalado constantemente (y con razón) como una de las primeras y más influyentes bandas del género post-rock. El término post-rock, como todas esas etiquetas, es tan limitante como esclarecedor, pero con solo unos segundos de escucha te convencerás de que MNLWND es un disco excepcional. Esta es música que parece venir de todas partes y de ninguna parte. ¿Atmosférica? Ciertamente, pero hay mucho más en juego. Tortoise llega a lugares, bajos y altos, que otros artistas ni siquiera notan. El rock glacial choca con sonidos encontrados, exploraciones introspectivas (pero nunca autocomplacientes) de guitarra, trip-hop brillante, líneas de bajo amenazantes y bandas sonoras de jazz aceleradas.

Jeff Beck – Blow By Blow

«Blow By Blow» de 1975 incluye una mezcla de versiones y temas originales de Jeff Beck. Y sigue siendo un tema destacado en la larga carrera del guitarrista. Respaldado por Max Middleton en los teclados (cuyos créditos incluyen trabajos con Kate Bush, Chris Rea y John Martyn), Phil Chen en el bajo (Ray Manzarek, Rod Stewart) y Richard Bailey en la batería (Steve Winwood, The Who), además de una aparición especial no acreditada de Stevie Wonder, Beck se desliza a través de esta música con una facilidad envidiable. Desde el jazz-funk y el blues-rock hasta la maravillosamente sinfónica Diamond Dust, hay algo para todos los gustos. En casi todo momento, la guitarra de Beck brilla como una veta de plata.

John Paul Jones – Zooma

El bajista y tecladista de Led Zeppelin se vio, tal vez comprensiblemente, un tanto eclipsado por sus compañeros de banda durante su etapa con los legendarios rockeros. Sin embargo, su excelente interpretación, en cuatro cuerdas y piano, proporcionó la base para el sonido de Led Zep y agregó matices y belleza a muchas de sus mejores composiciones. Como lo demuestra su carrera en solitario, John Paul Jones es un músico excepcionalmente talentoso, rebosante de ideas. Puede tocar casi cualquier instrumento de cuerda que se te ocurra y es un excelente compositor. Como prueba, «Zooma» (lanzado en 1999 en Discipline) es un maravilloso lugar para comenzar.

Paul Newman – Machine Is Not Broken

Se puede perdonar que no hayas oído hablar de Paul Newman, un grupo con base en Austin que, entre 1997 y 2005, publicó cuatro álbumes extraordinarios. Es justo decir que, fuera de su estado natal, podrías viajar mucho antes de encontrarte con alguien que reconociera el nombre (al menos en lo que a música se refiere). De hecho, Paul Newman no tomó su apodo de la legendaria estrella de cine, sino del nombre real de su bajista. Junto al mencionado Newman, tenemos a Craig McCaffrey (guitarra, voz), Anthony Nozero (batería, tuba) y Edward Robert (bajo, electrónica). Si te metes en las aguas engañosas de las etiquetas de género, sin duda podrías lanzar la red del Math-Rock sobre Paul Newman, pero eso sería pasar por alto su intensidad ardiente, su emoción de combustión lenta y sus estallidos de energía maníaca. Estaban, por encima de todo, completamente comprometidos con su sonido. «Machine Is Not Broken» de 2000, es un buen lugar para empezar. En cada tema de este set se puede escuchar la concentración y el empuje de los músicos. Merecen ser más conocidos, así que, si disfrutas de esta muestra, no dudes en buscar sus otros discos.

Joe Satriani – Surfing With The Alien

No puede haber muchos guitarristas más famosos que Joe Satriani. «Surfing With The Alien» (1987) es su segundo álbum de estudio y uno de los más recordados. Grabado con un presupuesto reducido de tan solo 13.000 dólares, el álbum lucía una llamativa portada, que consistía en un panel del cómic Silver Surfer de Marvel. Las restricciones presupuestarias mencionadas anteriormente, de hecho, contribuyeron al sonido distintivo del disco: una mezcla de ejecución en vivo y ritmos programados. Para ahorrar dinero, la mayoría de los ritmos se generaron utilizando cajas de ritmos, con sobregrabaciones de percusión en vivo añadidas. Solo uno de los notables solos de guitarra de Satriani fue elaborado de antemano, el resto se improvisó en el momento. Impetuoso, atrevido, pesado e implacablemente juguetón, «Surfing With The Alie»n está firmemente anclado en su tiempo. No se podría confundir con ninguna otra década que no sean los 80, pero eso es precisamente lo que hace que este disco funcione tan bien. Es una maravilla absoluta de principio a fin.

Mahavishnu Orchestra – The Inner Mounting Flame

The Mahavishnu Orchestra nunca sucumbió al ostentación ni a la autocomplacencia. Pasaron por varios cambios de formación, pero podría decirse que su debut, «Inner Mounting Flame» (1971), es el que muestra lo más fuerte. Tenemos a John McLaughlin, el hombre que le dio lecciones de guitarra a Jimmy Page. McLaughlin fue una parte clave de lo mejor de la música inglesa durante la década de 1960, tocó con Jimi Hendrix y tocó en algunos de los álbumes emblemáticos de Miles Davis. El excepcional Rick Laird, que trabajó con muchos de los mejores del jazz, se encarga del bajo. El gran baterista de fusión Billy Cobham, que también trabajó con Davis, toma las baquetas, el virtuoso Jerry Goodman toca el violín y nada menos que Jan Hammer (que siempre será recordado por su trabajo en Miami Vice) toca los teclados. Los resultados incendiarios son sencillamente extraordinarios.

Herbie Hancock – Head Hunters

No fue exactamente un giro a la izquierda. Ppero sí un paso hacia un nuevo territorio y un gran salto comercial para el pianista Herbie Hancock, el excepcional Headhunters de 1973 llevó el jazz-rock-funk al mainstream. Por supuesto, Hancock ya era un gran nombre en el mundo del jazz. Todo gracias a su posición junto a Wayne Shorter, Ron Carter y Tony Williams como parte del segundo gran quinteto de Miles Davis. De 1964 a 1968, Hancock tocó en algunos de los mejores discos de Davis, incluidas las primeras exploraciones del trompetista del jazz-rock. En la época de «Head Hunters», Hancock ya había publicado muchos buenos álbumes en solitario, desde jazz puro hasta fusiones de jazz-rock. Sin embargo, fue en este álbum de 1973 donde todo cuajó, mezclando a la perfección ritmos funk irresistibles con melodías atrapantes y una excelente interpretación de Hancock, Bennie Maupin, Paul Jackson, Harvey Mason y Bill Summers. Con solo cuatro temas extendidos, incluido el ahora famoso «Watermelon Man», «Head Hunters» ofrece un viaje salvaje y alocado lleno de ritmos hipnóticos y melodías en espiral. Un análisis de la increíble carrera de Hancock te llevará a muchos más descubrimientos maravillosos.

Pelican – What We All Come To Need

En los 70, los álbumes instrumentales de bandas de rock eran una característica común en el panorama musical. Particularmente en el género del rock progresivo. Hoy en día, es más difícil venderlos. El cuarteto de Chicago, Pelican, es uno de esos grupos que lanza constantemente álbum tras álbum de música intrigante. El hecho de que sean difíciles de clasificar es probablemente un factor que contribuye a su relativa oscuridad pero, como todas las bandas de este tipo, quienes los descubren y los aman se quedan con ellos en las buenas y en las malas. «What We All Come To Need», un punto culminante particular en la discografía de Pelican, es el cuarto álbum de la banda, lanzado en 2009. El álbum llegó en un momento difícil para el grupo, que según sus propias palabras sufría de agotamiento y estrés añadido por factores externos. Sin embargo, armaron un buen set aquí. Grabado en tan solo tres semanas, «What We All Come To Need» se desarrolla en nubes de intensidad oscura y abrasadora. Cuenta con contribuciones especiales de Greg Anderson (de Sunn O)))) y Allen Apley (de The Life And Times y Shiner).


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