¡Lo mejor del rock en este primer cuarto! Con la llegada del año 2025, la revista Rolling Stone reunió los 250 mejores álbumes de esta cuarta parte del siglo XXI. Una lista que trae éxitos de años como 2001, como también del año pasado, el 2024.
Desde la revista, señalaron que «queríamos mostrar el mayor alcance posible de esta historia… ésta es una lista de álbumes, no de artistas, y algunos de los más importantes han sacado demasiados discos increíbles como para negárselos. Tenemos suerte de contar con toda esta música para mantenernos motivados y cuerdos».
En el, se registran una cantidad inmensa de diferentes proyectos de múltiples artistas. Pop, reggaetón, rap, dembow, baladas; pero aquí nos importa uno más que el resto: el rock. Es así que, en esta nota, te presentamos los 10 mejores discos del género, según Rolling Stone.
Arcade Fire, «Funeral» (#90)
El debut del colectivo de rock de Montreal Arcade Fire se deleita en sus dualidades, ya que lidia con grandes ideas sobre el envejecimiento y la mortalidad. En cierto modo, «Funeral» se siente como una reacción a la postura demasiado «cool» para la escuela que asomó su bien peinada cabeza en el indie rock de principios de la década de 2000. En lugar de inclinarse hacia el emocionalismo a todo pulmón en el último suspiro de «Neighborhood #3 (Power Out)» y la orgullosamente imperfecta «Wake Up».
Publicado por Merge Records, casa de Superchunk y Magnetic Fields, el álbum desempeñó un papel fundamental en el impulso del género hacia la sinceridad, ganando nuevos fans y nuevos amigos de Arcade Fire, como Bono y David Bowie.
Green Day, «American Idiot» (#68)
Nadie estaba preparado para «American Idiot» cuando la ópera rock sobre la vida en la América de George W. Bush salió a la venta en otoño de 2004. Antes de su lanzamiento, muchos consideraban a Green Day como un grupo de pop-punk de los noventa quemado, una década después de su apogeo con Dookie. Pero American Idiot -que apunta al complejo militar-industrial, la avaricia corporativa, el malestar suburbano e incluso la telerrealidad- conectó con una nueva generación de adolescentes y convirtió a Green Day en una banda de rock de estadio sólo rivalizada por U2.
Vendió 23 millones de discos en todo el mundo, se convirtió en una obra de Broadway, le valió a Green Day un Grammy al mejor álbum de rock. Demostró que las noticias sobre la muerte del rock en la era de Napster eran exageradas.
Arctic Monkeys, «AM» (#57)
Con su expansiva paleta sónica y sus innumerables influencias, «AM» se erige como el disco de rock con mayúsculas de los Arctic Monkeys. No se trata sólo del riffage máximo de «Do I Wanna Know» o del culto a Sabbath de «Arabella», sino de los afluentes que llevan a todo el mundo, desde Lou Reed («Mad Sounds») y Aaliyah («R U Mine?»), hasta Dr. Dre («Why’d You Only Call Me When You’re High») y Elton John («No. 1 Party Anthem»).
Todo ello mantiene la narrativa picaresca de Alex Turner sobre el dolor y el anhelo, a veces fantástica, a menudo representada con el vívido realismo que ha definido durante mucho tiempo algunas de sus mejores composiciones. AM demuestra una vez más que no hay nada más rock & roll que el deseo insaciable, la soledad abyecta y las guitarras estridentes.
The Killers, «Hot Fuss» (#42)
«Hot Fuss» fue como la respuesta del club de teatro a la fiesta indie de los chicos «cool» de principios de los 2000, y si piensas que eso es peyorativo, es cosa tuya. El arrollador debut de la banda de Las Vegas combinó la ambición del tamaño de un estadio y un pop de otro mundo con pinceladas de New Wave, glam, post-punk y dance-punk. Esto, para crear una de las músicas más imborrables de principios del siglo XXI.
«Mr. Brightside» se ha convertido en el clásico de peso, seguido de cerca por “Somebody Told Me” y “All These Things That I’ve Done”. Pero Hot Fuss está lleno de éxitos, desde el rock propulsivo de «Jenny Was a Friend of Mine» hasta la lánguida pompa de sintetizador del final, «Everything Will Be Alright».
Wilco, «Yankee Hotel Foxtrot» (#30)
Esperando un disco de alt-country apto para la radio, el sello original de la banda rechazó «Yankee Hotel Foxtrot». Sólo para que Wilco lo difundiera gratuitamente y luego firmara con un sello hermano, que lo convirtió en un éxito. «Yankee Hotel Foxtrot», apodado con razón el Kid A americano, combina la bella y apagada forma de componer de Jeff Tweedy con unos arreglos que mezclan los esperados sabores del roots-rock con los zumbidos, graznidos y pitidos del krautrock.
Incluso cuando Tweedy lidiaba con el control de daños mentales («There is something wrong with me/My mind is filled with radio cures/Electronica surgical words», canta en «Radio Cure»), él y Wilco se liberaron de los pastos del roots-rock y mostraron los emocionantes y excéntricos lugares en los que el rock & roll podía aventurarse en el nuevo siglo.
Yeah Yeah Yeahs, «Fever to Tell» (#27)
Los Yeah Yeah Yeahs eran un sueño de punk-rock neoyorquino hecho realidad, tres chicos que lanzaban su propio estilo de garage enloquecido por el sexo. Irrumpieron en el estancamiento de la escena rock de principios de la década de 2000 y la convirtieron en una fiesta salvaje. Su vocalista, Karen O, se paseaba por el escenario con mallas rotas y los labios pintados de carmín, como una temible niña demonio con un aullido salvaje.
Los YYY se convirtieron en una sensación mundial con su debut, «Fever to Tell», con el salvaje pavoneo de «Y Control» («I wish I could buy back the woman you stole») y «Black Tongue». Su dolorosa balada de amor «Maps» se ha convertido en un clásico atemporal, con Karen suplicando «Wait, they don’t love you like I love you» sobre la guitarra mutante de Nick Zinner y la atronadora batería de Brian Chase.
David Bowie, «Black Star» (#24)
David Bowie sabía que se estaba muriendo de cáncer de hígado cuando empezó a grabar «Black Star» a principios de 2015 con el productor Tony Visconti. Trabajando junto a un grupo de músicos de jazz de Nueva York liderados por el saxofonista Donny McCaslin, creó lo que Visconti llamó un «regalo de despedida» para los fans. La inquietante «Lazarus» («Look up here, I’m in Heaven/I’ve got scars that can’t be healed») es el punto álgido emocional, mientras que la canción que da título al disco, de 10 minutos de duración, es una asombrosa fusión de prog rock y jazz de vanguardia que está a la altura de cualquiera de los mejores trabajos de Bowie en los setenta.
Los fans sólo tuvieron un fin de semana para asimilar el álbum antes de que el lunes se conociera la noticia de la muerte de Bowie. Fue uno de los mejores finales de la historia del rock.
The White Stripes, «Elephant» (#14)
Si «Johnny B. Goode» de Chuck Berry nos dio el riff de guitarra por excelencia del siglo XX, «Seven Nation Army» de los White Stripes hizo lo mismo en este siglo. Grabado con equipos antiguos y sin ningún adorno de producción, la salva de apertura de «Elephant». Esa línea de bajo metronómica y inexpresiva que ha sonado en iPods y reverberado en estadios, desde el rey de Inglaterra hasta los sabuesos del infierno hizo algo más que recordar al mundo el eterno atractivo de los elementos básicos del rock.
El álbum creó una especie de modelo de autenticidad en la era digital. La garra minimalista del dúo de Detroit presagió el éxito de los revivalistas del garage-rock, desde Black Keys a Arctic Monkeys, mostrando cómo canalizar el pasado sin caer en la nostalgia.
The Strokes, «Is This It» (#10)
Con su estilo de niños ricos y sus melodías neo-New Wave escandalosamente divertidas, The Strokes dieron a la escena del rock una infusión de calor muy necesaria, Montando una enorme ola de expectación en su LP de debut. Todos sus movimientos procedían de Lou Reed, Tom Petty, The Cars, Television, The Psychedelic Furs y otros, pero los mezclaban y combinaban con una genialidad que parecía meticulosa y despreocupada al mismo tiempo.
Desde «Last Night» a «Soma», pasando por «Hard to Explain» o «Trying Your Luck», su «Is This It» rebotó sin una sola canción poco pegadiza en la lista de canciones, situándose entre los mejores discos de guitarras neoyorquinos jamás grabados. Is This It desempeñó un papel fundamental en el inicio de toda una avalancha de bandas «cool» en la década de 2000.
Radiohead, «Kid A» (#2)
Cuando «Kid A» salió a la venta en octubre de 2000. Bill Clinton era presidente, las Torres Gemelas estaban en pie, Donald Trump era un mercachifle inmobiliario fracasado e Internet aún prometía educar a los jóvenes y unir a la humanidad. Pero los 11 temas que Radiohead reunió para su cuarto álbum -utilizando secuenciadores, cajas de ritmos, sintetizadores vintage, cuerdas y una sección de metales- presagiaban un siglo XXI más oscuro. Marcado por el miedo, la soledad, la dislocación y los avances tecnológicos que sólo nos dividen aún más. (En otras palabras, sabían exactamente hacia dónde nos dirigíamos).
Al principio, los fans quedaron desconcertados por canciones densas y abstractas como «Everything in Its Right Place», «Idioteque» y «The National Anthem». Al cabo de unos años, muchos lo consideraban su álbum favorito de Radiohead. Y 25 años más tarde, la opinión casi universal es que «Kid A» no es sólo un gran logro de la mejor banda de su tiempo, sino también una advertencia que no fue escuchada en absoluto.